¡Vacaciones!

Pues eso, que me voy de vacaciones, unos días a la playita, y luego a Berlín a beber cervecita fresca, así que hasta Septiembre dudo que ponga nada por aquí, aunque si puedo ya subiré alguna fotilla vale? ¡Besos y abrazos para todos, hasta pronto!

El Verdadero Rostro de Leonardo Da Vinci

Como siempre en Microsiervos encontramos alimento para el blog (no dejo de preguntarme por un lado cuantos blogs como el mío cogen cositas prestadas de Microsiervos, y sobre todo de donde narices saca tiempo Alvy para poner posts de astronomía, diseño, arte, informática, etc.)

De las más de 700 obras que Leonardo realizó con seres humanos nunca hizo un autoretrato de manera "oficial" En la imagen del anciano de la izquierda encontramos la imagen que más aceptada está como autorretrato. Un artista especializado en retratos trata de desvelar cómo sería el verdadero rostro de Da Vinci a partir del análisis de todos los cuadros que ha hecho sobre personas. Aquí tenéis el enlace del video, y como siempre felicitar a Alvy por su trabajo.

Johny Cash

Título: Johny Cash
Año: 2006
Soporte: Acuarela, 42x30, papel Fabriano

Uno de los mayores retos a los que se suele enfrentar un diseñador gráfico en su trabajo del día a día es obtener buen material gráfico con el que trabajar. Por desgracia, cuando los clientes carecen de suficiente presupuesto (por otra parte lo más habitual), te suelen venir con materiales de muy dudosa procedencia que además adolecen de una calidad realmente horrorosa. Con respecto a la procedencia, los estudios de diseño gráfico podemos "lavarnos las manos", puesto que el material te lo está proporcionando el cliente, y por lo tanto el último responsable de la legalidad de dichos materiales es él, pero con la calidad poco podemos hacer. En este sentido internet es el gran enemigo. Para el usuario que sabe lo que tiene que buscar es una maravilla, pero para el cliente que no tiene los conocimientos técnicos necesarios, la cosa cambia. Normalmente te traen imágenes horribles, con una calidad tan mala, que la imagen no se podría reproducir más grande de 1x1 cm. sin que saliese pixelada. Pero es que la cosa sea aun más graciosa, te la traen impresa en su impresora Epson de hace cinco años con el modo de tinta "ahorro", para que tú la escanees. Y claro, tú te tiras de los pelos, y te apetece pegarte un tiro.

Para estos casos existen soluciones económicas, como por ejemplo los bancos de imágenes, o incluso los cliparts, que sin ser ninguna maravilla, al menos te sacan del apuro. Y en algunos casos puntuales, siempre bajo la responsabilidad del cliente, puedes intentar hacerles el favor y buscarles tú las imágenes por internet. Esto para cierto tipo de trabajos puede estar bien, pero para otros trabajos simplemente no sirve.

Uno de mis clientes más... peculiares, por decirlo finamente, nos solía encargar que le diseñásemos carátulas de películas. Su presupuesto era nulo, pero tenía en su haber los derechos de venta de un montón de películas, en la época del VHS, y decidió que era un buen momento para publicarlas en DVD. Una ventaja del DVD como formato a la hora de hacer carátulas de películas, es que tiene una calidad suficientemente buena, como para que cualquier fotograma de la película sea susceptible de ser capturado y utilizado como material gráfico para la carátula, siempre y cuando el cliente tenga los derechos para utilizar dicho material, claro, aunque como decía antes ese ya no es problema del diseñador sino del cliente. Pero en el caso de este cliente en concreto, la calidad de sus DVDs era tan, tan mala, tan nefasta y horrorosa y yo añadiría insultante para el comprador, que ni siquiera los fotogramas capturados servían, ni de lejos, como material gráfico para la carátula. De hecho aprovecho estas líneas para decir lo vergonzoso que me parece atreverse a publicar un material con una calidad de a/v tan horrorosa. Así que llegados a este punto, os podéis imaginar la dificultad enorme que implica diseñar una carátula para una película mala, que se ve mal, de la que no tienes prácticamente material y para la que te meten prisa.

En mi profesión, cada diseñador enfoca cada trabajo que se le propone de una forma distinta. Yo he conocido gente que ante un cliente así, y un encargo como este, se lavan las manos, hacen la primera cosa que se les ocurre, en plan cutre para quitárselo de en medio, y pista. Yo personalmente creo que los diseñadores tenemos que optar siempre por la excelencia en nuestro trabajo, ya que realmente tenemos el enorme privilegio de vivir del arte, algo que tantísima gente desearía y tan pocas personas pueden decir. Y por lo tanto intento enfocar cada trabajo que me llega con todo el cariño. En el caso de los diseñadores gráficos que salimos de las universidades de Bellas Artes, y como decía un profesor mío, que se llama Jose Mari Sánchez, nuestro perfil es el de "todo terreno". Eso significa que (al menos en teoría) tenemos un nivel medio-alto en dibujo y pintura a través de distintas técnicas, fotografía, escultura, materiales, y un nivel alto de abstracción y capacidad de enfocar un trabajo desde puntos de vista muy complejos, además por supuesto de los conocimientos propios de la especialidad de diseño gráfico. Esto nos hace muy diferentes al perfil de diseñador que sale de un ciclo o de un master, que suelen tener niveles altos en informática pero adolecen de graves faltas de teoría, técnica o capacidad de abstracción. Y eso nos da la enorme ventaja de, ante un encargo como este, poder enfocarlo desde el mundo de la tipografía, de la fotografía metafórica, hacer una escultura representativa, o como yo en este caso, optar por la ilustración figurativa.

En el caso de esta ilustración, formaba parte de una carátula para la película "El Gran Duelo", un western en el que Johny Cash y Kirk Douglas se lían a tiros. Estaba en fase de boceto, porque al final no se llegó a publicar. Normalmente para este tipo de carátulas lo mejor es utilizar pasteles, ya que se podría decir que tienen la mejor relación calidad/tiempo, pero para los bocetos yo prefiero las acuarelas, que son bajo mi punto de vista la técnica de ejecución más rápida que hay, y que con un poco de ayuda informática consigue resultados muy innovadores e interesantes.

Y toda esta gran chapa, para que entendáis porqué en un momento de mi vida me dió por realizar una acuarela de Johny Cash, cosa que sin duda no habría hecho nunca, de no ser por este encargo.

Qué vueltas da la vida verdad? Bueno, en cualquier caso espero que os guste. Un abrazo muy fuerte!

Embrión

Título: Embrión
Año: 2006
Técnica: Mixta

Esta ilustración la hice con motivo de la realización de una carátula, hará cosa de un par de años, sobre una película en la que creaban un ser humano acelerando el proceso de crecimiento, saltándose la niñez. La peli es una cutrez de serie B, o C, o vete tú a saber, pero para mí fue una idea muy sugerente, la de llevar a un ser humano adulto a ese estado embrionario, conectado al mundo solo por un tubo.

Decidí utilizar acuarelas, para posteriormente tratar la imagen y crear un fondo mucho más saturado con ayuda del ordenador, para crear un contraste entre mundo interior, y mundo exterior. Creo que lo más interesante es que la imagen es lo bastante compleja como para ir mucho más allá de la idea que la originó, y creo que puede dar lugar a reflexiones interesantes, sobre el mundo interior, la soledad. Los brazos cruzados, la posición fetal, el personaje está orientado hacia la izquierda, el exterior es agresivo, el interior cálido...

En general es una imagen que me consta que no le gusta a todo el mundo, pero con la que yo disfruté mucho, tanto al realizarla como cada vez que la recuerdo. ¡Espero que os guste!

Locos por el Arte

El otro día una chica que se llama Bohemia me invitaba por mail a entrar en este foro, que se llama Locos por el Arte. Se trata de un lugar de encuentro donde personas de todo tipo comparten su pasión por el arte con trabajos de todos los niveles. Me ha gustado la idea y me he hecho forero, así que también os invito a que echéis un vistazo y si os gusta os paséis por allí. También quería recalcar lo interesantes que me parecen los proyectos como este, que sirven para conocer gente con la que compartir aficiones e intereses. Así que ahí queda eso, ¡espero que os guste!

Cruz de Hierro

Título: Cruz de Hierro
Soporte: Digital
Año: 2008

Cuando me encargaron hacer una ilustración de una cruz de hierro con una calavera me hizo bastante poca gracia. Era para un compañero aficionado a hacer tunning en su moto, y lo quería para los cuentakilómetros. Yo sabía que la cruz de hierro es una distinción honorífica del ejército alemán, y que se asociaba directamente con la alemania nazi. Es bien cierto que originalmente estaba más asociada a la orden de los caballeros teutónicos y que su historia, como la de todo símbolo, va mucho más allá de las simples asociaciones políticas de nuestra era. Pero en la actualidad su carácter icónico está muy asociado al mundo nazi, en aquellos casos en que la esvástica no se puede utilizar. Personalmente hay temas que no me gusta tocar,por ir en contra de mi ideología, y la exaltación de la simbología nazi es uno de ellos. Por todas esas razones pensé que mi compañero o bien no sabía el significado de la simbología, o peor aun, sí la conocía. Y al final resulta que no era ni una cosa ni otra.

Según me contó mi compañero, de nombre Miguel por cierto, tipo peculiar donde los haya, los americanos destinados a alemania durante la segunda guerra mundial, colgaban las cruces (distinciones honoríficas) de los enemigos caídos en sus motos, y así con el tiempo la cruz de hierro se convirtió en símbolo de moteros, por eso está tan relacionada la imagen de las chopper, con la de la cruz de hierro. Investigando por internet encontré que se habla más bien de la cruz de malta, y su significado de bienaventuranza, etc. Las dos cruces son similares, excepto en detalles como la curvatura de las palas, y otros factores que seguro que son de una gran importancia para un experto en simbología, pero que no vienen a cuento aquí. Los símbolos admiten tantas lecturas dependiendo de la cultura que los utilice, que parece demasiado vago atreverse a aventurar un significado exacto. Pero sí se puede sacar la conclusión de que, entre la forma en que utilizan los moteros el símbolo de la cruz, y el aspecto político que tanto rechazo me produce, no existe ninguna asociación.

En la ilustración busqué crear un caracter muy agresivo, más cercano a la imaginería del metal, pero mezclándolo con una ilustración muy gestual. Por otra parte busqué "ensuciar" la imagen en la línea del diseño postindustrial. Creo que el resultado es bastante interesante, aunque poco tiene que ver con lo que hago habitualmente. ¡Espero que os guste!

PE08: W. Eugene Smith en el teatro Fernán Gómez

Hace más o menos tres semanas que fui a ver esta exposición de W. Eugene Smith. Me resultó tan pregnante, tan profunda, que he tenido que esperar tres semanas a poder digerirla y encauzar mi rumbo de pensamientos antes de hacer una reseña sobre la misma. Ahora siento que ya la he digerido, y que estoy preparado para explicar el porqué me impresionó tanto.

Pero vamos por orden, lo primero es explicar que el señor William Eugene Smith era un fotógrafo, especializado en el reportaje fotográfico, y considerado uno de los fotógrafos más influyentes de la historia en su campo. Inició su carrera trabajando para varias revistas, pero fue la revista "Life" la que le sirvió para consolidarse y desarrollar su propio lenguaje. Era conocido por su perfeccionismo, lo que unido a una personalidad obsesiva le traería grandes problemas a lo largo de su vida. Su entrega a su trabajo era total. Durante la guerra mundial sufrió heridas que lo manutivieron postrado en una cama, y solo su fuerza de voluntad y su necesidad de seguir fotografiando le hicieron superarlo. Toda su energía la dedicó a la observación, pero no una observación científica y neutra sino controlada, de tal forma que con sus imágenes podía transmitir las sensaciones que a él le interesaban.

Existe abundante información en internet sobre Eugene Smith, a continuación os dejo unos pocos enlaces, pero es fácil encontrar muchas más imágenes muy interesantes sobre el autor.

· Eugene Smith en la wikipedia
· esmadrid.com
· El ángel Caído, comentario de Manuel Rodríguez
· Photoespaña

En la muestra que se puede ver en el teatro Fernán Gómez se puede ver una retrospectiva de la obra del autor, con algunas piezas que no se exhibían al público desde hace décadas. Se divide en secciones.

La primera sección la dedica a un pueblo español. En la época de Franco, y como crítica al mismo, constata el estado casi primitivo de un pueblo en España.

La segunda sección la dedica a la figura de un médico, en un pequeño pueblo de EEUU, siguiéndole durante un mes, y observando el cuidado que dedica a las gentes, y a la comunidad, y también la forma en la que éstos le tratan a él.

La tercera sección la dedica a la figura de una comadrona negra también en EEUU, observando y acompañándola a todas partes, y viendo como la mujer hace no solo de comadrona, sino también de enfermera, maestra, cuidadora de niños, cocinera, etc.

La cuarta sección la dedica a un alemán que trabaja en África creando escuelas y haciendo labores humanitarias.

La quinta sección, y tal vez la más interesante desde el punto de vista visual, está dedicada a la época en la que trabajó sobre Pittsburg, su trabajo más importante y monumental, que por desgracia nunca llegó a terminar. En esta sección se pueden ver las que bajo mi punto de vista son las fotografías más interesantes desde el punto de vista plástico, y además se observa el proceso de preparación no solo de las fotografías sino también de la maquetación de su libro.

En la última sección se puede observar una recopilación de varias series, entre las que destacan la de Minamata, un reportaje-denuncia en la que Eugene Smith fue a un pueblo de Japón donde se producían vertidos de mercurio en un lago del que luego bebían los habitantes. A esta serie pertenece una de sus fotografías más conocidas, la de "Tomoko tomándose su baño".

Lo que más me impresionó de este autor fue su entera implicación en cada trabajo que hacía. En lugar de un observador pasivo, él se implicaba, buscando los valores más profundos del espíritu humano, como la nobleza, o la devoción y empeño que ponían en su trabajo tanto el médico como la comadrona, convirtiéndolos en auténticos ejemplos y referencias. Eso me hizo reflexionar sobre las personas a las que idolatramos en la actualidad, personas vacías como cascarones, que solo tienen belleza. Que en lugar de implicarse con la comunidad miran solamente por su propio beneficio. En lugar del concepto de grupo, estamos en la sociedad del individualismo. En lugar de querer ver los problemas de verdad, nos centramos en pequeñeces que realmente no nos afectan, pero que nos hacen sentir bien. No nos implicamos realmente en nada, no sacrificamos nada, no renunciamos a nada. Esa libertad de juzgar que hemos perdido por la sociedad mediatizada en la que nadie se atreve a tener una opinión propia, esa super importancia del objeto o del físico por encima del sujeto o de la persona. Cuando salí de la exposición mi cabeza ardía con todos estos pensamientos, y meditaba sobre la necesidad de que lo que nosotros hagamos, aunque solo sean fotos, sirva para otras personas, y no nos centremos tanto en lo nuestro, en el super-ego. O por lo menos que no cerremos los ojos, que no nos neguemos a mirar a nuestro alrededor. Y que recordemos y nos esforcemos muchísimo por averiguar cuáles son nuestros valores, que sepamos reconocer las virtudes de los demás, pero lo más importante, que no nos dejemos deslumbrar por bombillas potentes pero vacías.

Ya digo que a veces depende del estado de ánimo del espectador más que de la exposición en sí misma, pero a mí esta exposición me impresionó, y me recordó lo cercano que puede estar el arte del mundo real, y lo útil que puede ser para la sociedad. Espero que si tenéis la oportunidad de ver esta exposición no os la perdáis. ¡Un abrazo a todos!

Letras y películas

Letras y películas
Encontré este juego a través de Microsiervos, en la página de la revista Empire.

El juego consiste en, a partir de una letra de las que conponen el título de una película, averiguar qué película es. A mí me ha encantado, sobre todo porque uno de los curros que suelo hacer es el de diseñar carátulas de películas, con lo que muchas de las letras que aparecen ahí son documentación gráfica que suelo utilizar. Yo he conseguido averiguar 22, algunas son muy fáciles, pero otras se las traen!
Os dejo una captura del juego, ya me contaréis vuestros resultados, ¡un abrazo!

¿Qué será ésto?

Título: ¿Qué será ésto?
Soporte: Medio Digital
Año: 2008

Un día estaba yo tan tranquilo procrastinando, cuando encontré algo de información sobre máquinas de vapor. Investigando un poco encontré toda una serie de imágenes que trabajaban sobre el concepto de las máquinas de vapor aplicadas a máquinas modernas, que se suele llamar "Steampunk". Uno de los mejores ejemplos es la película "Steamboy" de Katsuhiro Otomo. Mientras que lo miraba, iba gestando una idea de ilustración, y ahí fue cuando surgieron los primeros bocetos de "Qué será ésto...". Al principio no sabía muy bien qué hacer, ni cómo hacerlo, salvo que quería un bicho metálico, y una flor. Hacía tiempo que le daba vueltas a la idea de currarme una ilustración sólo con medios digitales, tableta gráfica en mano, con illustrator y photoshop. Durante un tiempo estuve haciendo bocetos e historias, y poco a poco definí las formas del insecto. Illustrator es un programa extremadamente potente, pero tiene fuertes carencias a la hora de aplicar el color, así que exporté la ilustración a Photoshop, donde creé el fondo y pinté el conjunto. Como quien no quiere la cosa el tema se alargó en el tiempo y me tuvo entretenido unas cuantas semanas, pero creo que el resultado merece la pena.

Quiero agradecer por cierto a Morán sus palabras que me hicieron sentir muy orgulloso de mi trabajo cuando le enseñé la ilustración completa, así como a Laura que fue revisándola fase por fase. Creo que la imagen es lo bastante clara como para no necesitar explicación, así que no me enrollo más y os dejo que la disfrutéis. Por cierto, incluyo un pequeño video del "cómo se hizo" (podéis pinchar aquí si lo queréis ver más grande). ¡Espero que os guste!

PH08: Mírate, en la Fundación Canal

La fundación Canal, paralelamente a la exposición retrospectiva sobre Duane Hanson, presenta una exposición fotográfica. Se trata de una exposición que nace de un proyecto de colaboración entre modelos y artistas. Más de cien fotografías expuestas tanto al aire libre, como dentro del Depósito Elevado, que se abre al público por primera vez.

A efectos prácticos, se trata de una serie de fotografías puestas sobre la pared del patio. Da una sensación desangelada, como si estuviesen ahí puestas porque no había otro sitio. Se trata de una sucesión de retratos de cara y de cuerpo entero que no parecen guardar mucha relación entre sí. Tampoco es fácil encontrar información sobre la razón de ser de la recopilación.

Bajo mi punto de vista se queda en una exposición algo vacía e intrascendente, si bien es cierto que como concepto es interesante, parece que no está demasiado bien ejecutada y resulta poco atractiva. Con todo, os dejo unos enlaces donde podéis encontrar más información.
Si decidís ir a verla, espero que podáis sacarle más partido que yo...

Educa Madrid
Fundación Canal
Photoespaña

Duane Hanson: Escultura Hiperrealista en la Fundación Canal

La fundación Canal de Isabel II ofrece desde el pasado mes de mayo una retrospectiva de la obra de Duane Hanson. Este escultor, fallecido en 1996, comenzó su obra escultórica bebiendo de las corrientes abstractas de la época, pero su fascinación por la figura humana le acabarían alejando de esta corriente.

Duane Hanson es un escultor hiperrealista. Normalmente utliza moldes creados a partir de modelos reales en los que vierte un compuesto de resina de poliester, y utiliza la fibra de vidrio como refuerzo. A continuación pinta las esculturas y les añade "atrezzo" real, como ropa, accesorios, etc. El resultado es similar al que se puede observar en un museo de cera, por poner un ejemplo.

Lo que hace especiales a las obras de Hanson al compararlas con otros "muñecos", es que utiliza sus figuras como crítica social, trabajando desde el concepto de estereotipo, hasta los ideales de riqueza o las personas con menor poder adquisitivo. Resulta en ocasiones estremecedor observar el grado de detalle de algunas de sus piezas, que parecen estar tan tranquilas descansando o simplemente, permaneciendo. Como explica este artículo de ElPais.com, resulta chocante el efecto de no saber distinguir en ocasiones quienes son personas reales y quienes no. Recomiendo también echar un vistazo al video que publican sobre la exposición.

Entrando en una leve crítica a la exposición, encuentro que la muestra se adapta bien a un espacio expositivo que tiende a quedarse corto en este tipo de exposiciones, y que sobre todo resulta problemático por lo mal ubicado que está, bastante lejos del centro. La selección de piezas es variada y muy convincente, podríamos decir que es una muestra casi perfecta de la obra del autor.

Entrando en una valoración precisamente de la obra de Hanson, es un tema delicado e interesante. El apogeo del arte fotorrealista (que imita la realidad) e hiperrealista (que imitando la realidad va más allá de la misma) es el de la década de los 70. Como ya vimos en alguna ocasión, se trata de un estilo artístico que nació como "rechazo" a la evolución tecnológica que suponía la fotografía, y que basa su calidad en acercarse o incluso superar a la realidad. Una vez superado el impacto del virtuosismo técnico, sin embargo, queda una lectura bastante pobre y bastante vacía en comparación con otros lenguajes. El hiperrealismo encuentra sin embargo un gran aliado en el arte pop y en la posmodernidad, donde se puede soltar y donde no necesita demostrar nada, sino que puede simplemente ser. Es en este marco donde cobra verdadera importancia la obra de este autor, que a través de su perfeccionismo técnico nos acerca una serie de estereotipos a los que poca atención habríamos prestado normalmente. El impacto pop unido a la crítica social hace que podamos hablar de uno de los escultores más importantes de la segunda mitad del siglo XX, y del que otros autores, como el australiano afincado en Inglaterra Ron Mueck, beberían para dar un paso más y llevar el hiperrealismo a nuevos niveles.

Por lo tanto, y por terminar, una exposición altamente recomendable y de visita casi obligada para todos los que podáis acercaros a verla.

En este enlace y en este otro podéis ver algunas obras del autor, y aquí una breve biografía.
¡Espero que os guste, un abrazo a todos!

Logos de Paises

Navegando por Microsiervos (para variar) he encontrado esta entrada que hace referencia a logotipos de paises, ciudades y comunidades. Se trata de una página que se llama Ciudade Dos Logos, especializada en logotipos y diseño gráfico.
Es curioso observar cómo la mayoría siguen unas pautas muy comunes. Los colores primarios y los trazos sueltos, que transmiten una imagen joven y divertida, son compartidos por una gran cantidad de paises. Valores positivos y sencillos, que en algunos casos funcionan bien, pero que en la mayoría pecan de simples. Es importante observar que todos ellos son logotipos de turismo, y que por lo tanto pretenden vender un producto, en este caso un país. Aunque hay muchos detalles interesantes, y algunos que funcionan realmente bien, me gustaría destacar lo "feo" (se trata de un término técnico) que es el de España, que demuestra a las claras que arte, y diseño, son conceptos totalmente distintos. Más adelante sería interesante analizar este "logotipo" en concreto, para ver qué está bien y qué está mal del mismo.

Espero que os guste!

¡5000 visitas!

¡Ya llevamos 5000 visitas! Lo que para ser un blog de arte y diseño no está pero que nada mal! Quería agradecer a todos los lectores habituales y esporádicos, y sobre todo a todos los que participáis y formáis parte de este proyecto, vuestra participación. ¡Un abrazo y muchas gracias a todos!

Photoespaña 08

Entre el 4 de Junio y el 27 de Julio de este año, se celebra en Madrid el festival de Photoespaña. Se trata de uno de los festivales temáticos más importantes en el panorama del arte contemporáneo internacional, centrada en la fotografía. Desde su primera edición Photoespaña se centra cada año en un tema distinto, excepto la edición del año pasado que con motivo de su aniversario fue libre. Este año se centra en los "Lugares".
Según vaya viendo exposiciones o artistas interesantes los iré publicando por aquí. ¡Un abrazo a todos!

Metalego

Miguel Monroy es un artista que trabaja en proyectos de corte surrealista, y esta es especialmente divertida, sobre todo porque me ha recordado mucho a nuestro buen Piedras. ¿Te imaginas una pieza de EXIN Castillos TM hecha con EXIN Castillos TM? Justo a esto me refería con hacer reflexiones complejas utilizando materiales o herramientas distintos. La verdad es que me parece una pieza (valga la redundancia) ciertamente divertida, y que sin embargo invita a una profunda reflexión.

Encontrado, como siempre, en Microsiervos. ¡Un abrazo muy fuerte para ellos también!

Ricardo Salamanca-Salamágica

En este enlace podéis entrar en el portfolio de Ricardo Salamanca-Salamágica, artista que trabaja principalmente con montaje fotográfico y publicidad, y cuyo resultado me parece francamente interesante. La página me la ha mandado mi amigo Josito, e incluyo uno de los trabajos que aparecen en la misma, porque como muestra un botón. Espero que os guste, porque a mí me ha parecido fantástico!

Flor

Título: Flor
Soporte: Acrílico sobre lienzo, tamaño 50x50
Año: 2008

Este es el primer cuadro, desde hace años (literalmente), que pinto para mí mismo, sin más motivo que el de pintar algo que sea sencillamente bonito. Como no podía ser de otra forma, es una pieza que tiene más lecturas de fondo, pero la esencia, es esa.

La verdad es que me ha costado mucho trabajo y bastantes horas, puesto que conseguir el color que yo quería, la textura que yo quería, el contraste, la forma... Es un cuadro que he pintado y repintado muchas veces, ya que se me escapaba y no conseguía domarlo. Pintar un cuadro parece sencillo, pero conseguir exactamente lo que se busca resulta realmente complicado. Y dado que este cuadro lo estaba pintando para mí, y para nadie más, lo he modificado tantas veces como ha sido necesario hasta que se ajustó exactamente a lo que yo buscaba.

¡Espero que os guste!

Edito: El color estaba un poco feo, es lo que tiene hacerlo en casa con un monitor mal calibrado... Ahora está mejor, espero que os guste más!

Taller d3, Blog sobre comunicación

Mi amiga Datxu me manda este link, se trata de Tallerd3, un blog de comunicación y publicidad vasco que parece bastante interesante. Marca además una entrada que se cuestiona si la publicidad es arte, un debate interesante que cualquier día trasladaremos a estos lares.
¡Muchas gracias Datxu!

El Chigre

El Chigre

No tiene nada que ver con arte, creo, pero bueno, es el blog de mi primo Josín, con lo que me apetecía ponerlo aquí, por si os apetece daros una vuelta y echaros unas risas. 

Un abrazo muy fuerte primo!

Agur, Abue

Gracias por todo

y hasta pronto

Juan María Martín Zubillaga, 10 de Febrero de 1933, 9 de Mayo de 2008

A Debate

Rey Tomberi me manda un mail, del que extraigo lo más interesante (la verdad es que prácticamente todo):

"Vamos a ver, primero te pongo en contexto. Esta mañana (era la mañana del 2 de Abril del presente año) surgió por no me acuerdo qué motivos un diálogo acerca de belleza de las personas de otros países respecto a la de los españoles, y nos pasamos veinte minutillos felices divagando al respecto. Al llegar a casa, reflexionando un poco sobre ello, estuve pensando en algunas afirmaciones que habíamos hecho, y, sobre todo, no ya a la forma en que juzgamos la belleza, sino, como base para continuar la investigación, a la forma en que interpretamos y comparamos rostros humanos. El punto de inflexión es la frase "todos los chinos me parecen iguales... y supongo que nosotros a ellos".

Yo describiría la percepción del ser humano de la siguiente manera (a alto nivel, no me meto con como funcione en las entrañas del cerebro, sino que prefiero hacer un análisis funcionalista del mismo): el ser humano percibe una serie de colores, luces e intensidades, etc, que tras varias etapas de filtrado convierte en "masas de color". Por entrenamiento genético, al ver repetidamente masas muy parecidas, el cerebro se acostumbra a distinguir cada tipo de masa, asignándole un prototipo que pasará a convertirse en una clase (brazo, pierna, pelo, barba). Las medidas generales de tamaño y color de estas "masas de color" identificadas ya dentro de una clase nos sirven como primera medida para distinguir personas unas de otras ("Fausto" es claramente distinguible de "Morán", porque el segundo tiene una masa de color que corresponde al prototipo de la clase "gafas" mientras que el primero no tiene ninguna masa que se pueda asignar a ese prototipo). Esta medida se caracterizaría por ser consciente, y por la posibilidad de codificarla lingüísticamente ("Morán es el de gafas"). En cierto modo podríamos llamar a estos rasgos diferenciales de la persona "iconos".

Si dos personas se diferencian en algún rasgo icónico no hay dificultad en la discriminación entre ambas. Estos iconos sería en muchos casos "universales culturales", pero cada persona, según su capacidad de abstracción, podría ser más capaz o menos de "extraer clases" de ciertos rasgos comunes. Este proceso de extracción de iconos sería lo que permitiría hacer retratos "realistas" en el sentido de parecerse al objetivo, al tener el retrato los mismos iconos que el retratado (y ser la mayor parte de estos compartidos por la sociedad).

Cuando todos estos rasgos en una persona coinciden (por ejemplo, yo cuando tenía el pelo corto, y mi hermano), podemos sin embargo identificar con igual claridad a las dos personas, pero en este caso nos resulta muy difícil o imposible transmitir ese conocimiento a otras personas (si una persona no nos ha visto nunca, es fácil decirle quién es Morán y quién Fausto, pero sería prácticamente imposible darle indicaciones de quién soy yo y quién mi hermano, de forma que nos distinguiese en dos fotos). Este conocimiento aparentemente sería no lingüísticamente estructurable e inconsciente (característica derivada de la primera, por lógica), y estaría derivado del aprendizaje a partir de ejemplos: al haber visto montones de caras similares, aprendemos a buscar inconscientemente rasgos que las distingan. Al ser el lenguaje con el que estructuramos nuestros conocimiento (y no hablo solo de lenguaje como medio de comunicación, sino que introduzco aquí también el lenguaje como mecanismo de organización del conocimiento dentro de nuestro propio cerebro) discreto, finito (aunque ampliable) y generalista, y nuestro mecanismo de aprendizaje analógico, muchas de las posibilidades del segundo no tienen correlación en el primero, produciéndose así el desfase entre uno y otro que impide la comunicación de este tipo de conocimiento.

La dificultad para identificar a una persona vendría cuando los rasgos icónico son todos iguales, y estaría determinada por la cantidad de ejemplos de caras similares que hemos visto. Por ejemplo, todos los chinos son bajitos, morenos, pelo corto, ojos chinos, piel oscura. Si conociésemos un chino con greñas o con rastas sería facilísimo de describir, mientras que los chinos estándar serían prácticamente idénticos. En nuestra sociedad hay un enorme porcentaje de tíos morenos, ni altos ni bajos, ni gordos ni flacos, sin características icónicas, que sin embargo podemos distinguir con facilidad (pero sin poder explicar racionalmente las diferencias en las que basamos nuestra clasificación); sin embargo, es fácil distinguir a un tío con rastas del resto. A los chinos les pasaría justo al revés, y la gente que estuviese acostumbrada a ver chinos y occidentales no tendría ni un problema ni el otro, al haber visto igual cantidad de ejemplos de ambos, aunque no tendría más facilidades en la expresión de las diferencias que inconscientemente percibiría.

Después de toda la chapa la pregunta es, ¿Cómo ha tratado históricamente el arte la similitud entre retrato y retratado desde un punto de vista teórico? Como ya me comentaste en más de una ocasión, la Gestalt estuvo interesada en la percepción de las formas en la visión humana, ¿dedicaron también parte de esta reflexión a la iconicidad de los propios seres humanos, o únicamente a la percepción de la forma abstracta? ¿Quién se dedicó al análisis de la percepción antropomórfica? Todas estas preguntas habrían estado perfectas antes de la exposición de El Retrato del Thyssen, ¡Maldita sea!.

Lo interesante del tema no es solo la parte teórica, que la verdad es que me fascina, sino la parte práctica. ¿Cómo captar cada uno de estos rasgos? U otro punto interesante, ¿estudiaste algo en la carrera de la relación entre retratos psicológicos literarios y retratos plásticos? También es fascinante la investigación de la vertiente gnoseológica del problema, ya que la agrupación de conjuntos de datos en clases para su posterior comparación difusa basada en el entrenamiento previo podría ser una característica general del comportamiento del cerebro.... pero eso ya es harina de otro costal".

Como me parece un tema interesante para debatir sobre él, pues lo subo directamente al blog (previa autorización de Rey Tomberi claro). Dado que es un tema complejo y requiere una respuesta elaborada lo dejaré por estos lares un tiempo antes de dar mi opinión, aunque sinceramente, creo que es un tema abierto, y no creo que haya una respuesta binaria. Aunque en principio mi opinión es "si" :D En cualquier caso espero vuestras opiniones, un abrazo a todos, y especialmente a Rey Tomberi, a quien deseamos una pronta recuperación.

Digital Pixels: Fotografía Digital

Digital Pixels es una página web dedicada a técnica fotográfica, especilizada en fotografía digital. Son muy interesantes algunas secciones como la de iluminación flashes, o la de retoque con Photoshop. Está en inglés, pero realmente es muy completa, muy recomendable. ¡Un abrazo a todos!

Desmentido

El "Desmentido" es un término técnico de diseño gráfico que se utiliza para aludir a la diferencia de tamaño que existe entre las palas de un folleto que va plegado, y cuya función es compensar la pérdida de tamaño que se produce al plegarse. Por ejemplo, en un cuadríptico de tamaño DIN A4 sin plegar, las palas laterales deberían medir 209 mm, mientras que las palas centrales deberían medir 211 mm.

The Serif

The Seriff

Tengo un poco abandonada la parte de diseño gráfico en el blog (lo que es extraño teniendo en cuenta que soy diseñador gráfico), así que tengo la intención de revitalizarla.
Y por esa razón, hoy adjunto un enlace de una página web cuya temática es precisamente el diseño gráfico. La he localizado a través de Microsiervos, que en un post hablaba de la "Helvetica Seriff", coña para diseñadores, pero realmente divertida.
Es una página inspirada en diseño gráfico experimental, muy centrada en tipografía. Tiene algunos trabajos realmente interesantes.
¡Espero que os guste!

Cocodrilo Saltando a un Pilón

Esta es una ilustración realizada en el curro, es para una peña de una piscina aquí en Madrid. Está hecho con Photoshop e Illustrator. Espero que os guste!