faustoArt Blog

¡Feliz Navidad!

2011-12-21T19:56:00.002+01:00

Nuevos datos de contacto

2011-11-02T09:28:00.003+01:00

A continuación podéis ver los nuevos datos de contacto de faustoArt Comunicación Visual

Teléfono Fijo: 984 394 688

Dirección: C/ San Rafael nº 26. 33208 Gijón (Asturias)

Móvil: 627 721 451

e-mail: fausto@faustoart.com

Es necesario avisar con antelación si os vais a venir por el local comercial, dado que no siempre estaré aquí, sino que estaré visitando clientes, etc.

¡Un saludo!

La inauguración del local

2011-10-30T08:52:00.003+01:00

Por fin hemos abierto el local comercial de faustoArt, con una pequeña inauguración el viernes. Vino mucha gente, todos amigos, y nos tomamos unas botellitas devino y un pequeñopinchoteo. A la gente le gustó mucho el local, y hubo un ambiente muy alegre y distendido. Ahora sólo falta llevar algún que otro ordenador, y ya podemos empezar a trabajar allí. Menos mal, tenía muchas ganas!!! Desde aquí quiero dar las gracias especialmente a todas las personas que me ayudaron para poder llegar a tenerlo todo a tiempo, y también a todas las personas que se tomaron la molestia de venir hasta allí para compartir ese momento tan especial conmigo, muchos desde Oviedo, yalgunos incluso desde más lejos, como mis amigos Aida y Antonio, que vinieron desde Bilbao, nada menos, y que me ayudaron muchísimo también.

Os dejo alguna foto para que las disfrutéis, tengo unas cuantas más en facebook. Un abrazo a todos!

Inauguración del local

2011-10-23T12:21:00.003+02:00

Bueno, me salto el silencio mediático que tenía desde hace un tiempo, para comunicar la inauguración (por fin!) del local comercial de faustoArt Comunicación Visual. Será el Viernes día 28 de Octubre a las 20:30h, y tendremos vinillo y pinchoteo. Por supuesto estáis todos invitados a este día tan especial, que es la culminación de un enorme esfuerzo a lo largo de varios años, y que representa un nuevo escalón en la evolución de la empresa.

El local está situado en la Calle San Rafael nº 26, en Gijón, cerca del Llano, a 5 min. del centro comercial Los Fresnos, que tiene un estupendo parking gratuito donde podéis dejar el coche. Si tenéis alguna duda o queréis saber alguna cosa, podéis decírmelo a través de los comentarios, o mandarme un correo electrónico a fausto@faustoart.com.

Un abrazo, os espero a todos y a todas!

¡Feliz Navidad!

2010-12-22T16:45:00.001+01:00

Felices fiestas y próspero año a todos. Va a ser un año duro, pero con ganas y con fuerza podremos con ello. Hacía mucho que no escribía por aquí, pero prometo que este año pondremos a funcionar el blog de nuevo. ¡Un abrazo a todos y a todas!

Parón en faustoArt Blog

2010-05-08T12:58:00.002+02:00

Habréis observado que faustoArt Blog está parado desde hace unas cuantas semanas. Esto se debe a que estoy acometiendo una serie de proyectos muy complejos que implican unos cambios muy drásticos en mi vida, y me resulta imposible traer contenidos de calidad al blog. Por eso he decidido pararlo momentáneamente, hasta que tenga tiempo de nuevo para actualizarlo debidamente, y hacer los cambios que creo que son necesarios en el mismo. Desde aquí pido disculpas a mis fans (XDDDD) y os digo que no os preocupéis, que en unas pocas semanas volveremos a ponerlo a tope.

¡Un abrazo a todos y a todas, y muchas gracias por vuestra paciencia!

James Cameron: "Ver Avatar en un iPhone es una tontería"

2010-03-27T09:20:00.004+01:00

Encontré esta noticia navegando por ahí (Tom's Guide), sobre unas frases que dijo James Cameron en una conferencia de prensa, acerca de los formatos en los que se va a distribuir su blockbuster Avatar:

"No siento que esté haciendo películas para iPhones... Sí alguien quiere ver Avatar en su iPhone no voy a detenerlo, especialmente si ha pagado por ello, pero no lo recomiendo. Creo que es una tontería, cuando tienes personajes tan pequeños que no son visibles". "Nunca he visto Avatar en un portátil. Supongo que probablemente funcionará, pero no lo recomiendo. Lo que recomiendo es quitar la mesa del café y mover tu sofá a 4 pies (1,21 metros) de la TV".

Me pareció especialmente genial la última frase. Lo que viene a confirmar el director, es que hay películas que están concebidas para ver en grande, y si es en muy grande, mejor que mejor. ¡La verdad es que ya estoy deseando ver Avatar en casa! Luego llegará el típico frikón que la querrá ver en una pantalla AMOLED de 12 pulgadas, y dirá, "pero si es que se ve mucho mejor, mira cuanta calidad tiene, uuuu" :D Coñas aparte, el tema de si es más importante el tamaño o la calidad de imagen es un debate que como sabéis me apasiona. Yo soy partícipe de no bajar de unos mínimos ni en una cosa, ni en la otra (vamos, que no me vale una pantalla de cuatro metros con píxeles del tamaño de la cabeza de alguien, ni me vale una pantalla megasupernítida de 14"...).

¡Un abrazo a todos!

faustoArt.com en fase de renovación

2010-03-06T23:56:00.002+01:00

Pues eso, si habéis entrado recientemente en mi web www.faustoart.com, veréis que pone que está en construcción. En pocos días espero poder subir a la web la versión 2.0 de la misma. Estad atentos a las novedades, ¡un abrazo muy fuerte a todos!

Arco 2010: Renovarse o Morir

2010-02-27T08:59:00.003+01:00

Muchas personas me preguntaron este año cómo es que no iba a asistir a Arco. Un evento que siempre me ha resultado revitalizante y del que siempre salgo con ideas para mi trabajo.

Y la respuesta era difusa, "bueno, es que este año tengo mucho lío (lo cual es totalmente cierto, dados los importantes cambios vitales que en poco tiempo comentaré por estos lares), o es que siempre es lo mismo..." Un montón de pequeñas excusas, que todas unidas, dan como resultado el ni plantearse ir a la feria. En este artículo de El País, magnífico como es habitual, relatan a la perfección la sensación que a mí me ha dejado la feria en sus dos últimas ediciones. Una mezcla sin ideas claras, un revoltijo de todo y a la vez de nada, con un arte unilateral que en algunos casos resulta genial y en otros es verdadera caca, que está abrumadoramente masificado por un público que va a regodearse de lo listo que es por despreciar el arte, y razones no les falta a tenor de algunas de las piezas expuestas. Y todo ello en un pabellón en las afueras que cobra un dineral por entrar...

No podría estar más de acuerdo con el artículo, así que os dejo que lo leáis, ya me contaréis qué os parece, ¡un abrazo a todos y a todas!

The Third & The Seventh

2010-02-17T13:28:00.003+01:00

The Third & The Seventh, de Alex Roman.
Se trata de un corto CGI de arquitectura (que por cierto, recomiendo ver en HD). Ayer lo vi y me pareció realmente preciosista, y sin querer ha caído en mis manos un artículo de una revista que habla sobre ello. Jordi Seva, alias Alex Roman trabajaba en un estudio de arquitectura donde sentía una fuerte frustración, hasta que un día le dio por empezar un proyecto de fusión entre fotografía, cine y arquitectura. Al principio nació como un proyecto para su portfolio, pero el proyecto evolucionó y se convirtió en un ejercicio de 3D realmente impresionante, con un acabado visual espectacular. Me pareció una verdadera maravilla, que no solo es muy interesante desde un punto de vista tecnológico (es más, en algunos aspectos es tan apabullante, que compañías como Pixar le han ofrecido trabajo) sino que es un ejemplo maravilloso de cómo a veces nuestros sueños nos llevan mucho más allá que los proyectos que hacemos para otros. Alex Román no ha hecho más que recibir felicitaciones, y desde aquí me sumo a ellas, enfatizando además el valor artístico y la visión tan interesante que tiene de la arquitectura, hacía tiempo que no veía nada tan interesante y apasionante en este campo.

El verdadero batido de leche

2010-02-08T10:08:00.002+01:00

"McDonalds, el verdadero batido de leche"
Para empezar la semana con unas risas. Si la publicidad fuera esto, de verdad que me haría publicista! :D Bueno, me haría más publicista de lo que ya lo soy, quiero decir. Encontrado en este post, de Graphic Designer Blog. ¡Buena semana a todos!

Primeros pasitos con Blender

2010-01-24T13:18:00.003+01:00

Esta imagen ha sido creada con el programa de software libre "Blender". Se trata de una herramienta de dibujo 3D increíblemente potente, y que hasta ahora no había tenido tiempo para probar. Y debo decir que en general me está encantando. Resulta sorprendentemente buena para modelar, con técnicas tan interesantes como el "sculpt mode", similar a Zbrush, que permite modelar como si de barro se tratase. Aun estoy un poco perdido entre tantas opciones (me llevó varias horas conseguir que el cristal de la puerta dejase pasar la luz, por poner un ejemplo :D) pero estoy entusiasmado con las posibilidades que tiene tanto en alta como en baja poligonización.

Como curiosidad, os adelanto que la imagen representa la salita de mi nueva casa. Habréis notado que últimamente no posteo mucho. Esto se debe a que voy a realizar una serie de cambios importantes en mi vida, y estoy tan liado que no me da tiempo a nada. Cuando esté todo resuelto y todo sea oficial, os lo contaré con pelos y señales, pero de momento os pido que tengáis paciencia conmigo, porque no me da la vida para más. Un abrazo a todos!

¡¡¡Esto por usar una Comic Sans!!!

2010-01-07T12:43:00.002+01:00

Empezamos el año de buen humor, y para muestra un botón :D
(Para los que tengan problemas con el inglés, pone "¡¡¡Esto es por utilizar una comic sans, bastardo!!!)
Visto en Microsiervos.

Feliz Navidad

2009-12-24T19:11:00.002+01:00

Desde faustoArt os deseo a todos una feliz navidad y un próspero año nuevo. Tal vez sea un año difícil, ¿pero acaso esa no es una buena oportunidad para demostrarnos a nosotros mismos lo mucho que valemos? Un abrazo muy fuerte a todos, y ya nos veremos, si no en el mundo real, al menos por estos lares, en donde como ya sabéis siempre sois y seréis bien recibidos. ¡Un abrazo muy fuerte para todos y todas, feliz navidad, y próspero año nuevo!

Mi Realidad Laboral

2009-12-17T12:01:00.002+01:00

Un cliente X pide un trabajo. Me dice "hazme tal, y cual".
Y tú lo haces, cuidadito, te tiras dos horas para que todo esté perfectamente cuadradito, y cuando lo tienes, se lo das orgulloso.
Media hora después, te dicen, "no, es que el jefazo de turno lo ha visto, y lo quería (nótese el tiempo verbal, pasado) con EXACTAMENTE tantos milímetros arriba, tantos a la izquierda, que estos elementos tengan exactamente tanto al otro lado..."
Vamos, todo el trabajo a la basura, porque un cabronazo engreido subido en su trono no se dignó hacer su trabajo en su momento como dios manda. Al final una cadena de personas que hacen este trabajo, acaban perdiendo el tiempo, y en mi caso, que estoy al final de dicha cadena, ya ni os cuento. De verdad que me sorprende la cantidad de información que se pierde cuando una sucesión de lameculos inútiles entra en escena, tan preocupados de quedar bien, y tan poco preocupados de hacer bien su labor. Pero por encima de todos, al que de verdad odio es al ejecutivo prepotente y endiosado, que dirige los hilos de la gente sin importarle lo más mínimo ni el tiempo ni la vida de nadie más que la de sí mismo. De verdad que a este paso me hago comunista. ¡He dicho!

Comparativa de carteles de cine

2009-12-08T10:48:00.003+01:00

Smashing Magazine nos trae una bonita comparativa de carteles de cine antiguos con sus remakes modernos. Me ha gustado su objetividad, en la que no se dejan llevar, como suele ser habitual, por el fetichismo de lo antiguo. Saben ver las bondades tanto de los carteles clásicos como de sus homónimos modernos, y además no tienen en cuenta en absoluto la película. Os recomiendo la lectura, aunque eso sí, es en inglés. ¡Un abrazo!

Lego Matrix Trinity Help

2009-11-26T17:04:00.001+01:00

Un video genial con doble, o triple homenaje: A EXIN Castillos TM (este un poco lejano) al cine y a Matrix, una de las películas más importantes de finales del siglo pasado...

Fractales

2009-11-16T11:58:00.003+01:00

No me he podido resistir a subir esta imagen, que encontré navegando desde un enlace de Microsiervos. Los fractales son una fuente inagotable de imágenes bellísimas, y esta, encontrada en Skytopia, me pareció perfecta para empezar la semana. Concretamente está basada en el conjunto de Mandelbrot. Uno de los elementos más comunes que hacen que una imagen sea reconocida como "bella" por un ser humano, es la simetría, y la repetición de elementos, que es la principal caracterísitca de las imágenes fractales. Espero que os guste, y que paséis una buena semana!

faustoArt Cinema: 2012 (2009)

2009-11-14T18:51:00.005+01:00

Bienvenidos al fin del mundo

Por fin han estrenado una de las películas que más ganas tenía de ver. Hablo de "2012", de Roland Emerich, director obsesionado con el fin del mundo y el apocalipsis, y director de películas como "El Día de Mañana", "Independence Day", o la horripilante "10.000 B.C".

Estaba deseando verla, porque las imágenes que aparecían en los sucesivos trailers que han ido apareciendo eran simplemten apabullantes, y claro, a mí, coleccionista de experiencias audiovisuales, se me hacía la boca agua solo de imaginar hasta donde habría sido capaz Emmerich de llegar.

Y señores, debo decirlo, y en voz muy alta. Bajo mi punto de vista, en "2012" se pueden encontrar algunas de las imágenes más extraordinarias que jamás he visto en mi vida en una película. Así de claro, así de crudo. Ver esta película en pantalla grande, es asistir a un espectáculo que prácticamente pone al límite toda la tecnología audiovisual que existe hoy por hoy en lo que tiene que ver con el cine. En determinados momentos da una verdadera sensación de vértigo, y de que ya no se puede ir mucho más allá en cuanto a lo que se puede enseñar en una pantalla. Y creo que con esto lo digo todo.

Pero bueno, lógicamente hay mucho más que decir, así que vayamos por partes.

La ciudad de Los Ángeles hundiéndose en el mar.

2012 es una película de desastres, en el sentido más literal de la palabra, y por lo tanto es heredera de la misma fórmula que ya viéramos en las antiguas "El Coloso en Llamas", "Terremoto", etc. O en la nueva escuela, "Un pueblo llamado Dante's Peak", "Twister", "Deep Impact", o la película del mismo director "El Día de Mañana". El título de la película hace alusión a una fecha que parece ser que aparece en el calendario maya (he leído por ahí que esto no es del todo correcto) en la que se propone la fecha del 21-12-2012 como fecha del fin del mundo. Por lo tanto, parece que el título sugiere un componente religioso en la película. Debo decir (aviso de nuevo de los spoilers, luego no se me queje la audiencia) que la película poco o nada tiene que ver con el mensaje apocalíptico, que se pierde casi totalmente, y al que solo se menciona en una muy breve secuencia. El hilo conductor de la película es mucho más prosaico, y gira en torno a unas erupciones en la superficie solar. El argumento principal es sólido, hablando siempre desde el punto de vista de una persona cuyos conocimientos de astrofísica son poco menos que nulos. Estas erupciones afectan a la tierra, y a su corteza terrestre, que empieza a cambiar de forma súbita. Probablemente si nos ponemos a investigar desde una perspectiva científica, encontremos grandísimas carencias, pero no creo que el objetivo de la película sea realizar un tratado sobre el tema.

De esta forma, el hilo conductor queda desplazado a un segundo término, y la atención de la película se centra en dos personajes, por un lado un escritor con problemas familiares, y por otro uno de los asesores del presidente. Y es a través de la mirada de estos personajes, que el director nos va guiando a través de una sucesión de escenas impactantes, centrándose la atención en el drama humano, todo muy melodramático y americano.

La verdad es que ya conocíamos este esquema, pues es el mismo de películas como Deep Impact, por poner un ejemplo. Desde un punto de vista estrictamente personal, me gustaría que se centrase más la atención en la parte científica, o en la parte práctica, pero dado que se trata de una superproducción hollywodiense, no sería una buena idea limitar la audiencia a un sector mínimo de la audiencia potencial, y por eso se busca ver la situación desde el punto de vista "más pequeño", centrándose por lo tanto en una familia de clase media americana, con la madre, el padre, el novio de la madre y....

Si señores, y los niños.

La cordillera del Himalaya, hinundándose

El mayor problema de la película, para mí gusto, es que el dramatismo se pierde en una sucesión de gags y situaciones que rompen la "suspensión de la incredulidad". Es bien cierto que la potencia de las imágenes te mete en faena de nuevo en un momento, pero un desarrollo absolutamente predecible y lineal con unos personajes tan planos que dan entre pena y asco, te sacan contínuamente de la "salsa". Bajo mi punto de vista es una pena, porque la película tenía potencial para ser una verdadera obra maestra, pero esta perspectiva tan extremadamente vulgar la hace bajar al mundo de lo mundano, y ni siquiera su puesta en escena es capaz de paliar este enorme defecto.

Pero más allá de sus defectos están sus virtudes, y estas son, como ya he dicho, su puesta en escena, que la hace estar entre las películas más espectaculares a nivel audiovisual de toda la historia del cine. El nivel de perfección visual es altísimo, y en un porcentaje elevadísimo de las ocasiones nos olvidamos por completo de que se trata de imágenes sintéticas generadas por ordenador, así de alto es el nivel de fotorrealismo de las imágenes. Terremotos, fallas, explosiones, tsunamis... Un ir y venir que sirve de claro homenaje a toda la historia del subgénero del cine de desastres, con escenas que nos aluden a situaciones concretas de algunas películas inolvidables, como Poseidón, o Volcano.

El sonido está a la altura de las circunstancias, y nos encontramos con un dinamismo espectacular, que hará temblar el cine de arriba abajo, así que si podéis ir a un cine con un sistema de sonido muy potente, no dejéis de hacerlo, llegará a revolveros el estómago, lo aseguro. La música, de Harald Kloser, acompaña pero sin destacar, sabiendo transmitir las emociones adecuadas en los momentos necesarios.

Como podéis ver la cosa tampoco es que de mucho más de si. Podríamos resumirlo como una película americana mediocre, pero que cuenta con algunas de las imágenes más potentes que jamás se han visto en el cine. He de reconocer, para mi alegría, que la película no tiene momentos tan patéticos o ridículos como en otras producciones de Emmerich, y serán muy pocos los momentos en que nos hará sentir vergüenza ajena (estoy convencido de que lo hace adrede, y que se regodea haciéndolo). Si queréis saber mi opinión más personal, os diré que no dejéis de verla, pues las sensaciones que os va a transmitir, yo no recuerdo haberlas tenido con ninguna otra producción. Si no os va este tipo de cine, os gusta el cine más serio, o más preocupado por no caer en incongruencias, os recomiendo que la obviéis y vayáis a ver otra cosa, pero si queréis ver como se parte el vaticano a la mitad.... Bueno, creo que con eso lo he dicho todo ;D

Suspensión de Incredulidad

2009-11-02T08:59:00.003+01:00

Reflexionaba yo sobre el concepto de Suspensión de Incredulidad.

Se trata de un término que conocí hace poco navegando por ahí. Acuñado en el siglo XIX, se trata de un concepto asociado al mundo de la narrativa, y que hace que una persona pueda, durante el tiempo que está leyendo un libro, o viendo una película, “creerse” lo que está pasando. De esta forma, por ejemplo, en un cuento de hadas, nos parece lo más normal del mundo que haya hadas, o en una película de acción, nos parece de lo más corriente que un tiranosaurio persiga a unos pobres campistas. ¿Por qué ocurre esto? Porque el ser humano tiene la capacidad de, dado un conjunto de reglas, asumir como lógicos los procesos que no se las saltan. Se trata de un concepto bastante obv io, y sin embargo genial, dado que es gracias a esta capacidad que pueden existir no ya solo complejos mundos dentro del entorno de la narrativa, sino posiblemente nuestra capacidad para entender el mundo que tenemos a nuestro alrededor también dependa en cierta medida de esta capacidad, que no deja de ser otra forma de llamar a la capacidad de abstracción.

El ser humano es capaz, en el mundo narrativo, de, dado
un conjunto de reglas coherente, aceptar como válidos
los hechos que no se salgan de dicho conjunto. Un buen ejemplo de ello
es Alicia en Pais de las Maravillas, de Carroll.

Curioso es el caso del concepto que realmente me llamaba a mí la atención, que es la Suspensión de la Suspensión de Incredulidad. Es un concepto que me llama la atención especialmente dentro de la literatura y del cine. ¿En qué consiste? pues como su propio nombre indica, es una situación que se da cuando, por una u otra razón, esa Suspensión de Incredulidad se ve interrumpida, normalmente por un hecho dentro de la narrativa que se salta las “reglas del juego”.

Normalmente es el narrador el que puede cometer errores en su propio mundo lógico, y ahí es donde reside la genialidad de los grandes narradores, en que pueden crear mundos extremadamente complejos y que aun así son perfectamente coherentes consigo mismos. Un buen ejemplo es Hyperion, el libro de ciencia ficción, o mismamente el Señor de los Anillos, donde la coherencia del conjunto, pese a ser literatura fantástica, es absolutamente perfecto. Otro buen ejemplo, más conocido, es el de Alicia en el Pais de las Maravillas, que pese a ser un libro dadaista, cumple perfectamente sus propias y bizarras reglas. Es pues la alteración de las reglas del juego que el propio narrador crea lo que estropea la magia y se carga la Suspensión de Incredulidad.

Se trata pues de un concepto que resulta de vital importancia dentro del mundo de la narrativa, pues una frase (algún personaje que diga “vaya guay que es esto” en un libro de la edad media) o un detalle mal puesto en una película (digamos un reloj de oro en una película de romanos, por ejemplo) puede dar al traste con un esfuerzo y un trabajo de gran envergadura.

Pero es que además del narrador (en este caso el emisor) y de la obra en sí misma (el mensaje) debemos tener en cuenta también al receptor.

Y es que aquí es donde aparece uno de los mayores problemas cuando planteamos una narración.

Hablaba yo con Buda de una escena de la película de próxima aparición “2012”, del incombustible (por desgracia) Roland Emerich, padre de algunas de las mayores patochadas de la historia del cine.

Y es que en la escena, unos pobres desgraciados, ante una avalancha de desgracias que empiezan a ocurrir en su ciudad (creo que la peli va del fin del mundo, así que háganse una idea) cogen su coche, y empiezan a huir de una falla que les persigue, justo a unos metros por detrás de ellos, hasta llegar a un avión, que despega segundos antes de que se hunda el aeropuerto entero, y como no lo han pasado lo suficientemente mal, deciden que la mejor ruta de escape es por el centro de la ciudad, donde los edificios se están cayendo. Claro que es mucho más emocionante pasar por debajo, así que allá van nuestros protagonistas, volando por en medio de una avalancha de escombros. Lógicamente Buda se quejaba de que él eso no se lo creía, y es que aquí tenemos un ejemplo perfecto de una Suspensión de la Suspensión de la Íncredulidad. Sin embargo, yo le explicaba a Buda que a mí me daba exactamente igual que la escena no fuera coherente, porque me parecía muy espectacular.

2012, la película que abrió el debate y la Caja de Pandora.
Un fotorealismo visual no impide que su propuesta totalmente incoherente
arruine la ilusión, de forma que el espectáculo se convierte en bochorno.

Podemos observar pues que, en el extremo del receptor, se da una subjetividad tremenda, que depende completamente del espectador.

Recordaba yo que cuando leí “Los Pilares de la Tierra”, me pareció un libro poco menos que ridículo, pues era totalmente incoherente con la historia, la arquitectura y el arte. No totalmente incoherente, pero tenía cosas que chirriaban completamente, razón por la cual a mí el libro no me gustó lo más mínimo. Sin embargo conozco mucha gente a la que el libro le encantó, y se quedaron con la sensación de que habían aprendido mucho y que el libro era una pasada. Lo mismo ocurrió con el Código Da Vinci, libro con el cual me reí muchísimo, y que sin embargo muchísima gente se creyó como si se tratase de una biblia.

Observo por lo tanto que la experiencia personal y sobre todo la amplitud de los conocimientos en determinadas áreas deben ser tenidas en cuenta por parte del narrador a la hora de elegir su público objetivo. Aunque cae de cajón, si yo me pongo a escribir un libro en clave narrativa en la que la clave está en la forma de entender la física, por poner un ejemplo, la probabilidad más alta es que cuando lo lea un físico, o una persona con amplios conocimientos sobre tel tema,se eche a reir, o peor aun, se cabree, no se qué es pero. Sin embargo, también puede ser que ese mismo libro impresione muchísimo a un amplio sector de público, que probablemente sea el que relamente le interesa al narrador.

También creo que, independientemente de los conocimientos que tengamos en un campo o en otro, existen mayores grados de capacidad de Suspender la Incredulidad. Yo he conocido personas que solo pueden ver películas, o leer libros, de cosas super reales, con unas reglas que son exactamente las mismas que en el mundo real, porque les resulta imposible conseguir esa Suspensión de la Realidad. Y otras que tienen una pregnancia bestial a asimilar esas reglas, y que enseguida entran en estado de Suspensión de Incredulidad. No se qué nombre darle a esta capacidad, que obviamente tiene numerosos niveles, tal vez capacidad de fantasía.

Yo tengo un grado de pregnancia muy alto a la Suspensión de Incredulidad, y tengo una capacidad intrínseca para obviar cualquier detalle que me hace salirme de esa magia, sin embargo a veces el grado de tontería que alcanzan determinadas obras roza el insulto al buen gusto, y en esos momentos resulta del todo imposible no salirse de la magia. Y sin embargo me queda la duda, de si alguien pudo creérselo y hacer que de esa situación surgiese algo que les hiciese soñar. Porque al fin y al cabo la narrativa es eso, es hacer soñar al interlocutor, hacerle vivir durante un rato un sueño.

La conclusión de mi reflexión es que no existen valores absolutos, y que a la hora de criticar una película, o una obra narrativa, si se pretende hacerlo con una mínima seriedad, debemos tener en cuenta siempre cual es su público objetivo, e intentar ponernos en su lugar, dado que si intentamos analizar una obra desde un punto de vista subjetivo, entre otros errores que cometeremos, caeremos siempre en el error de juzgar la capacidad que tiene la película de crear ese estado de Suspensión de Incredulidad, tanto a favor como en contra, de ahí que la forma correcta de actuar sea siempre la de intentar predecir cual será la reacción de su público objetivo. Eso no quita, lógicamente, que podamos criticar los errores obvios dentro del sistema de reglas planteado (lo del reloj de oro, vamos) o que, más obviamente aun, podamos tener nuestro punto de vista personal, y ante unos tíos que son tan inútiles de meter un avión en medio de un edificio que se está cayendo a trozos, podamos simplemente decir, “yo esto no me lo creo, y punto”.

Workshop de Iluminación de Estudio y fotografía de Moda

2009-10-25T12:23:00.009+01:00

Bueno, por fin tengo un rato para ponerme a escribir un poco.

El acontecimiento más interesante de cara a reflejarlo en el blog, es mi asistencia al workshop de iluminación de estudio y fotografía de modelos, al que tuve la ocasión de asistir la semana pasada.

Impartido por el fotógrafo de moda Pere Larrégula (en la foto de la izquierda, con una carta de gris neutro), un barcelonés de acento muy divertido, el curso estaba organizado por canonistas.com, que es una página web de aficionados a las cámaras de Canon, entre los que me encuentro. Surgió la oportunidad, y mira, fuí de cabeza para allá.

Los contenidos teóricos que trabajamos fueron el trabajo con modelos, los parámetros más importantes en una cámara réflex en lo que tiene que ver con fotografía de modelos, y la forma en la que debe ser trabajada la iluminación en un estudio de fotografía.

En esta fotografía, Lena está iluminada

con un esquema clásico de fotografía de moda,

un foco frontal con softbox, y dos focos, uno de

tres cuartos y otro lateral.

El primer día dimos la clase teórica, en un sitio que se llama “Aula Center”, que está en la zona de Rubén Darío. En la clase estuvimos viendo algunos conceptos teóricos. Me sorprendió la complejidad de los mismos, que en muchos momentos parecían más una clase de matemáticas que otra cosa. Aprendimos cómo medir la cantidad de luz, enfatizando especialmente en la “Ley inversa del cuadrado de las distancias”, cuya función aplicada a la fotografía consiste en saber calcular cual es la caida de la luz, dada una fuente. También estuvimos estudiando la configuración de la cámara más adecuada en estudio. Normalmente se tira a 1/200, dado que la luz de los flashes es suficiente para congelar la imagen, con lo que no es necesario disparar más deprisa. El número f más adecuado, dependiendo del objetivo, que suele rondar el f9, dado que menos número f implica viñeteo y una profunidad de campo demasiado pequeña, y un número f demasiado alto, hace que la luz rebote dentro del objetivo y cree aberraciones lumínicas. Hablando de la profundidad de campo, estudiamos cómo calcular exactamente la cantidad de motivo enfocado dependiendo de la profundidad de campo, del tipo de cámara, etc. El enfoque preciso es prácticamente lo más importante de cara a que una fotografía sea utilizable, una fotografía con un “foco blando” es directamente inutilizable. El enfoque siempre se hace en los ojos de la modelo, salvo casos especiales, en los que hay que buscar puntos de enfoque neutros.

En esta fotografía, Sara está iluminada con un esquema

de luz "tipo Rembrandt", esto es, un foco a tres cuartos

frontal por su izquierda, y otro a tres cuartos trasero

por su derecha, con una relación de 1:4 de potencia.

Podría seguir escribiendo dos horas, o tres, pero vamos, yo creo que más o menos ya véis por donde van los tiros. El resto de la clase teórica la dedicamos a ver diferentes esquemas de iluminación y a ver diferentes tipos de bombillas. Y terminamos estudiando cómo hablar con una modelo, como trabajar para ganarte su confianza, y cómo formular un contrato que nos autorice a utilizar las imágenes obtenidas. Realmente muy completo, y claro, salimos todos asustados, porque al día siguiente nos íbamos a morir de la comlejidad.

Al día siguiente fuímos todos para el barrio de La Latina, al ladito de Puerta de Toledo, y en la parte de atrás de Fotocasión, una de las mejores tiendas de fotografía de Madrid. Al poco rato entramos en el estudio, era un poco feucho, pero muy amplio. Habían montado un pequeño set, con un plástico mate blanco que caía desde el techo y llegaba al suelo, no doblado en ángulo recto, sino con una curvatura que haría que el horizonte desapareciera una vez hiciéramos la foto.

Existen dos tipos de iluminación (básicamente) en fotografía, la que da luz de forma constante, y la que da luz de golpe. En cine se suele utilizar la primera, pero en fotografía normalmente se utiliza la segunda, que es capaz de dar una cantidad brutal de luz (de miles de vatios) durante un periodo de tiempo muy corto. Nosotros trabajamos con luces de tipo flash, que sincronizaban a 1/200 de segundo con el obturador de la cámara. Es muy difícil trabajar con luz que no ves, y para poder hacerte una idea de cómo va a ser más o menos la iluminación, se utiliza una luz que se llama de modelado, que no es más que un foco de tungsteno que te orienta de cómo va a ser más o menos la luz.

Aparecen entonces dos problemas. El primero es medir la cantidad de luz que da cada uno de los focos, así como calcular la pérdida de luz (por ejemplo entre el objeto y el fondo) y calcular también las zonas en las que luz se solapa (en estas zonas hay más luz). No solo esto, sino que además hay que calcular una temperatura del color adecuada, dado que la luz de tungsteno es diferente a la luz de los flashes.

Se siguen entonces los siguientes pasos. Lo primero que se hace es elegir el esquema que vas a utilizar. Nosotros, por ejemplo, empezamos probando un esquema de luz muy sencillo, que consistía en un foco orientado en tres cuartos, y un foco esclavo lateral, con un ratio de luz 1:4.

Una vez elegido el esquema, con el fotómetro (que en la clase teórica aprendimos a utilizar y que es una herramienta indispensable en este tipo de fotografía) hacíamos una medición de la luz, y pasábamos los parámetros a la cámara. Evidentemente, movíamos los flashes adelante y atrás hasta encontrar el resultado deseado, en el que la modelo y el fondo estaban razonablemente bien iluminados. Una vez hecho esto, hacíamos una foto a un compañero que sostenía una carta de gris neutro (es decir, un gris del 18%) que sirve para calibrar la luz con una precisión alta. Normalmente los flashes dan una luz de 5.300 kelvin poco más o menos. Una vez preparado todo, y con la cámara bien cogida (tiene tela el asunto, además, en este tipo de foto hay tanta luz que no hace falta el trípode para nada, con lo que te puedes mover como quieras para encontrar los mejores ángulos) entraba en escena la modelo. Esta parte es muy divertida, porque tú le tienes que decir lo que quieres que haga, y entra en juego la parte psicológica, ella tiene que estar a gusto y tranquila, sino jamás será capaz de conseguir lo que tú como fotógrafo buscas.

Carina posa con un esquema de iluminación que se compone

de un foco "Beauty" (con una gran campana blanca que dispersa

la luz eliminando imperfecciones), un foco de efectos que le realza

el pelo destacándolo sobre el fondo, y un tercer foco que ilumina el fondo.

A partir de este momento, lo que hicimos fue hacer muchas fotos, y probar diferentes esquemas e iluminación, con luces duras, luces blandas, iluminaciones más frontales, e incluso luces de efecto (se trata de una luz trasera con la que realzas los brillos del pelo, de la ropa, o lo que tú quieras).

Al día siguiente cambiamos de estudio, fuimos a uno que estaba muy cerquita, y que tenía dos zonas de trabajo, una con un fondo negro y un esquema de iluminación similar al del día anterior, y otra zona con un exterior en la que entraba luz de día. En este último esquema de iluminación nos pasamos trabajando casi toda la mañana, con una softbox de dos metros de alto, colocada a 7 metros de la modelo, los resultados resultaron espectaculares.

En resumen, el curso fué complejo y de un nivel técnico que para mí fué bastante elevado. Conocimos herramientas que normalmente solo suelen utilizar los profesionales, y tuvimos ocasión de probar algunos equipos impresionantes (yo pude probar la “21”, es decir, la Canon EOS 1ds Mark III del profe, con un objetivo 70-200 2.8 estabilizado). Aunque este tipo de fotografía yo la estudié en la universidad, lo hice solo por encima, y nunca había tenido ocasión de profundizar un poco en el tema, así que me quedé realmente encantado con los conocimientos adquiridos. Y como es habitual en este tipo de cursos, también me quedé encantado con toda la gente con la que pude trabajar, todos los compañeros del curso eran unos máquinas, y eran todos majísimos, con lo que además de compartir una pasión que todos teníamos, pudimos hacer contactos y conocer gente que me pareció realmente genial.

Yo creo que Lena acabó un poco harta de tener a 15

personas sacándole fotos como posesas...

Y eso fue todo,. Ahora ya me he apuntado al curso de fotografía de desnudos, y estoy deseando que llegue el día 12 de Diciembre para irme con mi chiquitina (qué triste, mi cámara era la más poca cosa de todas... al menos luego las fotos daban el pego, pero las EOS 5d mark II que había por allí me mataron del todo...) y aprender como iluminar una moza como es debido.

Aquí tenéis la suma de 15 apasionados de la fotografía, un crack

mediático (el profe) y cuatro pedazo de bellezones (las modelos y la maquilladora)

¡Espero que os haya parecido interesante, un abrazo a todos!

Workshop de Fotografía

2009-10-19T22:14:00.003+02:00

Aquí os dejo una primera imagen del Workshop de fotografía al que asistí este fin de semana. Mañana más y mejor, espero que os guste!
Por cierto, por si queréis ponerle nombre, se llama Lena...

faustoArt Cinema: Slumdog Millionaire (2008)

2009-10-09T19:16:00.011+02:00

Slumdog Millionaire (2008)

"Y por 250.000 rupias, Jammal, la respuesta correcta es..."

Slumdog Millionarie es una película que tenía reservada desde hace tiempo, para poder verla con calma, sin prisas, poder degustarla como quien saborea un buen vino. Durante unos meses he tenido tiempo de oir hablar de ella, de oir críticas tanto buenas como malas, pero nunca ninguna que hablase de ella con indiferencia. Se trata de una película que ha arrasado en la edición de los Oscar de 2009 con 8 estatuillas, y más de 90 premios de todo tipo. Se trata de la película revelación de la temporada, y después de intentar aislarme del ruido mediático, por fin ha llegado el momento de reproducirla y disfrutarla.

Y francamente, todo lo que se ha dicho sobre ella se cumple a la perfección, vamos a ver por qué.

Lo primero que vamos a hacer como siempre es hablar de su director. Danny Boyle es un director que nunca nos deja indiferentes, y lleva años creando verdaderas joyas. Trainspotting, The Beach, Sunshine, o la brillante 28 Días Después, son sólo algunos ejemplos. Los patrones de Boyle se repiten de forma sistemática en sus creaciones, como suele ocurrir con los grandes directores. Ya cuando hablábamos de Heat mencionábamos algunos rasgos de Michael Mann, como ejemplo de lo que estamos diciendo. El caso de Boyle es similar, y en sus películas trabaja siempre con algunas pautas que se repiten y que las convierte en fácilmente reconocibles.

Bajo mi punto de vista, la característica más importante en el cine de Danny Boyle es el cuidado uso del ritmo, muy contemporáneo. La influencia de la cultura del techno es clara, y el ritmo casi siempre es frenético, pero perfectamente estudiado, en una cadencia exquisita de aumentos y disminuciones de ritmo. Para conseguir este efecto, también se apoya en un uso del color muy característico, con tonos muy ácidos, y abundantes colores muy saturados, con predominancia de los tonos cyan y arenas, normalmente con luces quemadas que le dan a todo un aura muy personal. Probablemente el mejor ejemplo de eso sea trainspotting, donde llevó esto al límite, haciendo que el color apareciese como un protagonista más de la película. Siguiendo con el ritmo, otra característica del cine de Boyle es la cuidada selección musical, que al igual que ocurre con Tarantino, dota a la película de una personalidad propia y única. El resto de las facetas las borda, con argumentos arriesgados y controvertidos, una fotografía impresionante, una capacidad increible para sacar actores desconocidos de la manga y hacerlos trabajar como los más grandes, y una insultante capacidad para sorprender y atar al espectador a la silla, de la que no se mueve hasta que la última línea de los créditos ha pasado. Creo que queda bastante claro que soy un fan incondicional del cine de Boyle, así que por aquí poco más se puede decir.

La fotografía es espectacular, y el Tah Mahal

es un escenario mágico que tiene su pequeño papel en le película.

Centrémonos en Slumdog Millionarie.

En un escenario en el cual el cine va perdiendo cada vez más terreno frente a otras formas de ocio, y en el que vivimos una constante crisis de ideas, de repente Danny Boyle se saca de la manga una historia perfecta. Y es que es perfecta porque lo tiene todo. En una India donde la superpoblación y la pobreza atan a la gente, un muchacho, Jammal, se presenta a un concurso de la tele, “Quién quiere ser millonario”. ¡Y sorpresa! ¡El chico es un genio! Y sin despeinarse comienza a contestar todas las preguntas, una detrás de otra, y conoce todas las respuestas correctas.

Y con un trasfondo tan sencillo, nos cuentan la vida de este muchacho, de lo mal que lo pasa en la calle, de cómo tiene que luchar para sobrevivir. Pero con la historia de este muchacho, también nos cuentan la situación de la India, y de una de sus ciudades, Mumbai. Y vemos como ambos crecen, y cómo evolucionan. Y nos sirve de excusa para conocer una India dura, durísima, llena de peligros tan reales como el hambre, como la pobreza, y como las diferencias raciales. Y vemos una India mágica como antes no la habíamos visto, desde dentro. Vemos lo que les gusta, lo que comen, las cosas que les hacen felices. Y todo ello no con una fotografía de National Geographic, sino con una visión contemporánea, nueva, que nos hace sentirnos partícipes de sus ilusiones y de sus miserias, de sus miedos y de sus alegrías. Así que nos vamos con Jammal al Tah Mahall, y al mayor lavadero de toda la India, pero también nos caemos con él a una letrina, y sobrevivimos a un explotador infantil.

Pero con toda la crudeza de la historia, con toda la belleza de los parajes, aún no hemos empezado siquiera, pues la película habla de valores, habla de personas, habla de decisiones, y habla de una universalidad que nos toca a todos, así que todos somos Jammal, todos somos Lamika, y todos somos Salim. Y ni los buenos son buenos ni los malos malos, pero al final todo se mueve huyendo de la pobreza y buscando la felicidad.

Y todo ello lo vemos bailando con la música hindú, con unos deliciosos guiños a Bollywood, y vestidos a la moda hindú, también inmersos en sus ritos, pero también impresionados de cómo la occidentalización y la globalización va dejando apartados en un rincón todos los rasgos de la cultura India más tradicional.

Como podéis ver, se trata de una vorágine de sensaciones, sentimientos, conocimientos y valoraciones, y todo ello además mojándose, denunciando y participando del problema, no solo por revelar la situación real de uno de los países emergentes más potentes del mundo, sino también de forma activa, pues gran parte de la película se rodó en la India, atrayendo con ello la mirada mundial hacia allí, con los beneficios que ello conlleva.

Antes de terminar este comentario, quería hacer una mención especial a la banda sonora, una verdadera joya, que requiere de continuadas y sostenidas escuchas para sacarle todo el jugo a cada una de las piezas, compuestas específicamente para este proyecto, y que sin embargo tienen una riqueza y una vivacidad realmente impresionantes.

Ya lo veis, esta película me ha cautivado muchísimo, se trata de la que para mí es la película del año, y nadie a quien le guste el cine debería perdérsela bajo ningún punto de vista.

Cuando la veáis, espero vuestros comentarios, porque es una de esas películas sobre las cuales apetece hablar. ¡Un abrazo a todos y a todas!

Un abrazo a todos, hasta pronto!

Fotografiando

2009-09-22T12:02:00.009+02:00

En faustoArt la fotografía ha ido tomando un papel cada vez más relevante. Mi primera cámara de fotos la tuve siendo un niño, pero la primera vez que la fotografía realmente me llamó la atención fue hace unos 8 o 9 años, cuando estando en segundo año de carrera, me compré mi primera cámara digital. Soy un fanático de lo digital, tener que pagar toneladas de dinero que no tenía en revelar fotos, hacía que la fotografía fuera un imposible para mí. Sin embargo la fotografía digital hizo que por fin pudiera utilizar la herramienta de manera indiscriminada, y ahí fué donde nació mi pasión por la fotografía, que es sin duda una de mis mayores aficiones.

Paralelamente a la adquisición de mi cámara de fotos, mis estudios de Bellas Artes avanzaban a buen ritmo, y si bien a partir de ese año me enfoqué decididamente por el diseño gráfico, el arte y las imágenes siguieron siendo motivo de investigación y estudio por mi parte. Así, aprendíamos a pintar, a ilustrar, a hacer fotografía, a trabajar con escultura y con elementos tridimensionales... Es decir, por un lado aprendíamos a crear imágenes, y por otro a traducir esas imágenes al lenguaje de la comunicación visual, pues eso es el diseño gráfico, comunicación visual.

Con el tiempo me compré mi segunda cámara, y aunque era una compacta, era bastante más seria que la primera, y me permitía un control mucho más manual sobre las fotografías. Tuvo que ser con mi primer trabajo cuando por fin me pude comprar mi primera reflex, digital, por supuesto, hará unos tres años, y apenas un par de meses desde que me he comprado la que tengo actualmente.

Se pueden ver dos conclusiones claras, por un lado, que con mi carrera aprendí a crear imágenes y a utilizar lo visual como un lenguaje. Por otro lado, que la fotografía es una afición que desarrollo desde hace ya unos cuantos años. La conjunción de ambos factores, hacen que a estas alturas ya haya desarrollado unos gustos e intereses muy concretos dentro del mundo de la fotografía.

Ya he publicado más de un post sobre tecnología y sobre técnica fotográfica, y no es esa la intención de este post, sino poner un poco en claro qué me interesa a mí en el mundo de la fotografía, y por qué.

La técnica es imprescindible cuando se trata de fotografías
de trabajo, como la foto documental o la publicidad.

Pues existen muchos perfiles dentro de los fotógrafos. Hay muchas personas que utilizan la cámara por el placer que les produce manejar una cámara. Es muy fácil caer en el onanismo fotográfico, y buscar la fotografía perfecta. Y es que existe un estilo fotográfico que podríamos calificar de metafotografía, pues su interés se queda simplemente en conseguir una exposición, nitidez, granulado y cromatismo perfectos, amén de una composición perfecta, etc. Pero luego aparecen como fotografías vacías, sin vida. Es muy placentero realizar fotografías de este perfil, y abundan en internet. A mí ciertamente me gusta de vez en cuando realizar tomas de este tipo, pues sirven para mejorar la técnica. A partir de este perfil surgen estupendos fondos de pantalla, por cierto. Por otra parte, un perfil tan técnico es perfecto para desarrollar la fotografía como profesión, pues una perfección técnica implica una dificultad que no todos los fotógrafos alcanzan.

Un perfil fotográfico habitual es el de la fotografía técnica.
Suelen resultar en fotografías ligeramente vacías, aunque bonitas.

Otro perfil posible es el perfil temático. Es decir, muchos fotógrafos se sienten atraídos por capturar escenas relacionados con un tema concreto. En este perfil entran, por poner un ejemplo, los fotoperiodistas y los padres, así como los bachilleres obsesionados con la macrofotografía. Desde luego es un paso de avance con respecto al primer perfil, dado que la técnica y sus gustos personales van evolucionando por mera acumulación, hasta conseguir resultados brillantes.

Elegir un tema, o desarrollar un interés particular, ayuda
a conseguir a desarrollar no solo la técnica, sino también
a trabajar la fotografía como lenguaje.

Otra función de la cámara de fotos es, sencillamente, capturar momentos. Este es un uso habitual cuando pensamos en fotografías de viaje, por ejemplo, y vamos haciendo fotos a todo lo que ocurre a nuestro alrededor.

Podemos seguir así, planteando perfiles, y viendo evoluciones, porque al final son los matices los que marcan la diferencia entre unos fotógrafos y otros. Y dentro de cada perfil, hay mejores fotografías, y peores. Y viendo toda esta información, cuando llegas a cierto nivel de evolución dentro de una afición, debes plantearte cual es tú perfil y por qué.

Mi perfil dentro de la fotografía es peculiar y no está del todo definido. Es peculiar porque mi interés principal consiste en generar imágenes. Me interesa la técnica y la tecnología, en cuanto entiendo que existen limitaciones en la actualidad, y estoy interesado siempre en ver cómo evoluciona, y ver cómo van apareciendo soluciones a esos problemas (como puede ser la sensibilidad ISO o el ruido, por ejemplo). Me interesa la técnica porque en mi trabajo de vez en cuando tengo que utilizar la fotografía como herramienta, y debo saber diferenciar entre una “buena fotografía” y una “mala fotografía” desde un punto de vista publicitario (con mis limitaciones, por supuesto). También me interesa mucho la función documental de la fotografía, y por eso la utilizo mucho en mis viajes (viajo todo lo que puedo y un poquito más), sobre todo en lo que tiene que ver con arte y arquitectura, pero también con personas, naturaleza, y en general, un poquito de todo.

Esta fotografía fué tomada buscando una composición en la que
el color, las líneas y los contrastes forman una armonía de detalles,
quedando la figuración en un segundo plano gracias a la descontextualización
del motivo, que en este caso es un rascacielos en obras en la City, en Londres

Y por fin tengo un rinconcito, muy personal, en el que suelo trabajar siempre que tengo la oportunidad. Y no, no son las mujeres desnudas. Se trata de un tema un poco dificil de definir, y poco atractivo para la mayoría, o al menos eso supongo. Se trata de composiciones, normalmente abstractas, en las que los pesos visuales, las formas, las líneas, crean esas contradicciones formales que resultan tan interesantes. La abstracción fotográfica a partir de la búsqueda intencionada del “no motivo” y la descontextualización de la forma. Un juego que va desde buscar composiciones homogéneas, al estilo del expresionismo abstracto, a buscar la contradicción en la geometría, o el contraste cromático, o simplemente un choque de texturas. Meditando sobre esto, veo que llevo años trabajando sin darle un sentido concreto a esta idea. Y he trabajado en series de fotografías, como la serie de puertas, en las que de forma intuitiva buscaba este tipo de situaciones.

Ya en mi época de estudiante la fotografía abstracta
llamaba poderosamente mi atención

Se que no es una temática original, pues hay muchos artistas que trabajan sobre ella, pero es una forma muy personal de ver el mundo, y la fotografía es una forma perfecta de reflejarla, creo que todos los diseñadores, y personas que trabajan con imágenes en general, vemos pautas, patrones, situaciones, que nos resultan sugerentes de una forma u otra, y yo he encontrado en la fotografía uan forma de materializar esas ideas y convertirlas en algo sólido, e incluso en algunos casos, utilizable. Una concecpción más abstracta del mundo que nos rodea que, además, nos invita a una mirada más sutil, que a veces nos ayuda a descubrir situaciones o formas que otros no ven.

De vez en cuando está bien reflexionar sobre lo que hacemos y por qué lo hacemos, igual que alguien que está aprendiendo a tocar la guitarra en un momento decide que le gusta más Albéniz que ACDC, o alguien que hace construcciones decide que le gustan más las catedrales que los castillos.

En los próximos días empezaré a subir las fotografías que he hecho este verano cuando he estado en Londres, y veréis como aparecen fotografías de todos los perfiles, si tengo tiempo tal vez elija alguna de las fotografías que más me han gustado desde este punto de vista más personal, e intentaré explicar, como ejercicio, el por qué me han gustado más.

Pero bueno, de momento voy a acabar de prepararlas, espero que esta reflexión os haya resultado interesante, un abrazo, ciao!

Logos como churros

2009-09-17T10:55:00.002+02:00

Curioso el blog "Logos como Churros" que me manda Buda, o desconcertante más bien. Se trata de un blog en el que van mostrando logos cutres (he mirado y no hay ninguno que haya hecho yo :D), pero lo he encontrado algo soso, sin ese humor mordaz que caracteriza este tipo de sitios, y con una grave contradicción, ya que un blog que se dedica a criticar logos, y luego tiene la cabecera y el diseño que tiene... en fin... que a lo mejor es muy fácil criticar, pero luego no resulta tan fácil como parece hacer un diseño bien hecho...
De todas formas la idea me parece buena, y con un poco de trabajo podría salir un blog de lo más divertido y sobre todo, útil.

¡Con todo muchas gracias a Buda por el aporte, un abrazo!

El arte de la simplicidad

2009-09-11T09:34:00.006+02:00

"Un intelectual es el que explica algo simple de forma difícil y complicada.
Un artista es el que explica algo complicado y difícil de forma simple"

Charles Bukowski
escritor

(visto en Microsiervos)

Vuelta al Cole

2009-09-07T12:49:00.003+02:00

Bueno, ya basta de holgazanear, ya toca volver y ponernos a subir cosas de esas guapas y molonas (;D) que solemos poner por estos lares.

A ver si en este nuevo curso seguimos creciendo (ya hemos pasado las 15.000 visitas, que para ser un blog personal no está mal). Probablemente ataque todavía más la fotografía, y empezaré también a subir algo de video, vía Youtube. De momento me estoy limitando a experimentar con la cámara para ver su potencial, pero en poco tiempo supongo que estaré listo para empezar a hacer algo más digno e interesante.

Y por otra parte, espero volver a los temas clásicos, esto es, crítica de arte y de cine, debate, etc. Espero conseguir atraer nuevos visitantes, y de momento no voy mal, aunque seguiré fomentándolo. E igualmente, os animo a todos a participar, ya sea con los comentarios, o mandándome alguna cosa interesante (fausto@faustoart.com).

Hoy voy a empezar con una fotografía, que llevaba tiempo con ganas de hacer. Es un homenaje a una canción Techno que me encanta, y que se llama Le Soleil Noir, en Londres encontré un cielo que era perfecto, así que aquí os dejo el trabajo. Se trata de un primer boceto, pues más adelante es probable que vuelva a trabajar en el proyecto, que me parece muy sugerente. Espero que os guste, y bienvenidos a esta nueva sesión!

Título: Le Soleil Noir
Año: 2009
Soporte: Fotografía Digital

Hello there!!!

2009-08-28T10:56:00.003+02:00

Un saludo desde Londres! En un ratito vamos a entrar a la National Gallery, así que aprovecho para mandaros saludos. En unos días, preparaos para ver fotos y videos de la City. Un abrazo para todos, y paciencia, mis queridos lectores!!!

Las 13 Monalisas más... bueno, más algo

2009-08-21T11:30:00.003+02:00

Piedras me ha enseñado la web Odee, que yo no conocía. Se trata de una web cuya temática podría definirse con una función matemática, pues elige una temática, o una característica de una temática, y elige un número x de ítems que considera los más adecuados o representativos. Por ejemplo, en este caso, perfecto para el blog, aparecen las "13 parodias e imitaciones de la Mona Lisa más guays". En la imagen, la versión de Botero (¿acaso quedaba alguna duda? :D). Espero que os guste, muchas gracias Piedras!

Noche de Fuegos

2009-08-18T23:31:00.001+02:00

Video de la noche de los fuegos en Gijón. La calidad no es ninguna maravilla, pero es lo que tiene no llevar trípode, ya me resultaba pesado cargar con la cámara, así que pasé directamente. Con todo, la posición desde los vimos, en la muyerona, fue un pequeño fracaso, porque se nos colocó una nubona justo delante, con lo que perdimos mogollón de detalle. Y luego sustituí la banda sonora original, en la que Isaac charlaba sobre cómo EEUU perdía terreno frente a China, algo con lo que Piedras coincidía, por esa musiquilla, que si bien no es el típico sonido de palomitas de estos eventos, creo que le queda bien. Espero que os guste. Últimamente solo subo videos eh? Bueno, al fin y al cabo son otra forma de arte...

Skating Eduardo Acosta

2009-08-17T11:46:00.001+02:00

Aquí os dejo otro vídeo grabado con la Canon EOS 500d, y editado con el Sony Vegas Movie Studio 9. El skater se llama Eduardo Acosta y es uno de los mejores que tenemos por estos lares. La verdad es que fue todo un lujo encontrarlo y grabarle, además es un tío muy majete. ¡Espero que os guste!

Canon EOS 500d: El vídeo

2009-08-16T13:04:00.004+02:00

Estoy aprovechando las vacaciones no solo para relajar la cabeza, que lo necesitaba urgentemente, sino también para actualizar conocimientos, y probar algunas nuevas tecnologías que no había tenido tiempo material para probar en profundidad.

Una de ellas, es el modo de vídeo de mi cámara, la EOS 500d.

Ayer por fin tuve tiempo para coger la cámara y salir exclusivamente a probar el modo de vídeo. Como no tenía muy claro qué grabar, decidí hacer un pequeño video con diferentes tomas, y con la excusa de subirlo al blog, montarlo y ponerlo bonito.

Pinchando en la imagen de arriba podéis ver el vídeo, también lo podéis hacer pulsando aquí. No olvidéis pulsar el botón HD para verlo en alta definición, pero ojo si no tenéis un ordenador muy potente porque os irá a saltos.

El equipo que llevé fue el siguiente. Obviamente, el cuerpo era la Canon EOS 500d, con una batería oficial cargada hasta el tope. No utilizo Grip. La tarjeta de memoria es una Kingston de 8gigas UltraII. El objetivo era el Tamron 18-270 con antivibración. Además de esto, llevé mi trípode SLIK, un trípode pequeño pero muy manejable.

El paseo lo dí por Gijón, y elegí la zona del muelle. El día estaba un poco grisáceo, que es lo habitual por aquí, así que no me compliqué la vida y me puse a trabajar.

El vídeo y la fotografía tienen algunos aspectos en común y otros que no tienen nada que ver. Para empezar es indispensable tener bien configurada la cámara, puesto que el vídeo no se puede capturar en formato RAW. Por esa razón, elegir bien el equilibrio de color, o utilizar un modo personalizado con el contraste o la saturación perfectamente definidos, ayudan mucho con el resultado final. Yo utilicé un modo de grabación personalizado que enfatiza la saturación y el contraste, y cuando pude ver los resultados en casa, me arrepentí un poco de dicha configuración. Utilicé igualmente el modo de luz “nublado”, que da a la imagen un tono ligeramente cálido, de lo que posteriormente también me arrepentí. Especialmente crítico es el valor de la nitidez, en la cual recomiendo que se ponga en baja o muy baja, puesto que en video crea un efecto un poco extraño. El resultado se puede compensar bastante al editar, pero esto es como con la fotografía, mejorar sí, pero no hacer milagros.

El vídeo es diferente a la fotografía, exige pensar

de una forma diferente, y tener en cuenta

sus particularidades técnicas y conceptuales

El siguiente punto a tener en cuenta es el del trípode. Es prácticamente indispensable tener un trípode. Si en fotografía da un poco igual, porque a una mala se sube el iso, o se pone uno más estático, en video es imprescindible. Es la diferencia entre un video casero cutre o un video que se pueda ver. No creo que sea indispensable llevar un trípode tamaño camión, puesto que en video la trepidación se compensa mucho (poco importa que de los 30 fotogramas que tiene un segundo, uno esté un poco desenfocado) pero sí queda realmente mal grabar video y que esté todo moviéndose, da una sensación de mareo. Por eso un trípode ligero de cabeza pivotante ayuda muchísimo, incluso para hacer barridos, por lo menos que haya un punto de apoyo contínuo.

Otro tema interesante es el del objetivo. En el modo de vídeo, al menos de momento, no se puede controlar el número f. Aunque se pueden hacer truquillos, a efectos prácticos significa que la cámara siempre intentará utilizar el número f más bajo posible, por ejemplo 3.5, o 5.6. Esto puede ser un problema para ciertas circunstancias, pero a mí me parece un poco anecdótico. Sí podemos utilizar la compensación de luz, para que todo salga más claro o más oscuro. También podemos jugar con el ISO. Este es un punto curioso. Siempre va a estar en modo automático, hasta que comencemos a grabar, en ese momento se va a quedar con el valor con el que haya empezado. Esto juega a nuestro favor, pues en un momento dado podemos hacer un bloqueo del ISO, enfocando por ejemplo a una zona clara, para que se quede con un ISO 100, y apretando el botón de bloqueo AE. Con valores ISO muy altos (el máximo en video es 1600) puede aparecer bastante ruido cromático que puede resultar molesto, además de perder muchísima nitidez.

Teniendo en cuenta todo esto, debemos elegir bien el objetivo. Yo he probado con excelentes resultados, con un objetivo Canon 2.5 macro. Pero en este caso preferí llevarme el Tamron a ver qué tal. Lo primero que hay que tener en cuenta es ponerle la visera al objetivo, y quitar el modo de enfoque automático y el antivibrador. Esto último es importante, porque si no lo hacemos, a mitad de la grabación, se parará el motor, y se desenfocará de repente. El enfoque automático en el modo de video, a diferencia de cuando usas la cámara en modo reflex, es lento, lentísimo, lo que lo hace poco menos que inutil. Muchísimo mejor el enfoque manual, sin duda. Una vez tenido esto en cuenta, se trata de un objetivo suave y muy versátil. En modo vídeo el resultado es muy bueno, pues su nitidez sobra para este tema, y es lo bastante luminoso como para ofrecer unos resultados notables. El único pero que se le puede poner es que en su focal más larga es muy fácil que se mueva con la más mínima brisa, conmo se puede ver en mi vídeo, pero es algo bastante anecdótico por otra parte. A cambio, en su focal más larga, ofrece un desenfoque delicioso del fondo, perfecto para grabar desde lejos sin que a nadie le moleste.

Con respecto al vídeo que se obtiene, decir que la cámara graba tanto a 720p como a 1080p. También graba a 640x480 a 30 fotogramas, por cierto.

Uno de los aspectos que más dudas levanta esta cámara es el modo 1080p, que graba a 20 fotogramas, y no a 30. Mucha gente se pregunta si esta diferencia es importante. Bueno, he probado a grabar secuencias tanto a 720p como a 1080p, y debo decir que existe diferencia. Es cierto que el modo 720p es más fluido. Sin embargo, y esto me parece muy importante, una vez que editas el vídeo, los fotogramas se interpolan, de forma que esa sensación prácticamente desaparece. Para hacernos una idea, el cine tiene una frecuencia de 24 fotogramas por segundo, e interpolar 4 fotogramas no supone mayor problema. Se compensa el movimiento y se desaparece completamente la sensación de poca fluidez. Dicho de otra forma, si queremos grabar secuencias con mucha acción, o mucho movimiento, entonces es recomendable grabar en 720p. Sin embargo, para escenas más tranquilas, podemos utilizar el modo de 1080p, con lo que conseguiremos muchísima más información y nitidez. Como demostración de lo que digo, diré que en el video que podéis ver, hay varias secuencias en 1080p, intercaladas con las secuencias en 720p, y no se nota la diferencia en absoluto.

El modo de vídeo 1080p solo graba a una cadencia

de 20 fotogramas por segundo. Sin embargo, una vez editado

se interpolan los fotogramas y la sensación de fluidez se iguala

con el modo 720p, con una nitidez mucho mayor.

Aclarado esto, diré que si buscamos vídeos con una nitidez similar a la que se puede ver, por ejemplo en la F1, o en los típicos videos de demostración de los LCDs en los centros comerciales, que se olvide. Normalmente esos videos se graban a 60 o incluso 120 fotogramas por segundo, con ópticas específicas de vídeo, etc.

El resultado que se obtiene con la EOS 500d es bueno, y utilizable. Bajo mi punto de vista es muy cinéfilo, sobre todo por el tipo de ópticas que se pueden utilizar, lo veo ideal para grabar video 720p a 25-30 fotogramas, o a 1080p a 25 fotogramas (repito, una vez editado el video). La veo suficiente como para hacer cortos, videos para internet, videos familiares... Un paso por encima de las típicas video cámaras, vamos.

Un tema por cierto del que no he hablado es el audio. Es suficiente para los típicos videos caseros cutres, pero está a años luz de un video serio. Si queremos audio de calidad, habrá que utilizar una solución totalmente externa, como un grabador con micrófono, o lo que sea. No es que sea un drama, pero es un trasto más y da mucha vagancia llevarlo.

Vale, ya tenemos el video grabado, ahora lo pasamos al ordenador y... y ahora qué?

Bien, lo primero a tener en cuenta es que para ver y para trabajar con video en alta definición hace falta un ordenador realmente potente. Personalmente tengo un AMD de doble núcleo (un 3800+) y de entrada no puede reproducir video a 1080p, y con el de 720p se atraganta. Para este artículo he trabajado con un Intel Core2duo, que podía perfectamente con estos archivos. Vamos, que si no tienes un ordenador potente, o no tienes intención de cambiar de equipo, mejor ni te molestes.

En caso de que tu equipo pueda con ello, veremos qué ocurre.

La cámara graba en formato .MOV (quicktime). Este tipo de videos se pueden o bien subir directamente a Youtube/vimeo, etc, o bien editar con un programa de edición.

Yo he probado a editar los videos de la cámara con dos programas diferentes, el Premiere CS4, que ya conocía anteriormente, y el SonyVegas. El vídeo que estáis viendo ha sido editado con este último. La calidad es buena y es razonablemente sencillo de utilizar. Entre utilizar unos u otros... bueno, depende de cada uno, para gustos colores. Bajo mi punto de vista, el Premiere es un programa más serio y profesional, pero a mí el Sony Vegas me encanta, además de que es baratísimo para lo potente que resulta.

Una vez montado y editado, exportamos el video, en formato M2T, que es el que utiliza por ejemplo el BluRay. Sale un archivo de 700 megas, un poco indigestos para Youtube. Una pasadita por el DivX Encoder (que también es baratísimo, unos 8 euros) y ya lo tenemos preparado, en este caso pesa unos 150 megas, perfectos para Youtube. La verdad es que el tema de cómo exportar los videos es un verdadero dolor de cabeza, pero bueno. Cuando se sube el video a Youtube, el proceso puede tardar varias hoars. Y además, una vez subido, el video aparece solo con resolución estandar. Un rato después, ya aparece en HD.

Yo creo que con esto queda todo más o menos dicho, con esto ya se puede saber qué se puede esperar de la cámara poco más o menos. Sí es cierto que se puede llevar aun más al límite (por ejemplo utilizando ópticas que te permitan manipular la apertura del diafragma manualmente) pero yo creo que, en video, a diferencia de en foto, primero hay que saber bien qué se quiere grabar y qué no. Si vamos a utilizar la cámara como una especie de cámara de fotos potenciada y hacer algo así como “fotografías en movimiento”, entonces lo dicho se puede aplicar a la perfección.

Espero que os sirva de ayuda, la verdad es que me ha llevado bastante curro todo esto, pero si le sirve de ayuda a alguien entonces habrá merecido la pena. Estos días subiré otros clips de vídeo, así que estad atentos. ¡Un abrazo a todos!

¡¡¡Vacaciones!!!

2009-08-10T18:15:00.002+02:00

Pues eso, por fin estoy de vacaciones, ¡¡¡y lo estaba deseando!!!

Como siempre, mi época favorita del año para hacer el stop&go definitivo, reflexionar y pararme a meditar un poco.

En cualquier caso, de cara a nuestro querido blog, supongo que el ritmo bajará un pelín, pero no os preocupéis que he venido preparado para seguir dándole de comer como se merece.

En cualquier caso, desde aquí os saludo, y lo dicho, si no nos vemos en unos días, cuidaos mucho!

Actualizando mi equipo fotográfico

2009-08-03T09:31:00.010+02:00

Por fin he terminado de actualizar mi equipo de fotografía.

La fotografía es uno de esos mundos híbridos en los que la tecnología para profesionales y la tecnología para aficionados se ven separados solo por una línea difusa (como ocurre por ejemplo entre los deportistas de fin de semana y los deportistas de élite, o entre informáticos “de verdad” y jugadores acérrimos de pc, por poner dos ejemplos), y es terriblemente fácil caer en la tentación de adquirir equipo al que no le podemos sacar partido. No es ya que no queramos, o que no seamos lo suficientemente bueno s fotógrafos, sino que simplemente son equipo profesional, y si no somos profesionales, nunca llegaremos a poner el material al límite, ni de lejos, con lo que pagar las enormes sumas que componen la diferencia, es simplemente un desperdicio de dinero.

Así que elegir el material en fotografía se convierte en un genuino dilema, que implica muchísimos cálculos y cábalas, para tomar las decisiones más atinadas que nos sea posible.

Me parecía interesante para un post exponer los argumentos que he tenido en cuenta a la hora de elegir mi equipo, así como las diferentes opciones que he ido descartando.

Lo primero que se debe hacer es pensar cual es nuestro perfil como fotógrafos a la hora de elegir nuestro equipo, y para eso debemos pensar qué uso concreto le vamos a dar a las fotografías que hagamos.

En esta fotografía tomada en el centro de Madrid,
se ve cómo a una distancia focal larga, se consigue un suave
desenfoque del fondo y un gran detalle en el primer plano.

Mi perfil se compone de dos áreas diferenciadas. Por una parte, está el área profesional, en la que desarrollo mi trabajo de diseñador gráfico “todoterreno” en el que de vez en cuando tenemos que realizar alguna fotografía para algún original de prensa, normalmente en estudio y alguna vez en exterior, siempre trabajos sencillos que, no obstante, requieren de unos mínimos niveles de calidad para salir publicados tanto en on-line como impresos.

Por otro lado, mi perfil personal, en el que me gusta mucho la fotografía como afición. Las fotos que más me gustan suelen ser en viajes, pero también en ciudad. No me interesa demasiado la fotografía de estudio, sino un equipo polivalente que sea capaz de capturar cualquier imagen que se me ocurra captar.

Esta es una fotografía tomada en estudio, con el objetivo 50 macro
de Canon, e iluminación con flash. El nivel de detalle es altísimo.

Además de eso, debo tener en cuenta que este es mi tercer año con una cámara buena pegada, y ni se cuantos años llevo ya pegado a una cámara de fotos en general. El equipo que adquiera, debe como mínimo superar el equipo que ya tengo, si no el cambio lógicamente no me merece la pena.

Encontré ciertas carencias en mi equipo básico, pero para entenderlas, lo mejor es primero explicar qué equipo tenía:

· Cuerpo eso 400d de Canon, una cámara de principiante, pero capaz de obtener buenos resultados. Por lo demás, bastante básica en todo.
· objetivo estandar Canon 17-85 con estabilizador de inagen y enfoque ultrasónico, muy rápido, pero con una calidad de imagen que me dejó un poco indiferente (aunque es muy buena, no es un objetivo de tipo L, que son los mejores) y sobre todo tiene un rango focal muy corto.
. objetivo de focal fija macro Canon 50mm. F2.5, un objetivo perfecto para retratos y fotografía macro, que es realmente espectacular en estudio.
· objetivo Sigma 70-300 apocromático, un teleobjetivo muy potente y perfecto para principiantes, pero que carecía de estabilizador, era poco luminoso, y pecaba de poco nítido en su focal más larga.
· A parte de esto, varios trípodes, y cosas por el estilo.

Esta toma fue hecha desde la calle a una conocida libería del
centro de Madrid. La distorsión geométrica es casi inexistente,
y el grado de detalle altísimo, teniendo en cuenta que la foto
fue tomada a una sensibilidad de 1.600 ISO

Después de convivir un tiempo largo con tu equipo, vas viendo donde sufre más, qué cosas necesitas, y cuales te sobran. Mis principales carencias eran las siguientes:

. La cámara se comportaba bastante mal con poca luz, metía mucho ruido cromático y si bien se podía corregir razonablemente bien con photoshop, el resultado era lento y costoso. Además, en condiciones de luz compleja la medición de la luz fracasaba completamente, al no tener la cámara medición puntual.

· No tenía video, ni nada que se le pareciera.
· Estaba realmente harto de tener que cargar con, como mínimo, dos objetivos, uno de los cuales pesaba cerca de un kilo. Necesitaba reducir el peso del equipo para que fuese más versátil.
· La calidad de las imágenes finales resultaba en la necesidad de retocar a nivel de color, de iluminación, y en general de prácticamente todo. Era sutil, pero necesario.
· No tenía flashes, con lo que estaba muy limitado para muchos tipos de fotografía que necesita una iluminación más elaborada.

Después de mucho esperar, salió la cámara de mis sueños, pero con el pequeño detalle de que salió a un precio que solo se pueden permitir los sueños de otros, con lo que tuve que esperar muy a mi pesar. Se trataba de la EOS 5d mark II de Canon. Sus prestaciones apabullantes tenían dos que me hacían la boca agua. Por un lado, grabación de video en full hd real. Por otra, un valor iso de hasta 25.600, con unos valores intermedios, como el de 6.400, que dejaban a mi 400d en el más absoluto ridículo. Pero claro, los 2.000 euros que costaba, unidos a la necesidad de tener ópticas acorde, a no menos de 1000 euros por objetivo, un buen flash, etc, hacía que la broma se fuese a unos 4.000 euros, un verdadero disparate, con lo que no me quedó más remedio que esperar, hasta que por fin vió la luz una cámara que se ajustaba a mis necesidades reales, y a mi bolsillo.

La canon EOS 500d es una cámara perfecta para mi perfil. Es la heredera natural de la 400d, y son básicamente iguales por fuera. La ubicación de los controles, y su uso, es prácticamente igual. Entre sus características, las dos que yo buscaba. Video (en este caso en HD, no en Full HD, pero bueno, llegará) y una sensibilidad de hasta 12.600 iso, una cifra más que respetable pero bastante inútil dada su baja calidad. Sin embargo, hasta 3.200 llega sobradísima, e incluso a 6.400 es poco más o menos como la 400d a 1.600, que es lo que yo buscaba. A esto le unimos medición puntual, y una serie de características que yo resumiría en un uso mucho más sencillo y una calidad mucho mayor con mucho menos esfuerzo. Foto que tiras, foto que sale bien. Se lleva mejor con los objetivos, se lleva mejor con los flashes... en líneas generales, es la evolución natural de la cámara que yo tenía. Así que allí me fuí a por ella. Otras ventajas son el visor, mucho más luminoso y grande, y la pantalla, super nítida y bastante más grande, lo que la hace mucho más útil a la hora de constatar que la foto que hemos hecho ha salido como esperábamos. También es interesante el “liveview”, muy útil para fotografía de estudio (vamos, que puedes hacer fotos mirando la pantalla en lugar del visor).

Centrándonos en el vídeo, decir que permite una grabación en modo 480p a 30 fotogramas, en 720p a 30 fotogramas, o en 1080p a 20 fotogramas por segundo. Siendo este último casi inútil dado que habría que interpolar la imagen y quedaría un poco mal, el modo ideal es el de 720p. El resultado es bueno, siempre y cuando se grabe con un trípode y un objetivo adecuado. Aquí os pongo un clip de video que grabé en Gran Vía con el Tamron 18-270 en modo manual y sin trípode, pero como curiosidad creo que servirá. En este otro vídeo, podéis ver a u niño tocando en el templo de Debod, también en Madrid. Este vídeo está hecho con trípode, y el objetivo es el 17-85 IS USM.

El principal uso que le encuentro es el de grabar pequeñas secuencias de video, y especialmente le veo una gran utilidad para crear video para internet, dado que la calidad es realmente buena para este medio. De ahí a hacer cortos hay un mundo, pero para crear fotografías en movimiento, sin duda es una buena opción. El mayor problema que le encuentro es el de editar los videos, pues el formato .mov es un poco perrillo, pero bueno, supongo que todo será encontrar el programa adecuado. Por ejemplo no he tenido ningún problema para subir los clips a Youtube, donde incluso los podéis ver en alta definición.

El objetivo Tamron en su focal más angular (18) a la izd, y en su máxima tele (270) a la derecha,
que en su conversión equivalen poco más o menos a un 28-420.
El nivel de detalle es altísimo, y el estabilizador, sobre todo a 270, hace milagros

También había llegado el momento de comprar un flash, para lo que opté por la gama intermedia de Canon. El flash tiene básicamente dos usos, el primero, hacer fotografías en condiciones de luz en las que normalmente no saldrían. En segundo lugar, cumple la función de modelar la luz, y manipularla. Dado que fotografiar es literalmente “dibujar con luz” resulta tremendamente útil poder manipular y trabajar con la luz. Además del flash, compré un cable de un metro y medio que me permite situar el flash en un lugar diferente al de la cámara, con lo que añadido a los rebotes, lo hacen tremendamente versátil, además de fácil de usar, pues al ser de Canon, la cámara le dice al flash todo lo que necesita saber. Eso no quiere decir que no se pueda controlar el flash manualmente, que se puede, con lo que crear iluminaciones sutiles o dramáticas resulta sencillo, ayudando mucho el método de prueba y error.

La última decisión fue tal vez la más difícil. Se trata de un objetivo todoterreno de rango focal amplio, dado que estoy harto de andar cargando siempre con dos o más objetivos, especialmente cuando viajo. Dentro de ese perfil, había objetivos marca Sigma (un 18-250 estabilizado y con enfoque ultrasónico, a unos 640 euros), marca Canon (18-200 estabilizado y ultrasónico por unos 700 euros) o un Tamron, de los cuales había dos opciones, el 18-250 sin estabilizar por unos 400 euros y el 18-270 que además tenía estabilizador, pero no enfoque ultrasónico por 510. Después de mucho mirar, la duda estaba entre el sigma y el tamron, y tras mucho mirar, me fui a la tienda a probarlos. Es cierto que el Sigma enfoca un poco más rápido, pero el Tamron costaba 120 euros menos, y no se justificaba en calidad la diferencia de precio, ni mucho menos. Así que opté por este objetivo, que en su focal más corta es casi igual que el Canon que yo tenía, y en su focal más larca es casi igual que el Sigma Tele que tenía. La calidad del resultado es muy alta, siendo su mayor defecto la falta de nitidez en las esquinas de las fotos, algo comprensible dado el brutal rango focal del que hace gala, y siendo esto algo muy técnico que apenas se nota y que si bien podría ser suficiente para estropear una toma, esto solo ocurrirá en las focales más extremas, en un caso de cada mil. El viñeteo es un poco alto, pero muy fácilmente controlable, y la aberración óptica, aunque existe, no es mayor que en mi 17-85. Sorprendentemente, la distorsión es menos aparente que en el Canon. Un poco lento al enfocar, especialmente con poca luz, y en modo video un tanto inadecuado, aunque para esto ya tenemos el 50 de focal fija.

Otra imagen del Tamron 18-270. El grado de zoom es brutal sin cambiar de lente,
y el nivel de detalle es espectacular teniendo en cuenta su recorrido. Tal vez en estudio no de la talla,
pero como todoterreno es envidiable.

Con esto el equipo se queda completo durante un tiempo, siendo mi única adquisición posible el grip de la cámara, que dado su precio no me interesa demasiado, y un objetivo o convertidor que me dejen modificar la apertura del diafragma en el modo de video, algo que ahora no se puede hacer.

Y ya está, eso es todo. A lo largo del texto habéis podido ver algunas imágenes tomadas con el conjunto, ya me diréis si os gustan! Y si os interesa especialmente algo en concreto, que ya se que es todo un poquillo técnico, me lo comentáis y lo vemos con más calma ¿vale? ¡Un abrazo a todos!

faustoArt Cinema: Asalto al Tren

2009-07-31T14:42:00.004+02:00

AVISO: Esta crítica contiene SPOILERS. Está dirigida a personas que hayan visto la película, o a personas que sienten interés por ella y no les importe que el argumento les sea revelado, dado que la intención de la misma es realizar un análisis de sus puntos clave, y sería imposible hacerlo si no se puede aludir directamente a alguna escena o situación concreta)

Asalto al Tren (The Taking of Pelhalm 123) (2009)

"Buenos días ciudadanos, hoy hace un día precioso en la ciudad de Nueva York..."

Hace una semanita me acerqué a los cines Capitol de Gran Vía con mi hermano y Ana a ver la última cinta de Tony Scott, hermano del incombustible Ridley Scott, autor de maravillas como Blade Runner o Gladiator. Como primer comentario, decir que no se cómo será en otros cines, pero en estos, ver una película cuesta la friolera de 7,50 euros por persona, es decir, entre los 3, el precio es similar al de un Blu Ray, o al de dos DVDs de última hornada. Luego dicen que la piratería está acabando con el cine, y seguramente tengan razón, pero señores, hay que ser un poquito coherentes con el mundo en el que viven, no es ya que la gente pueda comprar la peli pirata, ¡¡¡es que una película original te cuesta menos!!! Por otra parte, debo decir que a nivel audiovisual el cine cumplió los estandares que se le presuponen, con una calidad de imagen y sonido maravillosas, especialmente por la sonoridad del impresionante teatro, la verdad es que así da gusto ver películas.

Pero bueno, reflexiones super manidas a parte, vamos a centrarnos en la película en sí.

Tony Scott siempre ha estado a la sombra de su hermano Ridley, y sin embargo ha sido capaz de crear algunas de las mejores cintas de acción de los últimos diez años, entre las que destaca Enemigo Público, con Gene Hackman y Will Smith, un verdadero peliculón, del que luego beberían muchísimas películas, como Bourne, por poner un ejemplo.

Con Pelhalm 123 Tony Scott da una vuelta de tuerca a su propia fórmula, y encuentra un equilibrio entre acción, humor y argumento, consiguiendo un producto equilibrado y que se hace realmente entretenida en toda su extensión, lo que para mí es lo más difícil de conseguir en este tipo de ejercicios.

La trama es razonablemente típica, secuestro a algo (en este caso es un tren, pero por ejemplo en Speed era un autobús) y los malos remalos que se ponen a negociar con el pinín de turno. Con tan poquito, es lógico que el peso recaiga sobre los actores, que recogen el testigo con una calidad asombrosa, recuperando al mejor John Travolta haciendo de malo (suele ser cuando más se luce, como en Swordfish, por ejemplo) y a Denzel Washington haciendo de bueno. Pero sin empalagar, como en los viejos tiempos, el actor ha madurado y después de películas como Training Day ha conseguido un balance mucho más creíble, y enseguida consigue la empatía del espectador.

¿Es suficiente con un cruce de este calibre para hacer una gran película? Pues si, es suficiente, pero Tony Scott es un director ambicioso en su género, y nos propone un tercer gran protagonista, la ciudad de New York. Y gracias a ello, nos encontramos con una fotografía fantástica en la que la ciudad se convierte en uno más, la ciudad y sus habitantes.

Porque los habitantes de Nueva York, sus habitantes del día a día, tienen también un papel protagonista en la película. Ridley Scott es conocido por integrar su visión sobre el mundo y la política en sus películas, como ya hiciera en Black Hawk Derribado, o en el Reino de los Cielos, incluyendo un discurso claramente crítico hacia la política de Bush y de su país. Ahora Tony se une a esta lucha, y con Pelhalm hace una clara crítica a la gestión de los atentados del 11-S, a la vez que homenajea al “Pueblo de Nueva York” otorgándole un rol heroico y participativo, y junto a las fuerzas del orden son las que se enfrentan a la amenaza. Sin embargo, las fuerzas políticas aparecen como unos pusilánimes indecisos más preocupados en sus problemas personales y en su imagen que realmente en solucionar el problema. Realmente no se si esta crítica viene a cuento en el momento político en que nos encontramos, pero francamente pienso que el cine muchas veces peca de aséptico y de no mojarse, y me gusta que me ofrezcan la posibilidad de participar de un debate de esta índole.

Entrando en el plano artístico, Scott como siempre es indiscutible en los campos clave, esto es, fotografía, montaje, dirección artística... Sin embargo utiliza una serie de planos que trabaja a una velocidad de fotogramas muy baja, para crear un efecto visual que probablemente busque fomentar la tensión, pero que a mí me parecieron forzados y artificiales, sin que con ello quiera decir que sean malos, simplemente me parecieron innecesarios. Los efectos especiales son contundentes, y muy realistas. La película es para adultos y no adultera (valga la redundancia fonética) los acontecimientos. Es una película cruda y no se avergüenza de ello. La banda sonora cumple con las expectativas y ayuda a mantener la tensión en todo momento. Mención aparte, tristemente habitual de un tiempo a esta parte por cierto, la merece el doblaje, que sin ser especialmente malo, resulta incomprensible, pues los actores de doblaje están intercambiados, como ocurriera en Star Wars, y se hace extraño ver a actores que siempre tienen una voz, hablando con otra distinta. Además, algunos actores de doblaje son grotescos y dan la sensación de aburrirse soberanamente. No se si son imaginaciones mías, pero parece que en su afán de multiplicar los beneficios, también están recortando duramente las inversiones en doblaje, y los más perjudicados al final somos como siempre los espectadores. Y no olvidemos tampoco la traducción del título, que como en España somos unos zoquetes, un título como Pelhalm 123 no nos resultaría sugerente, así que vamos al ultra obvio "Asalto al tren". Parece que la película podría ser un remake de una película antigua que en España se estrenó con ese nombre, pero no he encontrado referencias claras al respecto, si sabéis algo me contáis.

Y eso es todo. Una película recomendable y divertida, como producto de acción que es. Ahora bien, en su campo, cumple las espectativas y se pone como lo mejor que ha salido en lo que llevamos de año en el campo de la acción, que no es poco decir. Si la véis me contáis, y de mientras, ¡un abrazo muy fuerte!

Espi y sus mariposas

2009-07-29T11:37:00.003+02:00

Las mariposas de mi joven padawan.

Es un ejercicio de cuando estudiaba y que tiene como objetivo potenciar la capacidad de síntesis y de comprensión conceptual a través de bajar el nivel de iconicidad de un motivo. En este caso, al igual que cuando yo estudiaba, el motivo que hemos elegido ha sido un animal, para ser concretos un insecto, una mariposa. El alumno debe, a través de sucesivos pasos, ir bajando el nivel de iconicidad, entendiendo como máximo nivel de iconicidad el motivo original con toda su carga de detalle, y el mínimo nivel de iconicidad, aquella imagen sintética que aun sea capaz de conservar suficiente información como para quedar claro que se trata de la misma imagen. Como condicionantes, es obligatorio que la imagen original sea del animal entero, no una parte de él, y el resultado final, también. La imagen resultante debe estar hecha en blanco y negro, para así trabajar la masa, la línea gráfica y la trama.

Normalmente se pueden obtener unos cinco pasos claros: Un primer nivel de síntesis visual básica (es decir, un dibujo bastante detallado del bicho en cuestión), un segundo nivel en el que se empieza a eliminar información innecesaria, como pelos, texturas, uñas, etc. En el tercer nivel, ya se pasa de una ilustración más o menos realista, a un nivel de síntesis moderado. Este tercer nivel a veces se extiende y se convierte en el cuarto y en el quinto, o da lugar a una profunda fase de investigación de la que salen varias líneas gráficas. Y luego el último paso, consiste en convertir esos últimos resultados en una ilustración bien hecha y definitva, con todo perfectamente acabadito.

El ejercicio de Espi fue correcto, con un resultado bastante bueno. Falló la fase de documentación, al no encontrar una imagen que enfatizase los valores más típicos de una mariposa, esto es, además de las alas, la textura interior, etc. Luego avanzó bien, pero la tercera fase fue muy escueta, y el primer resultado que encontró fué el que siguió. Esto resultó muy limitante, y el resultado final peca de heredar las limitaciones encontradas en esta fase. No es un mal resultado final, pero es muy duro y agresivo, en lugar de enfatizar valores más relacionados con delicadeza, etc.

Pero bueno, para ser la primera vez está muy bien. Ahora veremos qué tal resuelve el segundo proyecto, con un animal nuevo. Ya os lo iré contando, un abrazo!

faustoArt Cinema: Push (2009)

2009-07-26T19:19:00.004+02:00

Push (2009)

Una nueva generación de héroes

Push es una de esas películas que pasa desapercibida, que de repente un día oyes que está en el cine, y de la que no ves ningún cartel ni oyes ningún comentario, pero que lugo ves, y

dices, anda, pues la cosa está bien.

Pongámonos en situación. Push es una película que utiliza como trasfondo un mundo en el cual existen una serie de personas que tienen poderes psíquicos, tales como telequinesis, videncia, etc. Y nos plantea una especie de lucha entre el bien y el mal, entre agencias clandestinas que intentan controlar a estos seres humanos para crear con ellos armas en potencia, como supuestamente hiciera Hitler en su rama de investigación paranormal, tan famosa en tantos y tantos libros, comics, etc.

Estos poderes psiquicos son muy concretos, y se combinan entre sí en una especie de ajedrez. Así, los videntes ven el futuro, los recolectores ven el pasado, las sombras son capaces de ocultar a alguien a la vista de los recolectores, los sónicos y los quinéticos tienen poderes de ataque, los sanadores son capaces de sanar... El argumento de la cinta nos sitúa en este mundo tan particular, y nos permite entrar en una trama sencilla al principio, pero que se va haciendo más compleja según va avanzando el argumento.

La verdad es que hasta aquí todo suena conocido. Interesante pero conocido, con excelentes ejemplos como Jumper, Wanted y tantas otras, que proponen tramas y situaciones similares. Tal vez no exactas, pero sí semejantes, de eso no hay duda.

Lo que bajo mi punto de vista le da un valor adicional a “Push” es su puesta en escena.

La verdad es que por momentos me recordaba a “28 días después” y en general al cine de Danny Boyle. Aparecen los tópicos del género, es cierto, pero la dirección artística está tan cuidada, que ya elimina la sensación de rancio y la de esto ya lo he visto. La elección de escenarios es soberbia, con un Hong Kong que hace de escenario y en el que se recrean con unas localizaciones que se convierten en un personaje más, con un uso del color exquisito, que ayudan a mantener el ritmo de la acción, pues nos insta a digerir estos impulsos y propuestas visuales a la vez que vamos participando con los personajes de su trama. Un uso pop del color, acorde con la música con propuestas alternativas unidas a un pop actual y llamativo. Los personajes están conseguidos y, sin ser ni mucho menos personajes de Hamlet, consiguen parecer creíbles, cercanos, y en general nos identificamos rápidamente con ellos.

No todo es perfecto en Push. Su carencia de recursos se evidencia pese a su inteligente elección de escenas, en los momentos de acción, que si bien espectaculares y bien resueltos nos dejan con muchísimas ganas de más. Por otra parte, gracias a ello nos dejan recrearnos en la trama, y no se limitan a un festival de efectos especiales, algo que otras películas de mucho mayor presupuesto y ambición no parecen entender, y si no que se lo pregunten a Michael Bay y sus transformers.

En general una película muy buena, muy entretenida y muy bien resuelta, y para mí una de las sorpresas del 2009, tal vez no tanto por su calidad como por su equilibrio y su sensatez. Lo mejor, las localizaciones y la fotografía, de un nivel altísimo, así como la puesta en escena. Lo peor, desgraciadamente la falta de recursos para haber afrontado un proyecto más ambicioso. Con todo muy recomendable, si la veis me contáis, espero que os guste!

Un abrazo a todos, hasta pronto!

faustoArt Cinema: La leyenda de Chun-li (2009)

2009-07-26T13:31:00.007+02:00

Street Figher, La Leyenda de Chun-Li (2009)

Falta de respeto

Reconozco un cierto placer sadomaso cuando se me presenta la ocasión de ver una película como esta. Se lo que me espera, se que voy a sufrir, se que no hay ninguna razón para que pierda mi tiempo, más allá de la de poder regodearme en el dolor. Y aun así, lo hago una y otra vez.

Pero es que además sigo siendo como un neno, inocente, y una y otra vez, ante productos como este, pienso que tal vez, solo tal vez, lo hayan hecho bien y la película no sea un horrible bodrio.

Pero no es el caso. La película es un horrible bodrio. Y reconozco que escribir un poco sobre ella es con diferencia lo mejor que se puede obtener de esa inversión de tiempo.

Al lío, que no me quiero enrollar. Esta película es la segunda intentona desde Hollywood de crear una película con base en el universo de Street Fighter. El primer intento fue uno de los mayores azotes de la historia del cine. Protagonizada por Van Damme en el papel de Guile, tenían que ir a por el malvado Byson, caracterizado por Raul Julia. Tan mala era, que poco después este último se murió. Tal vez no por la película... pero tal vez sí, así de mala era.

Bueno, pues esta es aun peor. Ojo, es mejor en algunas cosas y peor en otras, pero en conjunto, es peor.

Pero vayamos por partes. Street Fighter es una saga de videojuegos de lucha, la más famosa e importante de todas. Su versión más importante y famosa, la II, contaba con un plantel de 12 personajes, y una historia sencilla pero eficaz que ligaba a unos personajes con otros.

En la película que nos ocupa, la protagonista es Chun Li. Después de ver como su padre era secuestrado a manos de Byson, empieza una búsqueda para encontrarle, en la cual se ve ayudada por Gen, un proscrito de la organización, y por Charlie, también conocido como Nash, un policía obsesionado por cogerle.

Lo primero que me pregunto es para qué narices toman como trasfondo el videojuego. La historia no tiene absolutamente nada que ver con el videojuego, excepto en el detalle puntual de que el padre de Chun Li fue asesinado por Byson. Lo demás, nada de nada. Byson era un personaje con poderes psíquicos, con aires de dictador que quiere conquistar el mundo. Aquí, ye un paisanín rubio de traje con negocios en Bangkok. En el videojuego, Chun Li es una agente especial, aquí, es ¡¡¡pianista!!!. En el videojuego, Charlie es un agente de las fuerzas especiales, y aquí un vulgar poli. Y Gen en el videojuego es un maestro de artes marciales, y aquí un chino vagabundo... ¡¡¡Balrog no es boxeador y Vega es chino!!! Pero no contentos con esto, de eliminar todo el trasfondo eliminable, modifican totalmente los valores estéticos, que no tienen absolutamente nada que ver con el orignial. Es más, Balrog, el boxeador que en esta peli no es boxeador, es el mismo actor que hiciera del Kingpin negro de Daredevil, una de las mayores ofensas en estas lides que recuerdo en la historia del cine. Se ve que le mola el rollo de insultar a los fans, oye, cada uno tiene sus aficiones.

Vale, si no es una peli basada en un videojuego, sino una peli a la que han puesto el nombre de un videojuego, entonces que es? Pues una peli horrorosamente mala para adolescentes a los que les sobra el tiempo y el dinero. Me explico, las peleas son malas, la dirección horrible, la música no existe, la dirección artística esperpéntica, y los efectos especiales dan tanta vergüenza ajena que podrían haber salido de los episodios descartados de los Power Rangers.

¿Entonces mejor no verla? ¡¡¡Pues claro, pensé que lo había dejado bien clarito!!!

La verdad, bromas aparte, es que si bien puedo comprender el deseo de hacer caja de las empresas con sus licencias, lo que no puedo entender es cómo este tipo de bazofias llegan a ver la luz. Es una vergüenza y deja a las claras que ninguna de las personas involucradas en la película tiene la más remota idea, ni de lo que es el videojuego, ni de cómo se debe hacer una película. Espero sinceramente que los resultados económicos del proyecto sean lo suficientemente paupérrimos como para dejar a todas estas personas las ideas un poco más claras de la realidad objetiva de la calidad de su producto. Por otra parte, desde estas humildes líneas, me atrevo a animar a Capcom a ponerse las pilas y cambiar radicalmente el chip con respecto a la calidad que deben alcanzar los productos basados en sus licencias, algo que claramente saben hacer, ya que existen magníficas versiones anime precisamente de esta licencia, y buenas películas basadas, por ejemplo, en la licencia de Resident Evil, que también les pertenece.

Bueno, lo dicho, espero que no caigáis en el error de ver la película, pero si lo hacéis, no olvidéis contármelo, que por lo menos nos echaremos unas risas. ¡Un abrazo a todos y a todas!

Una contribución a la humanidad

2009-07-24T09:31:00.003+02:00

Título: Nenúfares
Año: 2009
Soporte: Fotografía Digital

Aquí tenéis un regalito para empezar el día, es un fondo de escritorio, tamaño 1680x1050. Son flores de loto, la foto está hecha en Córdoba, en Mayo. Para descargarlo, tenéis que pinchar encima de la foto, y cuando se os abra a pantalla completa, hacéis click con el botón derecho, y en el menú emergente, pincháis en "Guardar como". Luego la ponéis como fondo de escritorio y ya está. Si tenéis mac o linux, os buscáis la vida :D y si no os aclaráis me lo decís y os digo cómo hacerlo. Un abrazo!

Cubo 3D

2009-07-23T12:21:00.005+02:00

Este es un trabao que hicimos hace un tiempo, y me pareció muy bonito para enseñarlo aquí. Existe una tecnología que, dado un cubo de cristal (no se si es cristal o una especie de polipropileno, o algo así) es capaz de "tallarlo por dentro" de forma que incrusta dentro una especie de objeto tridimensional. No se cómo funciona exactamente, pero supongo que con un laser calibrado a unas frecuencias concretas van quemando un poco el interior de forma que cambia la textura de transparente, a opaco, en puntos determinados por las coordenadas X, Y y Z. De esta forma, les puedes mandar un archivo en formato 3D (por ejemplo 3Ds o CAD) y ellos convierten el archivo en este tipo de resultados.

Además el proyecto tenía un punto interesante, que era el de hacer una interpretación tridimensional a partir de un logotipo bidimensional. La verdad es que el resultado, así como el proceso, me pareció super bonito y super creativo, y el resultado me pareció asombroso. Y eso sin contar con el potencial que tiene la tecnología, y en especial la nueva tecnología de "impresoras 3d", que si bien están muy lejos de convertir un objeto 3d complejo, con texturas, etc, sí que empiezan a ofrecer resultados realmente sorprendentes.

En las imágenes tenéis el original en 3D Studio, y el resultado final en fotografía.

Bueno, pues lo dicho, espero que os guste. ¡Un abrazo a todos y a todas!

Menos es...

2009-07-20T10:33:00.004+02:00

"Menos es más"

Mies Van der Rohe

"Menos no es más.
Menos solo es más como solución a un problema.
Si no hay problema, menos es menos."

Fausto

"¿Menos es más?
Menuda chorrada. Si tengo dos manzanas, y me quitas una, no tengo más manzanas. ¡Tengo menos manzanas! Es como decir alto es bajo, o negro es blanco. Suena bien, suena fantásticamente ambiguo, pero no significa una mier..."

Fer

El "Estilo Suizo" en Diseño Gráfico

2009-07-20T09:33:00.003+02:00

Cada vez me gusta más la "Smashing Magazine". Habla con una sencillez y un criterio que demuestran que tienen una base y unos conocimientos realmente sólidos. Hoy he estado leyendo este artículo sobre el "Estilo Suizo", y ¡qué buenos recuerdos me ha traído de cuando estudiaba!

Los profesores de la vieja escuela están ciertamente obsesionados con este estilo, que marcó todas las bases que actualmente siguen igual de vigentes. No obstante, los diseñadores de nueva escuela, nos tenemos que replantear y cuestionar estas bases, respetándolas por supuesto, y por supuesto asumiéndolas, pero entendiendo que el diseño gráfico, como comunicación visual, es un reflejo del día a día, y por esta razón debemos estar atentos a nuevos estilos o nuevas formas de comunicación visual, para asumirlos en nuestro discurso gráfico.

Eso no quita de que cuando vemos trabajos de "los maestros" no sigamos quedándonos boquiabiertos de la calidad y originalidad que tienen.

Como bien explica el artículo, el "estilo suizo", también conocido como movimiento moderno, tiene sus orígenes en los años 20, y se extendió rápidamente por toda Europa, especialmente por Alemania con la escuela de la Bauhaus y la teoría de la Forma. En los años 50 el estilo definitivamente se internacionalizó y sentó las bases del diseño moderno. Como bien apunta el artículo, algunas de las bases visuales del paradigma suizo podrían ser las siguientes:

· Uniformidad y Geometría
· Espacios Blancos: Que el texto respire
· Sistemas de Rejillas (para maquetar)
· Estructuración de la información
· Minimalismo
· Tipografías sin serifas
· Tipografía como elemento de organización, lectura, ritmo e impacto
· La fotografía como parte, y no como aparte

No hay que olvidar no obstante que esta forma de entender el diseño no surge por casualidad, sino que responde a una serie de necesidades y cambios sociales:

a) Los cambios en el arte y en la arquitectura, con la aparición del arte geométrico, el constructivismo, el art decó, etc.
b) La revolución industrial y los cambios tecnológicos en los sistemas de producción, sobre todo en el campo de las artes gráficas.
c) Los cambios sociales y políticos de la primera mitad del siglo XX, con la migración a la ciudad, la estratificación social y el nacimiento de la propaganda, que demandaban sistemas visuales sencillos y eficaces.
d) La investigación sobre la visión y la psicología visual.

Estas necesidades y cambios sociales, tan válidos durante la primera mitad del siglo XX, han cambiado y evolucionado, y hoy por hoy o bien ya están completamente superados, como por ejemplo en lo tecnológico o lo artístico, o ya no son eficaces por ser completamente reiterativos.

Por no ahondar más en este tema, os animo a que leáis el artículo, aunque está en inglés, pero bueno, más o menos os haréis una idea. ¡Espero que os parezca interesante!
Para poner punto final, la frase de Van der Rohe: Menos es más.

¡Un abrazo a todos y a todas!

Mi alumna progresa

2009-07-17T13:52:00.004+02:00

¡Qué orgulloso me tiene mi pupila Espi! Aquí tenéis sus primeros pasitos en el maravilloso mundo del diseño gráfico.

Os pongo un poco en situación. Lo difícil en diseño gráfico no es saber utilizar herramientas informáticas, ni tener buen gusto, ni ninguno de los topicazos habituales. Lo difícil es hacer un cambio de mentalidad y un cambio de chip. Y una vez que ya lo has hecho, es algo que ya no va marcha atrás. Así que lo asumes como algo de lo más natural.

Y un día te encuentras con que, al mandarle un trabajillo a tu pupila, no aplica la forma de pensar que debería aplicar, y claro, te quedas un poco sorprendido, la verdad.

Este logotipo es el resultado de un ejercicio que le propuse a Espi, con la finalidad de comprender la realidad de que, visualmente hablando, las cosas significan. Así que le propuse la creación de una empresa a Javi, que se imaginó una empresa de videojuegos de acción. El ejercicio consistía en, a través de tipografía y color, crear un logotipo para la empresa, siendo condición indispensable la de aplicar criterios de diseño gráfico.

El resultado cumple las exigencias, la elección de los colores es agresiva, y la tipografía stencil alude directamente al tema militar (se utilizaba sobre todo para marcar cajas, y se puso muy de moda con la guerra de vietnam). La pistola combinada con la G le da el punto de gracia para conseguir que el truco haga efecto.

¿Que si es mejorable? Por supuesto. Pero es un primer paso, así que como profesor orgulloso os lo muestro. ¡Mi joven padawan ya ha dado su primer sablazo!

A la tercera va la vencida

2009-07-17T11:29:00.003+02:00

Ya se que no es arte...
¡¡¡pero es que me hace mucha ilusión!!!
como pequeña crítica de diseño, por qué ponen letras rojas si has aprobado? es que no ven que da miedín???
Bueno, ahora al práctico. ¡Un abrazo a todos y a todas!

10 errores habituales en el diseño de logotipos

2009-06-30T09:02:00.003+02:00

"No utilices demasiadas fuentes tipográficas diferentes en tú logo"

Visto en Smashing Magazine, un artículo divertido sobre 10 errores habituales a la hora de diseñar un logotipo. Al principio me pareció una chorradilla, pero luego viendo a mí alumna/ayudanta/aprendiz haciendo un logo, me di cuenta de que hay personas a quien les puede resultar útil.
Aquí os dejo las traducciones:

10 errores típicos en el diseño de logotipos:

1. Que tú logotipo no parezca diseñado por un aficionado
2. Huye de las tendencias y de las modas (algún diseñadorcillo que yo me conozco debería aprenderse esto de memoria)
3. Utilizar gráficos vectoriales
4. Que no contenga "Stock Art" (vamos, que no cojas la imagen por ahí y la pongas en tú logo)
5. Diseña para tí mismo además de para tú cliente.
6. Ojo con la excesiva complejidad visual.
7. Cuidado con el color, sobre todo al convertir el logo a escala de grises.
8. Cuidado con elegir mal las fuentes tipográficas.
9. Que no tenga demasiadas fuentes tipográficas.
10. Ojo con copiar a otros.

Yo añadiría otros habituales, como pueden ser no utilizar más de dos o tres colores diferentes, no utilizar jamás degradados o tener especial cuidado con las malas interpretaciones que se puedan hacer de tú logotipo, pero eso ya lo dejamos para otro día. ¡Espero que os sea útil!

Saatchi en Cannes

2009-06-26T10:03:00.002+02:00

Lo mejor del Director's showcase de Saatchi & Saatchi en Cannes. Visto en Brand Life. Mención especial para el vídeo de Bruce Lee jugando al pin-pon, ¡¡¡tiembla Forest!!!

Ilusión óptica genial

2009-06-25T12:44:00.002+02:00

En esta ilusión óptica, las lineas verdes y azules, en realidad son del mismo color, exacto! Y si no os lo creéis, lo abrís en potochós, y lo comprobáis. Esto es así, porque nosotros vemos los colores, en relación a los colores que los rodean, y no de forma aislada. Una verdadera maravilla, sin duda, visto en Microsiervos, y en Buzzhunt.

Lo que le pasa a las ideas creativas...

2009-06-18T11:33:00.001+02:00

Video que me ha mandado mi amiga Datxu, la (p.) realidad de este negocio

faustoArt Cinema: The Wrestler (2008)

2009-06-14T12:27:00.004+02:00

The Wrestler (2008)

Golpes de mentira, dolor de verdad

Bueno, después de desquitarme con la película de el Castigador (menudo castigo verla, ja ja, qué chispa tengo...) vamos a hablar un poco de cine de verdad y a dejar de perder el tiempo con sandeces.

Randy “The Ram” es un luchador super famoso durante la década de los ochenta y principios de los noventa. Pero los años pasan, y poco a poco se empieza a hacer mayor. The Wrestler es una película que, a modo de retrato social, nos acerca al final de la carrera del luchador, y nos invita a compartir sus experiencias.

La lucha libre es un espectáculo que se popularizó enormemente durante la década de los ochenta, que fue cuando definitivamente se transformó del deporte que era originalmente, al espectáculo de masas con millones de seguidores en todo el mundo. Toda nuestra generación crecimos viendo el “Pressing Catch” con nuestros Hulk Hogan, el Ültimo Guerrero, y compañía. Unos verdaderos gladiadores que se medían en el cuadrilátero con toda suerte de golpes y de llaves imposibles. Adoptaban roles y eran queridos u odiados por el público que les aclamaba.

Pero los años no pasan en balde, y al igual que los boxeadores y otros deportistas de élite, que acaban con lesiones crónicas, los luchadores de lucha libre no escapan al tiempo y sus cuerpos se van deteriorando. Hace unos meses me chocaba leer un artículo precisamente sobre este tema, y en él se exponían los casos de estos luchadores, algunos de los cuales acabaron muertos, con prontos ataques al corazón, otros acabaron en la cárcel, y los que mejor lo llevaron tienen lesiones crónicas y tienen que tomar medicinas para quitar el dolor de por vida.

The Wrestler es una película que se centra precisamente en esta realidad, y hace un retrato de la vida de un luchador, genérico, pero que podría ser perfectamente cualquiera de nuestros antiguos ídolos. Y lo utiliza para crear una obra dura, profunda, que no se queda en la mera superficie sino que refleja el drama humano, el contraste entre el apogeo y la caída, con una gran dureza, no solo a través del protagonista, un Micky Rourke (Sin City) apoteósico, sino también a través de los personajes secundarios, que sirven para enfatizar la sensación de vacío y de soledad.

La dirección artística es soberbia, el uso del sonido y su contraste con el silencio, la fotografía con algunos momentos memorables, como la entrada al “cuadrilátero charcutería”, el uso del color, las cámaras, enfatizando contínuamente el grano, para que podamos ver hasta la última arruga del cuerpo envejecido del protagonista, los colores grises que contínuamente se combinan con escenarios vacíos de la américa profunda para dejarnos una clara sensación de nostalgia y deshazón, y cada golpe en el cuadrilátero, que no duelen como cuando los veíamos de pequeños, sino que enseñan en dónde duele de verdad, que hace que lo sintamos en nuestras propias carnes, músculos y huesos.

Todos los halagos serían pocos ante una película soberbia, que trabaja simultáneamente a todos los niveles para conseguir un retrato superficial y profundo a un tiempo, que utiliza la directa pero a la vez la metáfora y la moraleja, que nos hace cuestionarnos continuamente si ese es el camino correcto, o si no lo es. Que habla sobre todo de la condición humana, y que la refleja de una manera diferente.

Aunque por otra parte no es de extrañar que la película sea tan sobresaliente cuando sabemos que su director es Darren Aronofsky, que también firmara joyas como Requiem por un Sueño o Pi. Y tampoco extraña que "The Wrestler" recibiera más de 30 premios (incluyendo el Globo de Oro) y más de 20 nominaciones, incluidas dos a los Oscar.

Pienso que es una película realmente recomendable, entendiendo eso sí que es un drama, no una película de acción, y que nos va a resultar dura, y difícil de ver. Si decidimos verla, creo que la experiencia nos puede ofrecer una interesante y profunda reflexión, y que además nos deja el renacer de un gran actor, Micky Rourke, que por su físico nunca pudo tener papeles en los que pudiera demostrar sus dotes como actor, y que en esta cinta, simple y llanamente, borda.

Reconocedor tipográfico

2009-06-08T11:34:00.003+02:00

Hoy empezamos el día con una herramienta BRUTAL que no conocía pero que es de esas que te facilitan la vida enormemente. Se trata de "Myfonts WhatsTheFont" un reconocedor tipográfico. Tú importas una imagen con una tipografía que no reconoces, no es algo habitual, pero hay millones y es difícil conocerlas todas, el programa lo analiza, y te ofrece resultados con tipografías similares, si no la misma exactamente. A mí me ha salvado la vida, porque tenía que rehacer un logotipo, y gracias a esto, voy a poder terminar en mucho menos tiempo. ¡Aquí os la dejo para que la probéis!

faustoArt Cinema: The Punisher: WarZone (2008)

2009-06-06T17:13:00.007+02:00

Malísima.

Cuando oí hablar de esta película por primera vez reconozco que sentí una confusa mezcla entre miedo e indiferencia. La anterior película basada en el superhéroe de Marvel había sido tan mala que solo había servido para bromear a su costa, sobre todo con su útima escena, tan patética y deprimente. Sin embargo, cuando empecé a ver artes conceptuales, y algunos datos que iban apareciendo, un atisbo de esperanza apareció en el horizonte. ¡Por lo menos habían tenido a bien elegir un protagonista que se parecía al Castigador! No es que sea algo especialmente dificil, dado que es un tío duro de pelo negro engominado hacia atrás, pero es que parece que en Hollywood es un reto ser respetuosos con la estética original de los comics, siendo la trilogía de Xmen (con personajes tan geniales como Juggernaut, un señor fuertecillo, o Lobezno, que de ser un tapón pasó a ser seleccionable por la selección de baloncesto), Daredevil (qué fan de Marvel no sigue flipando con el Kingpin negro) y por supuesto el primer castigador (rubio, y con una camiseta con una calavera, para más señas...) los mejores ejemplos de ello.

Pues bien, al menos el Castigador se parecía al Castigador, y por esa razón, cuando pude ver la película, lo hice con una cierta ilusión de ver algo digno de mi tiempo...

No lo era. Durante la primera media hora mi escepticismo iba creciendo, hasta convertirse en desilusión, y más tarde en desconcierto, hasta llegar al odio, y de ahí claro al lado oscuro. La película es pequeña. Muy pequeña. Falta de ambición, falta de presupuesto, falta de coherencia, falta de un director con ganas de hacer una buena película. El Castigador pasa a ser un paisanín que de cara se parece al superhéroe, pero nada más. Es un tío que se dedica a matar mafiosos. Vale, venga, el personaje del comic también. Y los dos son violentos, vale, eso también es cierto. Pero es que hoy por hoy con eso no es suficiente. La historia es patética, mal copiada de Batman, a la que aspira a parecerse, con un “malo” que es un tío que era guapo, y que se cae en un reciclador de vidrio, y claro, con los cortes se queda feo. ¿He oído Jocker por algún sitio? Pero el tío está amargado, probablemente por el esperpéntico maquillaje ultra cutre que le ponen en la cara (por dios, que alguien le ponga al patán de maquillaje El Caballero Oscuro y que aprenda leñe). Y este tío amargado, tiene un hermano que está loco. Y ese hermano se come a la gente y va de psicópata inteligente (he oído decir Lecter?) Pero claro. No es Anthoni Hopkins, sino un patán que da pena por lo imbécil que es. Y estos dos mongoles, perdonen mi lenguaje soez, pero mi lado oscuro sale a la luz, se enfadan con el Castigador (supongo que es porque es el que tira al “malo” al reciclador de vidrio, pero como los personajes son tan extremadamente planos, no acaba de quedar claro) y le quieren matar. Así que cogen un edificio abandonado (ni en la peor peli de serie b) y se lían a tiros con el Castigador. Y ya está, la peli se acaba. Bueno, no cuento el final, porque para qué. Es que no da más de si. Una fotografía patética, el vestuario aun peor (en lugar de el traje de operaciones especiales, el Castigador lleva un gigantesco chaleco antibalas con una calavera mal pintada...) las interpretaciones son lo peor, los efectos especiales son esperpénticos, y la peli en general es lo peor.

Mención aparte quiero dedicar por cierto al doblaje, tan, tan malo, que en algunos momentos llega a parecer una broma, de mal gusto, por supuesto.

Para mí, el Castigador es uno de los personajes peor tratados que he visto, y un verdadero insulto al buen gusto y al tiempo del espectador.

Como conclusión, y por si no ha quedado lo bastante claro, diré que la película es malísima, y no recomiendo a nadie que la vea, por ninguna razón. No se me ocurre ningún motivo coherente por el cual nadie podría perder el tiempo en ver un subproducto como este, salvo en el caso de alguien que escriba críticas de películas para su blog personal. Para los demás, abstenerse es el mejor consejo.

Día a día de un director de arte (4)

2009-06-05T14:24:00.002+02:00

"Pásame los Artes Finales de la página, el faldón y el Rompepáginas"
Cliente, confundiendo el formato "Robapágina" con un artefacto de destrucción.

Nota: Se que algunos posts como este se parecen mucho al fantástico blog "palabras textuales" pero francamente, ¡me sirven como desahogo!

Imágenes Surrealistas en Smashing Magazine

2009-06-04T17:43:00.003+02:00

Unas imágenes espectaculares para relajarnos un poco ahora que se acaba la semana. En la imagen, "Mothman", de PanZerkorps. Visto en Smashing Magazine, una pasada de sitio web de lo más estimulante. ¡Espero que os guste!

Día a día de un director de arte (3)

2009-06-02T13:49:00.000+02:00

"Pásame el jpg vectorial por favor"
...

Día a día de un director de arte (2): Las imágenes por capas

2009-05-29T13:15:00.003+02:00

Hoy me las he tenido que ver y pelear con la imagen con más capas que he visto hasta el momento. Un retoque hecho por un supuesto super pofesional, elaboradísiisisisisisma, con cuarenta o cincuenta capas (!?!?!?!?!?). La mayor parte de ellas servían para corregir una y otra vez la capa anterior. Modificar una imagen así resulta un verdadero dolor de cabeza. ¡Pero lo mejor de todo, es que al final, tampoco era ninguna maravilla! El gusto por el detalle era exquisito, faltaría más, ¡pero la imagen como conjunto presentaba unas incoherencias terribles! Lógicamente no voy a mostrar la imagen, pues el cliente podría asustarse, me limito a señalar una realidad habitual en mi trabajo, y es que el árbol normalmente no deja ver el bosque. ¡Photoshoperos al poder!

Recorridos Fotográficos: Córdoba (2)

2009-05-27T10:32:00.003+02:00

Título: Escriba
Soporte: Fotografía Digital
Año: 2009

Paseando por las calles de Córdoba, y después de un salmorejo densísimo, nos encontramos este peculiar espectáculo. ¡Lo que uno no se encuentre en las calles de Córdoba!

Cosas de Piedras

2009-05-26T12:34:00.004+02:00

Copio literalmente un e-mail que Piedras ha tenido a bien enviarme:

"Pues eso, que como tu blog se está quedando muy serio, sin apenas comentarios, vamos a volver a las andadas. La imagen que te envío, ¿es arte o no?

En cuanto los animos hayan subido un poco, y el blog vuelva a ser interesante, indicaré el origen y significado de la imagen, por cierto muy friki.

Saludos"

Bueno, ahí queda eso. En mi opinión, no es arte, sino alguna bizarrada de esas de geología que le gustan a nuestro colega, ¡pero sin más información es dificil atinar! Un abrazo muy fuerte y gracias por mandármelo Marcos, ¡ahora a ver si triunfa!

Piazo Pieza

2009-05-20T09:48:00.003+02:00

Este microsite de Mercedes me ha parecido realmente impresionante, una pasada. Es un ejemplo perfecto, de libro, de cómo hacer un microsite, jugando con la interactividad, la prestancia, y siendo también un ejemplo excelente de marketing en internet y una muestra genial de las "cuatro Fs de Fleming" (es decir, flujo, funcionalidad, feedback y fidelización).
Me ha encantado, así que os dejo que lo disfrutéis!

(visto en comandoefe)

ColorRotate

2009-05-18T11:54:00.003+02:00

ColorRotate es una forma curiosa de crear combinaciones de colores, basándose en tono, saturación y luminosidad, pero visto de una forma tridimensional que puede resultar muy gráfica, y muy útil para personas que necesiten crear mezclas de color y que no tengan mucha experiencia. Se me ocurre como ejemplo algún hipotético pintor novel que intente pintar alegres gatos, y le salgan gatos infernales :D

(visto en Microsiervos)

Entra una Comic Sans en un bar...

2009-05-18T11:50:00.002+02:00

...y el camarero le dice "aquí no servimos a tipos como tú"
(visto en Microsiervos)

Recorridos Fotográficos: Córdoba (1)

2009-05-17T20:15:00.004+02:00

Título: Patio Cordobés

Soporte: Fotografía Digital

Año: 2009

Este fin de semana he estado en Córdoba, una de las ciudades que más me han gustado e impresionado de todos los sitios en los que he estado tanto en España como fuera, y este es un aperitivo a otras fotografías que iré subiendo sobre la antigua capital de Al-Andalus. Este es uno de sus famosos patios, los vecinos compiten entre sí para ver quien consigue el patio más bonito y mejor decorado, y tuvimos la suerte de llegar a la ciudad en pleno concurso. ¡Espero que os guste!

Día a día de un director de arte (1)

2009-05-13T11:37:00.002+02:00

Hoy me han pedido una adaptación de un original de prensa. Las medidas eran de 253,454 x 166,969 milímetros... Vamos, que me han dado la medida en... ¡micrómetros! Para que luego digan que esto de la impresión no es algo preciso... Si tenemos en cuenta que a una resolución de 300 ppp un punto (o tamaño mínimo del punto) mide en torno a 85 micrómetros... Para poder imprimir esta adaptación con ese nivel de precisión, ¡¡¡haría falta una resolución de en torno a 25.400 ppp!!! ¡Lo que demuestra que la imprenta que la va a imprimir debe ser una de las más avanzadas del mundo!

faustoArt Cinema: Bolt (2008)

2009-05-10T10:57:00.001+02:00

El Show de Truman Canino

Lo que Bolt no sabe, es que en realidad vive en un mundo de ficción, y que es el protagonista de la serie de televisión más famosa del país. Todo está pensado para que él no se de cuenta, y por esa razón está convencido de que tiene todos esos poderes.

El argumento es una excelente excusa para que Walt Disney retome su género favorito, el de la animación. Pero señores, en el estudio de Mickey Mouse se han dado cuenta de que con los lápices y los colorines ya no se vende, así que han optado por pasarse al lado oscuro, o al de la luz, según se mire. Con John ToyStory Lassater en la producción, se lanzan a una nueva aventura tridimensional de animación sintética, que al igual que Monstruos contra Alienígenas, tenía como principal reclamo que ha sido creado en tres dimensiones. Yo no la he visto en 3D, así que me limitaré a hablar de la película per sé.

Si por algo se caracteriza Walt Disney es porque siempre ha tenido muy claro cual es su público objetivo. Sabe que sus películas son para niños. Y no se complica la vida, haciendo peliculas para niños-con-padres, o para niños-y-además-otro-tipo-de-público. Por eso sus películas siempre están cargadas de un contenido educativo y moral, que si bien es muy adecuado para los pequeños, para los que por desgracia ya no somos tan pequeños se nos hace un poco pasteloso. La película se convierte en un contínuo descubrimiento por parte de Bolt de lo guay que es ser un perro vulgar, y lo tonto que es querer tener superpoderes... Y claro, uno se da cuenta de lo ovejizados que estamos desde pequeños con estas cosas, porque, seamos serios, ¿quién no quiere tener un superladrido??? :D

El desarrollo de los personajes es muy bueno, a destacar los personajes secundarios, marca de la casa, que son realmente divertidos, y a destacar también el ritmo de la película que es entretenidísima, y en la que la acción no decae en ningún momento. A nivel audiovisual el resultado es apabullante. Visualmente la película es una delicia, y debo decir que me he quedado impresionado del total grado de fotorealismo que se ha alcanzado, superando en detalles puntuales todo lo que yo había visto hasta el momento. Es tal el grado de perfección, que ya ni se nota, razón por la cual, paradójicamente, pierde parte de la magia de las películas de antaño, en las que la novedad de la tecnología, o los pequeños efectos que iban apareciendo, nos impresionaban una y otra vez. Con todo, insisto en que el resultado es impresionante, y solo nos hace soñar con lo que se podrá conseguir de aquí a unos pocos años, a mí se me hace la boca agua! Con el sonido ocurre lo mismo, la época del sonido multicanal ya ha pasado a la historia, y ahora ya es algo asumido, por lo que no podemos decir que nos impresione un sonido posicional, lo cual no quiere decir que no goce de un apartado sonoro envidiable, más aun en su versión original, que por desgracia no he podido ver, con actores de la talla de Travolta como doblador de Bolt.

Otro punto que me gustaría destacar es que Walt Disney está sabiendo adaptarse a los nuevos tiempos sin caer en la imitación o en la copia de su compentencia, léase DreamWorks. Se nota que la película es de Disney. Pero esto tiene pros y contras, para mí la más importante es que, siendo el argumento que es, se queda muy encerrada en sí misma, y no aprovecha el potencial que tiene para hacer guiños a otras películas o situaciones, algo habitual en la firma de Spielberg, e incluso en Pixar, también de Disney.

Así que el resumen es ese, que se trata de una película sobresaliente a nivel audiovisual, pero que está claramente enfocada a un público infantil, con todo lo que eso conlleva. Muy recomendable, ahora bien, no es el Caballero Oscuro, ni ahonda en la psicología como el Show de Truman. Si la véis, no os vais a arrepentir. ¡Superladrido!

Murakami en el Guggenheim

2009-05-04T16:29:00.003+02:00

El Guggenheim de Bilbao presenta una monográfica sobre Takeshi Murakami. Este finde he podido ir a verla y me ha parecido sensacional, pero como no acabo de encontrar tiempo para hacer un post en condiciones, pues de entrada pongo un par de imágenes, y cuando pueda, pues me extiendo. ¡Espero que os gusten!

faustoArt Cinema: Monstruos vs. Alienígenas (2009)

2009-04-26T11:53:00.009+02:00

Esta película se sale... de la pantalla!!!

Monstruos vs. Alienígenas es una película de animación firmada por Dreamworks (Shrek, Madagascar) y cuya principal característica es que cuenta con una versión filmada en tres dimensiones, y que sirve como maniobra de marketing para promocionar la tecnología 3D en nuestro país.

Monstruos vs. Alienígenas: La película

Se trata de una película interesante, que resulta entretenida, y que tiene un divertido sentido del humor que juega (como suele ocurrir en las películas de Dreamworks) en numerosos niveles, algunos más infantiles para el público más evidente de la película, es decir los niños, y algunos mucho más complejos enfocados al público más adulto que acompaña a la jauría. Los guiños a las películas clásicas son numerosísimos, y algunos realmente divertidos. A nivel visual, y sin entrar en la nueva tecnología 3D que luego veremos en más profundiad (jeje) la película demuestra que la animación por ordenador ha llegado a un nivel altísimo, en el que roza el fotorealismo en muchos momentos. La espectacularidad audiovisual es altísima, y los numerosos momentos de acción están rodados de una forma muy dinámica. El sonido tampoco se queda corto y presenta un sonido envolvente muy espectacular. La banda sonora está bien elegida, y parodia el sonido de las películas clásicas, aunque pasa ligeramente desapercibida.

A diferencia de las películas clásicas de animación, el contenido moral no llega a niveles de cursilería, antes todo lo contrario, están bien contemplados y pueden resultar enriquecedores. Los caracteres están bien trabajados, son profundos y en ningún momento se hacen empalagosos. Igual que ocurre en Madagascar y en Shrek, es esta profundidad y este desarrollo lo que hace tan especiales estas películas, que tienen un carácter único, y que las hace resultar mucho más frescas y divertidas que sus homónimas de Disney (que no de Pixar, ojo).

En resumen, una película entretenida, pensada para pasar el rato, y no para revolucionar la historia del cine, ni para cautivar por su complejidad. Si tenéis hijos y no tenéis otro plan mejor, os recomiendo que no os la perdáis.

Tecnología 3D

El principal argumento de venta para Monstruos vs. Alienígenas es la presentación en sociedad de la nueva tecnología 3D. Esta tecnología se basa en la estereoscopía para crear una imagen diferente para cada ojo. Con unas gafas especiales basadas en el espectrograma de colores, se discrimina una imagen para el ojo izquierdo, y otra para el derecho. Si no tuviéramos la gafas puestas, lo que veríamos en pantalla sería una especie de imagen doble.

Lo que se consigue con esta tecnología es enfatizar la sensación de profundidad, y el cerebro de forma natural interpreta las imágenes como si estuvieran en diferentes planos, y no en un único plano bidimensional.

Las sensaciones que se traducen de este tipo de tecnología son muy impresionantes, dando muchas veces la sensación de que realmente aparece una tercera dimensión, y da la sensación de que los elementos están en diferentes planos. Se trata de una tecnología que consigue una mayor naturalidad en las imágenes, que parecen mucho más reales.

En el caso de Monstruos vs. Alienígenas, llega a parecer una verdadera demo técnica, y durante toda la película se crea un efecto de "demasiada profundidad", pero dado que este es el principal argumento de venta de la película, es algo perfectamente comprensible.

Debo decir que debido a las características fisiológicas de mis ojos, me resulta realmente complicado captar esa sensación de profundidad. Las personas que sufran de algún problema visual en el que sus dos ojos funcionen de una forma sustancialmente diferente (ambliopías, cataratas, cegueras parciales, etc) directamente no podrán captar la sensación de profundidad que se consigue con esta tecnología. Incluso las personas que tengan la visión perfectamente normal podrían no captarla dependiendo de su forma de procesar las imágenes. Sin embargo esto es una excepción, y en general la mayor parte de la gente notará la sensación de profundidad. A mí durante la película hubo algunas escenas en las que lo pude notar con total claridad, pero solo cuando el efecto estaba especialmente forzado. En estos casos, es cierto que la sensación resulta impresionante, casi vertiginosa. Creo que es importante enfatizar que esta tecnología, una vez te pones las gafas, no distorsiona la imagen, y por lo tanto una persona con deficiencias visuales no notará ninguna diferencia con los sistemas de proyección de siempre, lo cual elimina cualquier crítica por discriminación que pudiera surgir.

Desde mi punto de vista personal las desventajas de esta tecnología (que pasan totalmente por la obligatoriedad del uso de gafas especiales, y del incremento en el precio de la entrada) superan claramente las ventajas, pero entiendo que eso es debido a mis características fisiológicas. Las personas que conozco que la han visto y que han podido apreciar la sensación de profundidad en todo su esplendor salieron encantados y la opinión generalizada es que una vez se supere el tema de las gafas es una tecnología que aporta mucho.

Si asumo que esta tecnología realmente aporta, entonces es obvio que debe seguirse esta línea de investigación. Ello no quiere decir que, como ocurre con otras tecnologías en el mundo del cine, vaya a hacer que cualquier película sea mejor. Habrá películas en las que aporte mucho, y otras en las que aporta poco. Lo que sí está bastante claro es que es la respuesta de Hollywood a la cada vez menor afluencia de público a las salas, no solo por los enormes problemas de piratería, sino también por la crisis de ideas que sufren.

No me vendas la bicicleta Gustavo

2009-04-19T13:03:00.003+02:00

Torner es uno de esos artistas que pican de todas partes, y que han hecho de todo. Y alguna de sus obras es realmente buena, léase por ejemplo las vidrieras de la catedral de Cuenca. Y luego sin embargo uno llega a la galería dedicada a su figura (espectacular espacio gótico rehabilitado en galería de arte contemporáneo, por cierto) y de repente se encuentra esto. Y claro, mire usted, a mí no me venda la moto. Porque bien es cierto que la pieza estaba escondida en la esquina más oscura de la sala, y que no le daba la luz, como si se avergonzaran de ella, pero al ojo avezado acostumbrado a rebuscar para encontrar genialidades a veces la suerte le juega malas pasadas, y una cosa que poca gente hubiera visto siquiera, te la encuentras de sopetón. Y claro, no sabes si es un arte, o un error, porque puede que alguien se dejase olvidada una rueda de su bici, y esa esquina a oscuras fuese algo así como la zona de objetos perdidos, pero no. Resulta que cuando el iris se da cuenta de que está oscuro y se dilata para que entre más luz, en la retina impacta terrible, apocalíptico, el título de la obra: “Icono para la Meditación a Aristóteles”, de 1969. Y mire usted, a mí no me venda la bicicleta hombre, que uno tiene el culo pelado (y perdón por la vulgaridad) de que le vengan con estas. Y es que el dadaísmo, el ready made y el objeto conceptual a uno ya le suenan a chiste. Lo que en la década de los 30 se podía sostener por los pelos, en la década de los 70 suena a broma de mal gusto. Y ojo, que a lo mejor es que tenía un mal día, no digo yo que no, pero es que por entrar a este espacio expositivo se cobra entrada, y aunque solo sea en la esquina más oscura, uno piensa que le están tomando el pelo. Y a lo mejor es eso, oiga. Porque, ¿ahora qué hago delante de esta cosa? ¿Le entro al juego al autor e intento jugar a los jeroglíficos? Que no tengo paciencia oiga, que se deje usted de vender bicicletas. En el arte vale todo, no digo yo que no que para eso estamos en la posmodernidad. Ahora bien, también son válidas todas las opiniones, y las críticas no dejan de ser precisamente eso, opiniones. Por suerte debe serle reconocida la realidad de que solo es una mancha en una carrera completa, así que no merece la pena darle más importancia. Pero, ¡no me intente hacer comulgar con ruedas de bicicleta señor Torner! ¡Un poco de por favor eh! :D

Ilustración Conceptual

2009-04-19T12:55:00.002+02:00

Exposición sobre arte conceptual en la Rusia de 1950, centrada en ilustración, y organizada por el Museo de Arte Abstracto de Cuenca. Se trataba de una exposición de posters, no de piezas originales, bastante discreta en general. De todas las piezas que había, las dos que aparecen aquí me parecieron especialmente divertidas y sugerentes. Llama la atención el sentido del humor tan fino que se lee entre líneas, algo poco habitual en el arte conceptual europeo, bastante más serio que el americano. La verdad es que, si bien la exposición era bastante mejorable, encontrar estas dos piezas resultó de lo más refrescante. Espero que os gusten!

faustoArt Cinema: DOA (2006)

2009-04-12T19:28:00.003+02:00

Combates planos entre luchadoras... no tan planas

Con esta crítica, voy a cambiar un poco el chip, y en lugar de una crítica larga y elaborada, voy a limitarme a marcar algunos puntos positivos y negativos y voy a hacer una minicrítica, que sirva como referencia si alguien quiere verla, pero que al no ser un producto especialmente interesante no da ni para un debate, ni para resaltar nada, ni bueno ni malo.

Dead or Alive es una película basada en el videojuego del mismo nombre. Las claves del videojuego eran claras. Se trataba de un videojuego de lucha de gran espectacularidad visual, en los personajes pero especialmente en los escenarios, que se caracterizaba por combates rápidos entre luchadores idealizados, especialmente los de género femenino, que son los que realmente hicieron famoso al videojuego, por sus exageradas y generosas curvas.

Pues bueno, la película va dirigida al mismo público. Adolescentes hipertestosterinizados. Con lo que sale lo que tiene que salir. Combates espectaculares en escenarios espectaculares, y un elenco de protagonistas en el que destacan por poderosas razones las luchadoras. En el lado positivo, destacan algunos momentos muy divertidos (en un momento dado, una luchadora lanza su sujetador al aire, levanta los brazos, y el sujetador se le queda perfectamente puesto mientras ella apunta con una pistola al atónito policía de turno, que no sabe muy bien si coger su pistola o... o.., bueno, eso ;D) y algunos combates espectaculares, y en el negativo, su falta de ambición en todos los sentidos. Es decir, sabe qué producto es y para quién va dirigido, y de ahí no pasa. Si eres un adolescente y consigues engañar a tu mamá para que te deje verla, a lo mejor te gusta. Si eres un aficionado al videojuego original, tal vez te guste (ojo, solo conserva la esencia de los combates entre pivones, en todo lo demás se parece más bien poco). Si no entras en ninguno de los dos grupos anteriores, no pierdas ni un solo segundo con ella.

faustoArt Cinema: Falcone (1999)

2009-04-10T18:31:00.005+02:00

Falcone (1999)

Falcone contra la mafia

Falcone es una producción italiana que, basada en hechos reales, nos presenta al juez Giovanni Falcone, que persiguió a las diferentes organizaciones mafiosas de Sicilia y Palermo durante la decada de los 80 y principios de los 90.

La mafia es un tema fascinante. Como suele pasar con bandidos y bandoleros, un aura de romanticismo se cierne sobre cualquier producto que lo rodea. Pero la realidad queda muy lejos de esa visión mágica, la idealización se aparta un lado para dejar paso a realidades sociales crudas y secas, en las que matones a sueldo sin ninguna cultura ni aura se dedican a imponer por la fuerza sus deseos a una sociedad asustada, y dirigida por personas influenciables y corruptas que consienten con los criminales para no ser ellos los siguientes en aparecer en las esquelas.

Falcone es una película biográfica que casi está más cercana al mundo de los documentales que al del cine. Se trata de una película muy discreta en general. A nivel audiovisual es austera en su presentación pero también en sus recursos. Ni la fotografía, ni el vestuario, ni la música, ni en general nada, merece si quiera comentario. Tampoco los actores, ni la dirección, ni, francamente, nada. ¿Entonces es una película mala, es una película que no se puede recomendar? Con respecto a la primera pregunta, diré que a mi parecer es efectivamente una película mala. Y lo es, porque una película no es una simple secuencia de diálogos, o una historia contada por imágenes. Una película es una forma de arte total, en la que cada elemento cuenta, y pienso que en este caso no se ha llevado al límite, ni se ha cuidado. Conozco ejemplos de propuestas similares que dejan a esta en ridículo, incluso con presupuestos muy bajos. Un ejemplo muy bueno sería Lobo, la película española en la que se trata el tema de un infiltrado en ETA. O cualquier thriller americano basado en hechos reales, como Causa Justa, por poner un ejemplo. No hay excusas para la falta de ambición artística en una película como esta, ni su austeridad se puede justificar de forma alguna. Simplemente, es una película mala.

¿Y entonces no es recomendable? Bueno, pues depende. Hay que ser realistas y poner esta película en su contexto. Trata sobre un tema apasionante y narra la vida de un gran hombre, así que dentro del contexto de los aficionados a ese tema, o interesados en la política o en la historia de italia en general, la película merece la pena. Es como decía al principio un tema fascinante, y el tratamiento es claro, y muy serio, no es una película pensada para entretener, ni para complacer al gran público, sino para contar una historia que, simple y llanamente, merecía ser contada.

Esperemos que en el futuro se vuelva a tomar este tema para realizar una película, y esperemos que en ese caso se aspire a algo un poco más ambicioso, y no se quede en un producto tan discreto, que aun siendo como es, tiene su interés para el público interesado en el tema.

Sin más que añadir, si llegáis a verla, os pediría que me diérais vuestro punto de vista, y si no es el caso, ¡un abrazo y hasta la próxima!

Tulipa-Radiografía, en ecoFactory

2009-04-02T10:26:00.003+02:00

No se si será un poco grimosilla, pero, ¿verdad que es original?
Se trata de reutilizar unas radiografías, y es que eso de reutilizar es el hilo conductor del blog ecoFactory, que se centra en ecología y reciclaje desde el punto de vista del diseño. Lámaparas con botellas usadas, o formas de reutilizar la energía, para una vida más sana y ecológica, sin por ello olvidar el estilo y el diseño. Espero que os guste, y gracias a Datxu que creo recordar fue quien me mandó el link la primera vez!

Maurice Jarré, Requiescam in Pacem

2009-03-31T10:03:00.006+02:00

Maurice Jarré ha fallecido el día 29 de Marzo. Se trataba de uno de los compositores más importantes y más infuyentes en la historia de Hollywood, y es uno de los compositores que iniciaron el tránsito entre la música clásica y la actual música de cine, marcanado muchas pautas que hoy por hoy siguen perfectamente vigentes. Entre sus muchas bandas sonoras, destacan "Lawrence de Arabia", "Doctor Zhibago"y "Passage to India", que le hicieron ganar los tres Oscar que poseía. También son destacables "Ghost", y "Sunshine", uno de sus últimos trabajos. Una triste pérdida para los amantes del cine. Con Jerry Goldsmith y Basil Poledouris, se une a los grandes compositores de cine desaparecidos en los últimos cinco años. Siendo el cine uno de los temas que más nos gustan en este blog, queremos unirnos a las numerosas muestras de afecto que se pueden ver en diversos medios de todo el mundo. Como dice el titular del post, señor Jarré, descanse en paz.

faustoArt Cinema: Ultimatum a la Tierra (1951; 2008)

2009-03-29T22:51:00.010+02:00

Ultimatum a la Tierra (1951)

Ultimatum a la Tierra (2008)

Ultimatum al Buen Gusto

Hoy vamos a jugar a las siete diferencias. Y por qué vamos a hacer eso si esto se supone que es una crítica de cine? Pues muy fácil, porque el otro día pude ver con gran ilusión “The Day The Earth Stood Still”, traducida al castellano como Ultimatum a la Tierra, y como terminé con la mandíbula desencajada y horrorizado ante semejante esperpento de película (estuve a punto de hacer una crítica de una sola palabra: “horrible”), tuve que ir corriendo a ver la versión original, para ver si eso me arrojaba algo de luz.

Pero como dijo Jack el Destripador, vamos por partes.

Ultimatum a la Tierra es una película estrenada en 2008 y que es un remake de la película del mismo nombre del año 1951. El resumen del argumento es que una nave alienígena llega a la tierra, y de ella sale un señor, que quiere hablar con los grandes líderes de la tierra para transmitirles un importante mensaje. Ante la inepta burocracia, el señor (que se llama Klaatu, por cierto) se empieza a enfadar, y empieza a pensar que no merece la pena ni siquiera transmitir el mensaje, pero por casualidad se encuentra a una eminencia científica, que hace que cambie de parecer, transmita su mensaje y se vaya.

Cuando yo oigo hablar de remakes, normalmente me hecho a temblar, sin excepción. En el mundo del arte es muy habitual oir hablar de remakes, de homenajes, de revisiones, de revisitas, etc, y si bien es cierto que en algunos casos merecen realmente la pena (como las “meninas” de Picasso, por poner un ejemplo) es bien cierto que en un alto porcentaje de ocasiones, no es más que una mera excusa para “no pensar”. De acuerdo, esto es una generalización demasiado amplia, y en la mayoría de los casos, la nueva obra aporta algo que merece la pena, aunque sea muy poquito. Y además, es cierto que en el arte, el metadiálogo entre artistas puede comprender obras realmente distantes entre sí en el tiempo, a veces incluso cientos de años. Así que dentro de lo que cabe, se entiende.

Pero cuando los remakes aparecen en el mundo del cine... dios mío, hay que echarse a temblar, directamente. Y es que Hollywood está en plena decadencia, ha entrado en una espiral de repeticiones y más repeticiones, y si bien durante los años 90 hubo un importante boom a partir de la evolución audiovisual, en los últimos 10 años la cosa ha ido a menos, y hoy por hoy es dificilísimo mantener la atención de las masas y atraerlas a las salas de cine. Aunque es un debate apasionante, no quiero entrar en más detalles ahora, y me conformo con observar que Hollywood no tiene ideas, y que está perdiendo terreno a pasos agigantados frente a los nuevos medios de masas, como internet o los videojuegos. Y se agarra a cualquier posibilidad que tiene a tiro, y de ahí que aparezcan esperpénticos remakes como el que nos ocupa. Aunque hay muchos ejemplos divertidos, me conformo esta vez con mencionar la horrorosa Vainilla Sky de Tom Cruise, el remake de Abre los Ojos de Amenabar, en la que todo, absolutamente todo lo que era bueno en la segunda, se perdió en la primera. Ver para creer, vamos.

Pues este caso de Ultimatum a la tierra es del mismo perfil. Si ves esa película, cuando acaba dices, bueno, es una película malísima, y he perdido dos horas de mi valioso tiempo. Pero es que si encima ves la versión de 1951, entonces lo que haces es echarte las manos a la cabeza, y cuestionarte seriamente la lucidez de las mentes ¿pensantes? que planearon semejante desaguisado.

Y es que todo lo que hacía buena la película de 1951, se transforma en horror en esta versión. Todo lo que podía haber sido mejorado, se ha malinterpretado para convertirse en incoherente, y cualquier posibilidad de sacar una buena película de aquí, se perdió en el preciso instante en que los productores entraron en escena.

Y es que, qué desconocida es la figura del productor en el cine actual. La gente habla del director, de los actores, hasta de la empresa que ha hecho los efectos especiales, pero nadie habla del productor. El productor es un ser en las sombras, que lo que hace es poner la pasta. Y como pone pasta, quiere producir pasta. Y como vivimos en el mundo que vivimos, en el que todos sabemos más que nadie, el productor es el que dicta las condiciones en base a las cuales se presta su valioso dinero. Así nace una nueva forma de cine, al que yo llamo el “cine de producción”. ¿Cuál es el criterio que se sigue para realizar una película como esta? Pues un criterio similar al que se sigue en publicidad.

Se elige, antes siquiera de decidir el guión, los actores, o lo que sea, el público objetivo. Este dato se obtiene en base a los diferentes grupos sociales que van a consumir tú producto. A esto añades una análisis de la competencia, y a partir de ahí determinas un producto p que debe salir en un momento t. Así que en base a ese criterio, empiezas a hacer como los políticos. Si quieres que tú película sea bien valorada por el grupo a, digamos, colectivo de raza negra, pones un niño negro. Para el grupo b, léase mujeres jóvenes trabajadoras, pones una mujer fuerte de protagonista. Y para el grupo c, mujeres adultas, eliges una ejecutiva agresiva. Así vas determinando cada uno de los aspectos de la película. Para el grupo n, amantes de la música, pones un compositor de moda. El grupo n' es el de los amantes de los coches mustang, así que pones un mustang. Y el divertido colectivo de los ecologistas, el grupo n'', así que mensaje apocalíptico de calentamiento global al canto. Y los datos que obtienes, los metes todos en una fantástica computadora, que te saca un producto matemáticamente perfecto, pero que, hay amigos, aquí es donde está la gracia, carece de todo tipo de coherencia, y lo más importante de todo, de cualquier tipo de interés para cualquiera de estos colectivos, dado que ninguno de ellos se siente a gusto con el grotesco producto que sale de la chistera del orgulloso productor. Ejemplos maravillosos de cine de productor (nótese cierta mofa en la frase) son las patéticas secuelas de The Matrix, con Joel Silver detrás, o la horripilante “Policías Rebeldes II” de otro genio del tema, Jerry Bruckheimer.

Pero al problema del “cine de productor” hay que añadirle la crisis de ideas de Hollywood, así que al producto hay que ajustarle un guión como sea, y como no encontramos otro, ponemos uno de cine clásico. Pensamos que, como La Guerra de los Mundos, o King Kong, han funcionado bien, nosotros también podemos hacerlo, no?

Pues no, señores, no. No con el enfoque que han elegido ustedes.

Vamos a observar algunas diferencias que existen entre las dos versiones, la de 1951 y la de 2008, y así nos podremos hacer una idea más clara del horror con que nos movemos.

La diferencia más importante es el enfoque de la amenaza alienígena. En la primera, es la amenaza nuclear, en plena guerra fría, la que hace que seamos visitados y amenazados. Si siguen con la carrera militar, les matamos, así que, ojito!!! Todo clarito, fácil y simple, al gusto del cine clásico. En la película actual, como eso ya no da miedo, tenemos que elegir otro criterio, y buscamos lo que más miedo da. Y claro, sale la crisis económica, pero eso a los marcianos les da igual, así que buscamos otra. Ya se, dice un iluminado, la ecología! El calentamiento global! Así que viene un marciano, y nos suelta lo de, “claro, es que si la raza humana sigue existiendo, el planeta tierra puede desaparecer, pero si la raza humana desparece, el planeta va a seguir existiendo”. Pues nada nada, todos asustados y a dejar de usar sprays, porque si los seguimos usando un día la tierra va a hacer “plop”, y va a desparecer de golpe. Francamente patético, si el motivo principal de la película es así de etéreo, se puede imaginar como es el resto.

Lo siguiente que choca, los personajes. Vamos a comparar algunos de ellos, que servirán a la perfección como ejemplo. El primero de ellos, el protagonista, en la película de los 50 es un señor normal, que pasaría perfectamente desapercibido. Es educado, elegante, y se limita a hablar con otras personas para conocerlas, y así hacerse una idea de cómo es la raza humana. En la actual, Keanu Reeves, disfrazado de Constantine, sale a la calle diciendo cosas raras, y amenazando a todo el mundo con arrasar la tierra. Sin comentarios. El político burócrata que recibe al marciano es un hombre elgante, tranquilo, y educado, que sigue un orden jerárquico, y que escucha al visitante en la película de los 50. En la actual, es una señora histérica, desagradable y necia, que lo primero que hace es meter al marciano en un laboratorio para diseccionarlo. En la original, un niño boy scout, se hace amigo de Klaatu, y este ve en la inocencia del niño cuánto merece la pena la raza humana. En la actual, un niño absolutamente repelente, (que como curiosidad es el hijo negro de una mujer blanca viuda, por cierto) lo único que hace es demostrar al alienígena por qué la raza humana debe ser debastada (si yo hubiera sido el alien, ni te cuento lo que hubiera durado la raza humana, vamos). Así, vamos descubriendo uno por uno a los personajes. Coherentes y tranquilos en la original, cutres, simplones y caricaturizados en la moderna. Patético, vamos.

Otro ejemplo a resaltar dentro de las diferencias, siguiendo con lo anterior, es el de la visión que se ofrece sobre la comunidad científica. En la película antigua, son personas normales, mientras que en la actual, eligen el típico elenco de estereotipos bizarros. El experto nuclear ruso, el típico experto en guerra química iraní... Vamos, lo normal, porque al fin y al cabo, ¿acaso existen científicos normales? :D Pero no solo eso, sino que en el cine actual, y sobre todo desde Parque Jurásico en adelante, las películas parecen necesitar tener una base científica mucho más “realista” que en los años 50, donde se daba por válida casi cualquier cosa con tal de que la historia mereciese ser contada. Hoy por hoy, ya no es así, y la película entra en incontables contradicciones que la hacen parecer un truco de magia barato, mal endémico del cine actual como ya he dicho. Un ejemplo. La raza alienígena cuenta con una tecnología de clonación hiperavanzada y pueden crear un ser humano hiperavanzado gracias a ella. Pero luego, necesita a modo de arca de noé, recoger muestras de todas las razas vivas de la tierra, para poder clonarlas (!?!?) en lugar de tomar unas muestras de tejido y ya está. Bueno, pues como esas, un montón.

Un último dato a comparar es el del acabado visual. Es llamativo que, una película que alardea de efectos especiales, presente probablemente su mayor problema en su conjunto visual. En la versión de los años 50 son muy conscientes de sus limitaciones, y presentan un aspecto visual austero, pero eficaz. Sí, vale, de acuerdo, tiene sus puntos divertidos (sale un “gigantesco autómata que es un señor disfrazado y mide como mucho dos metros y medio :D) pero a cambio presenta una coherencia perfecta, sin hacer grandes alardes. A cambio, presenta unos planos bien estudiados, con una fotografía muy original. Películas como la reciente Armageddon llegan a homenajear a esta película con la escena de las personas escuchando la radio en distintos lugares del mundo.

Sin embargo, la presente peca de esa necesidad del cine actual de sacar su arsenal de fuegos artificiales. Así que frente al platillo volante de la antigua, aquí aparece una bola enorme hecha por ordenador. Frente al autómata pequeñín, aquí aparece un robot de 6 metros de alto... con forma humana, por cierto, se ve que los alienígenas están obsesionados con hacerlo todo bien antropomórfico, supongo que por cuestión de moda alien, digo yo. Y frente a la amenaza alienigena, que consiste en un apagón selectivo de 30 minutos exactos en la original a escala planetaria, como quedaba poco espectacular, aquí se convierte en una nube de insectos (WTF!!!!) que puede acabar con un camión (escena para el trailer, claro está) en cuestión de segundos, pero que a un ser humano tarda horas en matarlo, de forma que el alienígena los pueda salvar.

Y así una detrás de otra. Como se puede observar, y como conclusión, solo recomiendo esta película a seguidores del Núcleo, ya que la película es del mismo perfil exactamente. Mala, aun más mala, sin ningún elemento siquiera un poco salvable, incoherente, esperpéntica en general, con un mensaje cutre metido con calzador, con unos actores que tal vez sean buenos pero que en esta ocasión no lo demuestran, ni mucho menos, y con un acabado audiovisual demasiado ambicioso pero muy mal resuelto. Yo creo que con esto queda todo dicho. Si podéis evitarla, hacedlo. Si la queréis ver si o si, pensad que estáis advertidos. Y si queréis ver una peli que tal vez os sorprenda, entonces optad por la versión de 1951. Qué curioso. Normalmente opino que el cine clásico está muy sobrevalorado, y normalmente odio a los críticos que le dan un +X a una película solo por ser antigua. No es el caso, ya lo se, pero me llama la atención cómo han podido generar un esperpento semejante a partir de una buena idea y un buen referente.

Sin darle más vueltas, me pongo con la siguiente, porque yo creo que, de esta, ya ha quedado todo dicho. ¡Un abrazo a todos y a todas!

Diseñador frustrado

2009-03-29T11:40:00.004+02:00

Buda me manda, acompañado del comentario siguiente, "Aquí teneis la historia de un diseñador frustrado porque se hacen las cosas bien en lugar de aleatoriamente como él querría ;D" un enlace en el que encontramos esta historia:

Google confía demasiado en la información y se olvida del diseño

Por: Axel Marazzi Martes 24 de Marzo, 2009 (18:09)

Douglas Bowman era el diseñador más importante dentro de Google, digo era porque el experto presentó su renuncia la semana pasada por problemas que “no pudo ver” cuando recién ingresó a la compañía.

El problema de Google, según Bowman, es que es una empresa repleta de ingenieros que toman decisiones. Esos ingenieros nunca mirarían las ventajas a nivel diseño sino que toman las decisiones en base a la información y, eso, es lógico porque son ingenieros, pero se le da muchísima importancia dejando de lado el aspecto visual que a Bowman atañía.

Esto fue lo que dijo al respecto: "Cuando una compañía está repleta de ingenieros, se utiliza la ingeniería para resolver problemas. Se reduce cada decisión a un simple problema lógico. Remueven toda la subjetividad y sólo miran a la información. ¿La información está a tu favor? Ok, lánzalo. ¿La información muestra efectos negativos? Vuelvan a la tabla de diseño. Y esa información eventualmente se vuelve una muleta para cada decisión, paralizando a la compañía y previniéndola de tomar cualquier decisión arriesgada".

Para demostrar lo que explica en su “carta pública” comenta que tuvo que discutir sobre por qué quería hacer un borde de 3, 4 o 5 píxeles (ustedes saben que la diferencia es mínima) y “probar su caso”.

Pero, si bien explica que hay decisiones mucho más interesantes que tomar que la diferencia entre 1 ó 2 píxeles, también comenta que millones y millones de dólares están en juego y que complacer a una cantidad de usuarios inimaginada de todo el mundo no es nada fácil.

Y luego Buda pide comentarios. Y normalmente le habría contestado por mail y nos hubiéramos echado unas risas y punto, pero es que me pareció interesante.

Pero sobre todo me pareció interesante por lo siguiente. Yo estoy de acuerdo con Google. Es sencillo, Google es una compañía que nació en base a unos criterios y una forma de trabajar, y hacen las cosas como estiman más oportuno, nada más. Concretamente Google es la ingeniería llevada a su máxima expresión, casi como la Nasa. ¿Eso les hace mejores? Pues francamente no lo se. Además no tenemos suficiente información como para juzgar, dudo mucho que una empresa como Google no de importancia al diseño. Es más, el diseño gráfico, llevado a su máxima expresión, es lo más parecido que existe a una ingeniería dentro del arte, así que por ahí no hay problema. Bajo mi punto de vista un ingeniero es un profesional, cuya función es, dado un problema, resoluble por medio de la ingeniería, planteado por un cliente, buscar la mejor solución a dicho problema. Un diseñador gráfico es un profesional cuya función es, dado un problema de comunicación visual planteado por un cliente, buscar la mejor o las mejores soluciones para resolver dicho problema. Cuando un ingeniero o un diseñador (se puede aplicar a casi cualquier profesional) asumen labores que no entran en esta definición, lo que harán será intentar resolverlas lo mejor que puedan (esto depende de la persona :D) con su sentido común o con su experiencia personal o lo que sea, pero en ese momento, estarán exactamente al mismo nivel, ni más ni menos.

Por esta razón suelen aparecer problemas cuando se confunden los términos y no se respeta el trabajo de un especialista. Me explico. Un diseñador gráfico por hacer un día una página web, o un programilla en flash, no es un ingeniero. Pues un ingeniero, por saber cómo funciona un programa, no adquiere los conocimientos sobre imagen y comunicación visual que tiene un diseñador. Si un ingeniero, o un científico, solo da por válidos no ya los argumentos demostrables, sino aquellos argumentos demostrables según los criterios de la ingeniería, entonces aparece un totalitarismo argumental, en el que lógicamente el diseñador en este caso sale escaldado, aunque el mismo caso se podría dar a la inversa. Yo descubrí esto a base de muuuchas discusiones con mis colegas ingenieros o bachilleres aspirantes a. Un truco muy frecuente es aceptar solo argumentos demostrables según los criterios de la ingeniería, pero dado que existen otras formas de conocimiento, ese es un truco muy bueno, pero solo un truco. Ahora bien, si nos ceñimos al caso de este diseñador, si se encontró en una situación como esta, entonces lo más lógico es que haga lo que ha hecho, que es coger sus cosas e irse a otra parte.

A raiz de esta historia, se pueden derivar otras. Siendo Google una compañía que le da muchísima más importancia a la ingeniería que al diseño, y sabiendo lo bien que les ha ido, debería ser el modelo a seguir? Pues creo que existen ejemplos de sobra que demuestran que no, incluso dentro del campo tecnológico, con empresas como Apple, Nintendo o Samsung que le dan una gran importancia al diseño, consiguiendo con ello unos resultados excelentes.

Y visto desde el punto de vista del diseño, ¿se puede decir que Google es una página con un diseño gráfico malo? Pues es un tema interesante. Yo diría que a nivel funcional, y teniendo en cuenta las limitaciones tecnológicas, es prácticamente perfecto. La pregunta es, ¿podría mantener a la perfección su funcionalidad, con las limitaciones técnicas incluidas, y mejorar su diseño gráfico? Pues yo no soy ingeniero, y por lo tanto no puedo juzgar la parte tecnológica, pero afirmo con rotundidad que a nivel visual Google no solo podría mejorar, sino que podría mejorar muchísimo. Pero vamos, esto no es nada sorprendente, al fin y al cabo hay muy pocas empresas de las que yo me atrevería afirmar que su diseño es prácticamente perfecto (todo es susceptible de mejorar).

La verdad es que en general me ha parecido un tema muy interesante. Me encantaría vivir en un mundo perfecto en el que el dinero no importase y cada profesional se pudiese dedicar en exclusiva a su campo, sin invadir el campo de nadie más. Como no es el caso, tendremos que seguir eternamente peleándonos para ver si la línea la ponemos más o menos gruesa :D

¡Un abrazo a todos!

50 posters de películas

2009-03-26T09:59:00.003+01:00

Acabo de ver esta página web en Microsiervos, y aquí os la pongo para que le echéis un vistazo si gustáis. El diseño de la "imagen corporativa" de una película es algo que me apasiona, tal vez incluso sea el campo del diseño gráfico que más me gusta, o casi. Y además debo decir que he tenido la suerte de hacer muchas carátulas, algunas mejores, otras peores, pero en todas reconozco que es un trabajo que me encanta. Y la selección de posters que recoge esta página es buenísima, aunque el criterio de selección ha sido el uso de las herramientas y no tanto el diseño o la calidad artística. No es la mejor, ni mucho menos, pero todos los posters son muy buenos. Me encantaría poder trabajar alguna vez con los márgenes de tiempo y sobre todo de presupuesto que se manejan para este tipo de proyectos. Algunos me parecen realmente brillantes, como el del Señor de la Guerra, o por ejemplo el de Wall-E. Francamente bonitos, y una forma refrescante de empezar el día. ¿Por qué no me decís en los comentarios cuales son los que más os gustan? ¡Un abrazo a todos, y espero que os gusten!

faustoArt Cinema: Kill Bill (2003)

2009-03-22T22:43:00.005+01:00

Que Quentin Tarantino tiene algo especial, es algo que pocos se atreverían a negar. Es uno de los directores “independientes” que más crédito recibe por parte del público y de la crítica por igual, y no es algo gratuito, porque su forma de ver el cine es tan personal e irreverente que ha formado una auténtica escuela, con multitud de seguidores e imitadores. La película que le lanzó a la fama fue Reservoir Dogs, y en ella ya quedan claras las señas de identidad del cine de Tarantino.

La primera clave en el cine de Tarantino es la música. Para él, existe un claro feedback entre la música y el resto de aspectos de la película. La una influye totalmente en la otra, y crecen juntas. Lo primero que hace Tarantino al plantearse una película, según sus propias palabras, es coger su vieja colección de vinilos, y dejar que la música le impregne y le sugiera. Luego es la película la que le dice qué tipo de música buscar.
El siguiente punto, es el guión, siempre simple en apariencia y muy complejo en desarrollo.
El tercero, su puesta en escena, con un control sobre la iconicidad visual abrumador (pensar en Reservoir Dogs es pensar en los trajes estilo “Caiga quien caiga”, pensar en Pulp Fiction, es pensar en la escena de Travolta y su reconciliación con el baile, pensar en Kill Bill es pensar en el traje de cuero amarillo (uummmmm) de Uma Thurman). Su control sobre la imagen es increíble, consigue con aparente poco esfuerzo, una perfección sorprendente. Sus recursos visuales son tremendamente austeros, sin utilizar efectos CG (“si quisiese efectos CG en mis películas, metería mi polla en la nintendo”, decía el director en una entrevista), y sin embargo consigue que sus imágenes sean impactantes.
El cuarto dato a tener en cuenta con Tarantino es el de sus personajes. Sus personajes lo son todo para él. Sin sus personajes su cine no sería nada. Todos son distintos pero a la vez todos son iguales. Son como una gran familia, o más bien como un pequeño mundo, regido por unas reglas que el propio director ha creado. Un punto clave es el de los diálogos, con algunas de las frases más geniales que yo haya escuchado jamás en una película (me encantaría poner alguna, pero, joder negro, no veas lo difícil que es que esas jodidas tonterías encajen en este rollo ;D). También las relaciones entre los personajes son geniales, y esto se consigue también sabiendo elegir a tús actores. Sacar a actores del olvido y revivirlos, o hacer que pasen de actores insípidos a actores de verdad. Actores como John Travolta, Bruce Willis o George Clooney no habrían llegado a donde están de no haber sido por Tarantino. Y no digo ya sus dos actores fetiche, léase Samuel L. Jackson y Uma Thurman, su verdadera y auténtica musa.

Tras Reservoir Dogs, Tarantino presentó la que es considerada su Opera Magna, Pulp Fiction, la que sin duda es una de las películas más influyentes de la década de los 90, con una amplia escuela de la que saldrían películas como Snatch, Fight Club, y tantas otras.
Pero tras Pulp Fiction, el listón quedó tan alto que al propio Tarantino se le convirtió en un verdadero problema, y tras varios intentos que resultaron bastante discretos (como Jackie Brown, por ejemplo), entre los años 2003 y 2004 firmó Kill Bill, con la que volvió al pedestal del que nunca debió bajarse.

Con Kill Bill lo que buscaba Tarantino era crear un verdadero y genuino homenaje a las películas de serie B de los años 70. Este enfoque de homenajear le llevó a crear Planet Terror hace poco por cierto. En Kill Bill, una mujer, conocida como “Mamba Negra”, se quiere vengar de “Bill”, por intentar matarla a ella, y matar de paso a la hija de ambos. Los entresijos del guión se van revelando poco a poco durante la película (no es que sean muy complejos, para qué nos vamos a engañar), pero todo esto sirve como excusa para una película que se ríe consigo misma, y que no tiene ninguna vergüenza a la hora de poner en pantalla todo tipo de situaciones estereotípicas, y estereotipadas, del cine de serie B chino. Maestros samurai, espadas japonesas, miembros cercenados, y las típicas frases de este tipo de películas (¡te voy a matar!, y cosas por el estilo).
Pero ahí es donde entra la genialidad de Tarantino, y todo este arsenal de situaciones variopintas entran rápidamente en contraste con situaciones cotidianas, creando situaciones que por lo absurdo resultan endiabladamente divertidas. Un ejemplo genial es el comienzo de kill Bill Vol. 1, en el que la Mamba Negra se enfrenta a una de sus antiguas enemigas en la casa de esta... hasta que llega la niña del colegio. Entonces las dos paran de pelear (las dos llenas de sangre, claro) para que la niña no sospeche nada. Hay que verla, la verdad es que es genial. Además, Tarantino no duda en utilizar recursos visuales absolutamente sorprendentes, como la escena de anime, de una calidad magistral, en la que se narra la vida del personaje interpretado por Lucy Liu.

Kill Bill es una película dividida en dos trozos, es más, ver solo uno de los dos volúmenes que la componen no tiene el menor sentido, si no se ve también el otro. En realidad es como coger una película y cortarla en dos trozos, eso sería mucho más exacto. Así que yo no voy a comentar cada parte por separado, sino que las comentaré como lo que son en origen, una sola película, pero bastante larga.

Como hemos comentado antes, en Kill Bill encontramos uno por uno todos los elementos que caracterizan el cine de Tarantino. Empezando por la música, llena de alusiones al cine oriental y al cine de los años 70, pero con una selección de canciones magistral, con algún tema tan memorable como el de los silbidos de Daryl Hannah, que tantas y tantas veces escuchamos en móviles por ahí, o los dos temas de flamenco que aparecen el segundo volumen. También genial el tema de los “1,2,3,4s” que aparece en el primer volumen, super pegadizo por lo absurdo. Una selección tan genial como todas las de Tarantino, aunque sin alcanzar las cotas de Reservoir Dogs o Pulp Fiction, pero que sirve perfectamente para conducir la acción. Con respecto a lo visual, el constante juego de contrastes, el uso pop de la imagen, el color saturado, el maravilloso vestuario, y sobre todo y por encima de todo la parodia de los clichés tópicos, como el traje de cuero de Uma, parodiando el clásico setentero de Bruce Lee, el maestro anciano de artes marciales con sus geniales cejas, o la parodia conceptual de utilizar a David Carradine (más conocido por la serie de televisión Kung Fu y sus pequeños saltamontes) como el maestro de artes marciales que pierde los nervios a la mínima.
En el terreno de los actores, como siempre su selección es magistral, aunque esta vez se deja de probaturas y crea un papel a la medida de su musa, que lógicamente borda como solo ella habría sido capaz de hacer. Sin embargo, el elenco de personajes secundarios y de cameos es constante y fantástico, con un nivel realmente espectacular.

Pero no todo es elogiable en Kill Bill. La primera crítica directa es a la construcción de la película. Cortar una película a la mitad es sinónimo de recaudar el doble de dinero por el mismo esfuerzo. Y eso se recrudece cuando vemos que el ritmo de la película es bastante lento, y en ocasiones pastoso. Además, los dos volúmenes que lo componen están totalmente descompensados, y el primero es mucho más intenso, entretenido y divertido que el segundo, si bien es en el segundo donde nos encontramos la que sin duda es una de las mejores escenas de la película, la del entierro, en el que se consigue una tensión y una sensación de agobio tremendas. La segunda crítica es una derivada clara de la primera. Si no eres un fan de Tarantino, o al menos del cine de serie B o de las artes marciales, el ritmo pastoso de la película te puede echar mucho para atrás, y parecerte muy aburrida. Igualmente, al ser una parodia del cine de serie B, si no sabes entender las muchas referencias al cine oriental, es posible que no le encuentres gran parte del aliciente que tiene. Y a todo eso hay que añadir que su montaje es un tanto simplón si lo comparamos con los contínuos giros en el tiempo a los que nos tiene acostumbrados el director.

Sin duda no es la mejor película de Tarantino, pero sí es una vuelta a la palestra de uno de los maestros de nuestro tiempo. Esperemos que sepa aprender de sus errores y nos vuelva a traer más piezas geniales. Pero ojo, sin desmerecer ni por un momento a Kill Bill, que para mí es una verdadera joyita absolutamente recomendable, si bien, como pieza de autor que es, no está pensada para gustar a todo el mundo. A quien le tiene que gustar, le va a enamorar, y al resto, pues seamos sinceros, no es algo que a Tarantino le vaya a quitar mucho el sueño :D

Espero que con todo eso os animéis a verla, o a revisitarla, y me contéis lo que os parece a vosotros, yo puedo decir que a mí, personalmente, me ha encantado.

Con la próxima peli no voy a ser demasiado condescendiente, así que os animo a descubrir el por qué. Un abrazo a todos, aquí os espero!:D

Uno de los objetos más bellos jamás creados

2009-03-16T17:48:00.004+01:00

Aún recuerdo la cara de mi profesor Javier San Martín (una verdadera eminencia, reconozco que para mí fue un verdadero honor asistir a sus clases) cuando un día, antes de empezar la clase magistral (no recuerdo exactamente sobre qué, pero me suena que tal vez fuese sobre Beuys), nos leyó un apunte sobre el objeto más redondo que jamás había sido creado, y aun recuerdo cómo tuvimos un pequeño debate sobre el tema. Así que cuando he leido el post que Microsiervos le dedica, no he podido evitar recordarlo con cierto cariño. No se lo que pensaréis vosotros, pero cuando yo pienso en los niveles de precisión atómicos que se han alcanzado en la construcción de este objeto, en que algo tan insignificante alcance semejante nivel de perfección, reconozco que algo dentro de mí se mueve, como si estuviese delante de un precipicio. ¡Supongo que será una versión pequeñita del Síndrome de Stendhal!
Espero que os guste, ¡un abrazo muy fuerte!

faustoArt Cinema: Tropa de Élite (2007)

2009-03-16T13:02:00.010+01:00

Tropa de Élite (2007, José Padilha)

"Tropa de Élite" es una película que, honestamente, no me esperaba. La he visto casi por casualidad, y por el nombre y el cartel, daba por hecho que iba a ser la típica película de acción, sin más, así que la puse después de cenar como entretenimiento ligero para hacer la digestión. Lo primero que choca es la cantidad de patrocinadores que han participado en la película. Casi cinco minutos en los que solo aparecen en pantalla patrocinadores y más patrocinadores (los podéis ver en la parte baja del cartel) seguidos del título de la película en rojo, sobre fondo negro. Por mi experiencia viendo cine, y por lo que estaba viendo en pantalla, ya me estaba temiendo lo peor.

Me gusta mucho ver cine sin tener un conocimiento previo de lo que voy a ver, porque es la mejor forma de evitar todo tipo de preconcepciones. Es una forma limpia de enfrentarse a una obra, y es la propia película la que te aporta toda la información, sin condiconantes externos. Y en este caso fue todo un acierto. O tal vez no, porque si previamente hubiera leido alguna crítica, probablemente habría enfocado el visionado de una forma muy diferente.

Y con tanta introducción, ¡de qué va la película? Se trata de una película brasileña que se desarrolla en el mundo de las fabelas, un entorno recurrente y fascinante. Cuando se trata el mundo de las fabelas se suele trabajar desde tres o cuatro puntos de vista, nada más. El punto de vista más habitual es el de los habitantes “neutros”, de las fabelas. El segundo punto de vista, es el de los narcos. El tercer punto de vista, el de los observadores externos, como los periodistas. Y el cuarto punto de vista, que es el que nos ocupa, el de la policía, y más concretamente, la del BOPE, el cuerpo de élite de intervención de la policía de Río de Janeiro, algo así como nuestros GEOS.

Y aquí es donde está la mayor diferencia, dado que es un enfoque muy poco habitual en película de este tipo. Un enfoque que ha abierto numerosos debates, dado que la policía es un tema de conversación diario en Brasil. Corrupción, más corrupción, aun más corrupción... Tratos con los narcos, con los proxenetas, impuestos de protección, cualquier cosa es válida para los policías corruptos con tal de sacar dinero de donde sea. Y ahí es donde aparecen las tropas de los BOPE.

Los BOPE aparecen como una unidad idealizada, que recibe entrenamiento casi militar y que tienen potestad para actuar como quieran dentro de las fabelas, con la máxima dureza, capacidad de torturar como método de interrogatorio, etc. Y aquí es donde surge el verdadero interés de la película. Su director, de amplia experiencia como documentalista, y a diferencia del enfoque americano habitual, nos plantea con pequeñas indirectas la moralidad de todo esto. Nos anima a participar del debate, y nos obliga a posicionarnos, con imágenes y situaciones muy duras. Lo que normalmente calificaríamos de horrible, debe ser cuestionado dada la dificultad de la situación. La población intenta sobrevivir entre dos espadas, la de la delincuencia por un lado, y la del poder corrupto por otro. Los diferentes estamentos de la población viven realidades opuestas dependiendo de su posición social, pero nadie se libra. Quienes viven en las fabelas encuentran más protección en el mundo de las narcofabelas que en los órganos de poder. La sensación de confusión al final es total, y la necesidad de investigar un poco más para entender de qué va todo esto, se hace muy urgente. Es ahí donde realmente está el logro del director, que con leves pinceladas ocultas debajo de una supuesta película de acción, nos plantea un drama humano y social cada vez más preocupante, y muy real. Todos hemos oido historias de boca de amigos nuestros (un abrazo para Isaac por cierto). Una situación que además tiene su reflejo en otros lugares del mundo, como por ejemplo en México, donde los narcos se están convirtiendo en legión. El título de la película se podría leer tanto como “Tropa de Élite”, como “¿Tropa de Élite?.

Llama poderosamente la atención los duros contrastes que aparecen a lo largo de toda la película, con sutiles momentos de humor, y una fotografía muy especial. Todo en la película puede parecer alegre a primera vista, con colores vistosos y una música brasileña muy alegre que invita a bailar, pero pronto se puede uno dar cuenta de que todo el color utiliza contrastes muy acentuados de tonos ácidos, lo que crea una sensación de irrealidad que resulta ligeramente enfermiza, y la samba y la alegría entran en clara oposición con la música tensa que acompaña la acción en todo momento. Los personajes (con algunos de los actores brasileños más importantes del panorama actual) están bien caracterizados, y se intenta profundizar en sus caracteres y en sus historias. El ritmo de la película es trepidante, y en ningún momento se nos hace pesada. El tempo es fantástico, y a través de flashbacks y giros en la trama, mantiene nuestra atención de forma constante. Las escenas de acción, sin ser magistrales ni mucho menos, sí están bien rodadas, y sabe suplir muy bien sus carencias con estilo y con escuela.

El resumen como podéis ver es que es una película que invita al espectador a dar un paso para profundizar en la película, y no quedarse solo en la superficie. Una superficie, no obstante, bien planteada, trepidante, y que si bien no llega a los grandes del género ni por asomo (tampoco lo pretende), si se presenta como un buen ejercicio dentro del género de la acción. Lo mejor, con mucha diferencia, la forma sutil en la que nos hace participar de un debate que en Brasil es un problema nacional de gran envergadura, todo ello presentado de una forma muy personal, con un gran tratamiento artístico y musical. Mi última recomendación, si podéis verla en versión original, hacedlo, pues los doblajes, si bien correctos, suenan poco naturales. Una película recomendable, así que si tenéis la oportunidad de verla, ya me contaréis. En lo que a mí respecta, buscaré otras películas relacionadas con el tema, dado que me ha parecido muy intereante.

faustoArt Cinema: Heat (1995)

2009-03-15T19:51:00.007+01:00

Heat (1995, Michael Mann)

“Heat” es la película perfecta para empezar esta sección de críticas. Tenía pensado empezarla con otra bastante menos importante, que otro día caerá por estos lares, pero hoy por la tarde he tenido la ocasión de redescubrir esta verdadera joya del cine contemporáneo, y creo que es mucho más adecuada.

“Heat” es una de las películas más importantes de la década de los 90, y una de las más influyentes. Ya antes de nacer se veía que iba a ser una película importante, con el enorme morbo que se generó al juntar a dos de los más grandes e importantes actores de Hollywood, Al Pacino y Robert de Niro. Y la cosa se podía haber quedado en eso, en un simple espectáculo morboso de cruce de titanes, como tantos otros que ha habido. Y ojo, porque no hubiera sido poco. Pero solo con eso no se hace una gran película, ni mucho menos. Y de la mano de Michael Mann, el director, se perfiló una película que podría ser resumida, como simple y llanamente perfecta.

“Heat” es una película tan clásica como innovadora. Se trata de una película de “polis y ladrones”, como tantas otras. Pero es la forma de enfocarla la que la hace grande. De hecho, se puede afirmar que redefinió el género tanto en contenido como en forma. Son varios los elementos que hacen de esta cinta algo tan especial.

Lo más importante, no cabe duda, es la elección de su elenco de actores, empezando por Pacino y de Niro, pero siguiendo por actores del calibre de Natalie Portman, Tom Sizemore o Val Kilmer. Sobre todo su pareja de actores principales en su máxime apogeo, tanto que después de esta, parece que ninguno de los dos haya logrado levantar cabeza de nuevo (hace poco han protagonizado juntos de nuevo otra película, Asesinato Justo, bastante prescindible).

El segundo factor que hace grande la película, es su planteamiento. Como Gladiator, o como Salvar al Soldado Ryan, lo que caracteriza “Heat”es la forma en la que redefine un género. El enfoque es muy cercano al mundo de los noticiarios, crudo, serio, sin margen para loas bromas ni para las florituras. Todo lo que aparece es perfectísimamente plausible, y es esa sensación tan tangible, tan seria, la que hace genial a “Heat”. Qué lejos quedan las cintas sobresaturadas de gente como Bruckheimer o Silver. La fotografía es además un verdadero homenaje, siendo un auténtico referente y una perfecta muestra del arte de Mann, con sus fantásticos paisajes nocturnos que tanto explotaría con “Collateral”. El acompañamiento sonoro es crudo, seco, casi apetece esconderse, porque las armas suenan como armas, el silencio interrumpido por un enfoque austero del audio, acompañado por una banda sonora que sirve para mantener la tensión pero que huye de sentimentalismos (la firma Elliott Goldenthal, que pocos años después ganaría el Oscar por Frida). A destacar sin la menor duda la escena del atraco, un auténtico referente del cine actual, que inspirara tantas películas, desde Plan Oculto, hasta El Caballero Oscuro, en la que la escena del atraco al banco es un auténtico homenaje a Heat.

Otro aspecto destacable en “Heat” es su acabado. El uso del lenguaje de la imagen, el montaje, con un ritmo absolutamente perfecto, el desarrollo de los caracteres, con leves pinceladas que les dan una profundidad nunca antes vista en una cinta de estas características. La psicología de los personajes es compleja, con giros y contragiros que hacen ver lo complejos que son. En general todos los detalles que están minuciosamente cuidados. Es prácticamente imposible encontrar un error en una película que, como el vino, mejora con el tiempo.

Como conclusión, diré que bajo mi punto de vista es imprescindible para cualquier amante del cine en general, y de los aficionados al cine negro en especial. Se trata de una película que deja mal prácticamente cualquier película de cine negro que se haya hecho antes, y que puso el listón tan alto, que me atrevo a decir que ninguna película del mismo género ha alcanzado aún.

faustoArt Cinema

2009-03-15T11:52:00.006+01:00

En faustoArt nace una nueva sección, la de la crítica de cine. Cuando veáis que en un post pone "faustoArt Cinema" seguido del título de una película, habéis de saber que se trata de la crítica de una película. ¿Por qué tomarme esa molestia cuando existen tantas páginas web de críticas de películas? Pues muy sencillo, porque me gusta mucho el cine. Al final resulta que es mi afición favorita, con mucha diferencia, y me parece una forma fantástica tanto de desarrollar mi afición, como de compartirla con los demás, dando además una visión que, pretendiendo ser tan objetiva como sea posible, no caiga en los tópicos habituales de las críticas de cine. Digamos, aunque suene contradictorio, que es una visión subjetiva del mundo del cine, pero partiendo de la base de elaborar una crítica objetiva.

¿Y esto cómo puede funcionar? Pues muy sencillo, elaborando una metodología para las críticas en la que me voy a centrar en los aspectos que son importantes para mí, desde la experiencia que tengo con el análisis de obras de arte. Será una visión de la obra como conjunto, y pretendiendo tener por encima de todo en cuenta el contexto en el que debe ser entendida, y por ende el público objetivo para el que fue creada. Por esta razón no utilizaré notas, ni puntuaciones, ya que bajo mi punto de vista solo sirven para dar una imagen confusa. Tampoco es mi intención hacer análisis técnicos que vayan más allá del contenido de una cinta, de forma que el "continente" será convenientemente obviado. Por último, decir que mi criterio de selección de películas se basa en lo que veo, así que os encontraréis con una cierta aleatoriedad de contenidos, pero bueno, es lo que hay. ¡Se admiten sugerencias, por cierto!

Además de todo esto, voy a incluir una serie de links a las páginas que yo conozco que me resultan más interesantes a la hora de buscar información sobre películas y cine:

Google (si buscáis "crítica de cine" o "film review" podéis encontrar de todo)
Muchocine (críticas independientes de cine en cartelera)
Metacritic (Para los que gusten de notas numéricas, es la mejor)

IMDB (La mejor base de datos sobre información de cine)

La Butaca (Críticas de Cine)

Criticalia (Críticas de Cine)

FilmAffinity (Internet 2.0 llevado a la crítica de cine, esta me la presentó mi amigo Cesar, un abrazo tio)

Sin más preámbulos, me pongo con la primera crítica, espero que os guste esta nueva iniciativa, ¡un abrazo a todos!

Bacon en el Prado

2009-03-08T10:59:00.007+01:00

La primera vez que oí que iban a hacer una monográfica monumental de Francis Bacon en el Museo del Prado no daba crédito a mis oidos. Hay que reconocer que quienes seguimos aunque sea de pasada este mundillo de los grandes museos y sus politiqueos, no dejamos de sorprendernos por lo curioso de su beligerancia. Los altos cargos de los museos anteponen sus enormes egos y hacen propuestas arriesgadas con el ánimo de destacar, muchas veces a costa de los gustos del público, y otras veces a costa del buen nombre de la entidad a la que representan. El caso más escandaloso sin duda ha sido el del Reina Sofía, que con los contínuos cambios en su dirección llenó muchas páginas de las revistas del mundillo (discúlpenme por no utilizar palabras mucho más altisonantes, pero sigo sin compartir el halo de esoterismo complaciente que tanto daño ha hecho al mundo del arte) y en el caso de la presente exposición mucho me temía que sería otro alarde de ego de un comisario al que se le habría ido la pinza. ¿Un artista contemporáneo en el Museo del Prado? ¡Sacrilegio! Al menos el artista ya estaba muerto, porque digo yo que no llegarán a atreverse a exponer la obra de un artista vivo en la que es una de las pinacotecas más importantes del mundo, dentro de su especialidad, que es el arte clásico, y especialmente los periodos comprendidos entre el renacimiento y el romanticismo, con especial énfasis en el barroco. ¿A qué viene una exposición como ésta, cuando en Madrid existen otros grandes museos, también imprescindibles en el panorama internacional, que hubieran sido un marco mucho más adecuado?

Pero siempre se debe dar un voto de confianza, y por esa razón antes de emitir un juicio, hay que ir a ver la exposición, ver con qué nos encontramos, y entonces, con los datos encima de la mesa, ya podremos posicionarnos.

Pero empecemos por el principio. Bacon es uno de los artistas más importantes e influyentes de todo el siglo XX. No merece la pena profundizar más de la cuenta aquí, pues ya existe numerosa bibliografía sobre él, empezando por la que podemos encontrar en Wikipedia. Tuvo una infancia muy dura, con un asma crónico que le impidió ir a la escuela. De familia ultraconservadora, su padre le echó de casa a los 16 años por manifestar sus tendencias homosexuales. En Francia conoció la pintura de Picasso y de Poussin. Hasta 1944 no alcanzó la fama con su pintura. Fue "3 figuras debajo de una crucifixión" (es la imagen que encabeza este artículo) la que le encumbra. A partir de ahí, desarrolló un estilo pictórico muy personal, bastante inclasificable, aunque podríamos hablar de una figuración expresionista. Personalmente, me gusta más hablar de un surrealismo expresionista. Su pintura se caracteriza por la representación de la figura humana, deformada y modulada según la intención del artista, que trabajaba de forma obsesiva sobre la muerte en vida, sobre las máscaras, sobre lo que somos y lo que que parece que somos. Un contínuo juego de planos, de subplanos, de máscaras y de miedos internos en unas pinturas que parecen escapar al control del artista.

Las influencias más importantes de Bacon son al principio Munch y Van Gogh, por la pincelada y el uso del color, pero pronto evoluciona hacia un estilo más personal y absolutamente único.

Y es aquí donde encontramos la verdadera razón por la cual el Prado acoge una muestra como esta. Los autores que más han influido en la obra de Bacon son Goya, y Velázquez. Goya, por sus pinturas oscuras, sus máscaras, sus pesadillas, su enfermiza visión de la realidad, pero también por su técnica, soberbia. En numerosos cuadros observamos cómo Bacon pinta sobre lienzos imprimados en naranja, como hiciera el maestro maño. Y en Velázquez, por el uso de los espejos, que de forma genial introducen al espectador en el cuadro, sin saber si lo que ve es un retrato de otro o de uno mismo. Por el uso del espacio. Por la concepción barroca de la pintura narrativa. No es casual que durante su vida Bacon visitara innumerables ocasiones el museo del Prado, incluso en visitas privadas, para ver a sus maestros.

Sin embargo no todo en la pintura de Bacon son influencias externas. Sus miedos y sus intereses se manifiestan en su pintura, sin olvidar que tuvo una vida amorosa compleja y dura. A diferencia de Warhol, Bacon no era precisamente un autor excéntrico y dado a los escándalos, antes todo lo contrario. Sobrio en el vestir y de costumbres austeras, tuvo varios romances, algunos más difíciles (su primera pareja, Gerge Dyer, terminó suicidándose con barbitúricos) y otras más estables. Tanto la sexualidad como estas complejas relaciones influyeron en la oscura obra del autor.

¿Y de la exposición en sí? Pues que es soberbia. Se trata de una exposición itinerante que ya ha pasado por la Tate de Londres y el Metropolitano de New York, y que presenta unas 60 obras, todas ellas de primerísimo nivel, y que son una muestra impactante de la obra del autor. Sin duda una de esas exposiciones monográficas que merece la pena ver una y otra vez, y que hacen que, en el futuro, cuando vayas a un museo y veas una obra de Bacon, puedas decir, "esta ya la vi en aquella exposción magistral en el Prado".

Por todas estas razones, creo que ha sido un gran acierto realizar la muestra, que el museo del Prado es un marco inmejorable para realzar las cualidades de la obra de Bacon, y que, de no haber estado ubicada allí, resultaría mucho más complejo ver las referencias y las similitudes entre la obra de Bacon y la de los clásicos españoles. Las obras de Bacon, de Goya y de Velázquez ganan fuerza, se reinterpretan y se reinventan, como si entre los tres, de tres épocas tan distantes, creasen una trinidad, unida por los planos y por los pinceles, por las dificultades de cada uno, pero sobre todo por lo genial de todos ellos.

A continuación dejo unos enlaces donde se pueden leer algunos artículos y obtener información sobre la muestra. Si tenéis ocasión de ir a verla, me contáis. ¡Un abrazo muy fuerte a todos y a todas!

"Bacon distorsiona el Prado" (El Pais)

Museo Nacional del Prado

"Bacon en el Prado" (Fotogalería de Público.es)

"Francis Bacon en el Museo del Prado a partir de febrero de 2009 (revistadearte.es)

10.000

2009-03-01T14:23:00.002+01:00

Y seguimos con la semana de la alegría, porque hemos conseguido ¡¡¡10.000 visitas!!! Me encantaría daros las gracias a todos por semejante seguimiento, así que, ¡Muchas gracias! Y os animo a que sigáis viniendo por estos lares virtuales porque prometo reanimar el blog con nuevos contenidos y muchos más posts, sobre todo ahora que por fin la normalidad ha vuelto a mi vida. ¡Un abrazo a todos y a todas, y una vez más, muchas gracias!

¡¡¡FICHADO!!!

2009-02-28T13:39:00.002+01:00

El Viernes se han terminado por fin las duras negociaciones y el diseñador asturiano Fausto J. ha firmado por fin con Tangram Interactive, la nueva empresa de diseño y comunicación que nace en el vacío que dejara Iceberg Arte tras caer víctima de la crisis económica. El acuerdo por ambas partes es total. "Ahora toca luchar por los nuevos proyectos a muerte", ha declarado el joven diseñador que ha dicho estar dispuesto a "luchar por el puesto y sacar todos los proyectos que salgan, porque es un momento de mirar para adelante y aprovechar las oportunidades que tenemos". El joven diseñador también ha querido "dar gracias a todas las personas que me han apoyado y que han apostado por mí, por la paciencia que han tenido conmigo todo este tiempo". Ahora el equipo ya ha comenzado a preparar su primer proyecto... (...)

Arco 09

2009-02-16T12:26:00.002+01:00

Hoy es el último día de Arco 09. Debido a los muchos cambios que suceden a mi alrededor a nivel laboral, etc, este año he decidido que no me apetecía ir, y eso teniendo entradas, gentileza de uno de nuestros clientes. Pero todo no se puede tener, y el exceso de estímulos al final te acaban dejando agotado, así que este año he preferido el relax de quedarme en casa y pasar un poco del tema.

Sin embargo eso no quita de que en este blog se trabaje sobre el tema, y por esta razón voy a intentar hacer una recopilación de algunos de los momentos más memorables y de las críticas más interesantes.
Si alguno ha tenido la ocasión de ir, agradecería que me mandáseis alguna foto de alguna obra que hayáis podido hacer. ¡Muchas gracias por anticipado!
Sin más preámbulos os dejo con un pequeño acercamiento que se puede leer en Quesabesde.com, sobre el apartado fotográfico de la feria.

No hay 2 Iguales

2009-01-31T11:44:00.008+01:00

Hoy quería aprovechar para llamaros la atención sobre el blog de mi amig a Lili, que desborda artes por todas partes, y sin haberlo deseado bla bla bla. Empezó haciendo un poco de todo, yo la conocí porque era amiga de mi tía, y me quedé encandilado con sus fotos, que podéis ver en Flickr. Un día empezó a hacer unas cosas con felpa (aún recuerdo cuando me llamó para preguntarme si en Madrid había tiendas de felpa :D) y ahora hace unos broches realmente bonitos, que vende a través de su página web. Si queréis hacer un regalo bonito y especial, ya sabéis lo que tenéis que hacer. ¡A mí desde luego me encantan! Por otra parte, de un tiempo a esta parte ha comenzado a elaborar un packaging, con lo que si os gusta tenéis el regalo terminado en sí mismo. Un beso desde aquí para tí Lili, y sigue currando, que lo que haces tiene un potencial tremendo!

Hasta arriba, pero aquí sigo

2009-01-24T10:54:00.002+01:00

Solo quería saludaros a todos y deciros que por aquí seguimos, con ganas de arte, de diseño, de frikadas y de lo que surja, solo que está siendo un mes de lo más completito y ¡no me da la vida! Estoy esperando fotos, muchos me habéis prometido foto pero no me la habéis mandado, ¡solo dos personas han cumplido! Y no os preocupéis que prometo volver a tope desde ya mismo, que ahora por fin veo algo de luz al final del tunel. ¡Un abrazo muy fuerte a todos y a todas!

¡Feliz Año Nuevo! (Y vámonos a hacer fotos)

2009-01-01T15:11:00.003+01:00

Pues lo dicho, feliz año a todos y a todas, y como el año pasado os propongo que volvamos a jugar a "la primera foto del año". Es una forma bonita de ver cómo empieza este 2009, que va a ser un año bastante peculiar, probablemnte lleno de cambios y de momentos duros y momentos dulces. Así que os propongo que me mandéis una foto. El tema es libre, lo único que me gustaría es que fuese la primera foto que hagáis este año y que penséis que merece la pena. Ya se que es un criterio muy ambiguo, pero ¡así es como se juega! Así que aquí espero pacientemente. El año pasado hubo algunas fotos fantásticas (aun recuerdo la foto de la abuela de Datxu) y estoy deseando ver qué me mandáis este año. Más o menos cuando llegue Febrero las publicaremos. Pues lo dicho, ¡feliz año nuevo a todos y a todas y animaos, que las vamos a subir todas! ¡Un abrazo!

faustoArt os desea Feliz Navidad

2008-12-22T17:34:00.003+01:00

Rembrandt en el Prado

2008-12-14T11:46:00.004+01:00

En el Museo Nacional del Prado se exhibe, hasta el día 6 de Enero, una exposición soberbia sobre uno de los pintores más importantes e influyentes de toda la historia, Rembrandt.

Con el nombre de "Pintor de Historias", la exposición hace un breve pero muy intenso recorrido por la obra del autor. Yo destacaría varias lecturas de la exposición.

La primera como he dicho el recorrido por la trayectoria, en la que se puede observar la evolución pictórica.

La segunda, la gran selección de piezas, en las que se puede observar algunas de las claves del estilo de Rembrandt, empezando por el tenebrismo, el cuidado exquisito en el tratamiento de las texturas y los detalles, y sobre todo la magistral iluminación que tanto influiría siglos después en la fotografía.

El tercer factor que alabaría de la muestra, es la exquisita selección de obras, que tratan desde los temas históricos, los retratos, los proyectos propios, y las ilustraciones, siendo pues un buen recorrido por la variedad estilística del autor.

El cuarto factor, que la muestra tiene un componente didáctico al contraponer la obra de Rembrandt con algunos de sus más importantes coetáneos, como Velázquez, Rubens, Ribera y Caravaggio.

Como quinto y último factor, destacaría la dificultad enorme que tiene conseguir que algunos de los mejores y más prestigiosos museos del mundo, como el Louvre, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery, etc, cedan sus piezas para hacer una exposición como esta. Es muy importante observar que en España apenas hay obras de Rembrandt, dado que la época del autor es la de la contrarreforma, en la que España pierde Flandes.

Por todo esto, es fácil leer que se trata de una exposición que yo calificaría de imprescindible absolutamente para todos los amantes de la pintura, es una de las mejores exposiciones que yo he podido ver, dada la dificultad que entrañaba realizarla. Espero que esto os sirva de incentivo para acercaros al absolutamente atestado Museo del Prado (no todo iba a ser tan sencillo verdad?). ¡Un abrazo muy fuerte a todos, y como por estos lares somos tan políticamente correctos, a todas!

La Dolorosa y la iconografía de la Iglesia

2008-11-30T11:25:00.007+01:00

El otro día Morán nos mandaba un mail a Buda y a mí en el que nos planteaba una reflexión, y previa consulta le pedí que me dejara ponerla en el blog, dado que me parece un tema fascinante oiga. Así que sin más preámbulos os la presento para que, si lo estimáis conveniente, opinéis sobre el tema:

"Esta mañana vi una mención a un convento llamado "Esclavas de la Virgen Dolorosa". Y, ¡ojo! "dolorosa" que no "sufrida" o "doliente". Dice el diccionario de la RAE en su primera acepción para "doloroso": " Que CAUSA o implica dolor físico o moral". A mí, la verdad, es que para ser un orfanato la imagen me resulta muy violenta.

Y es que, apartando a un lado las reflexiones metafísicas sobre la existencia real de algún tipo de ser divino, desde el punto de vista estrictamente moral, es curioso plantearse qué modelo de sociedad implica una religión cuyo principal símbolo religioso es un hombre clavado en una cruz, y cuyas principales representaciones son de muerte y sacrificio.

Porque, también reflexionaba hace tiempo sobre la influencia que la iconografía tiene sobre una cultura: ultimamente, como ya sabéis de sobra, porque soy un pesado con el tema :D centro mis lecturas en la cultura clásica, y me resulta muy interesante la forma en la que ya gente como Octavio Augusto modificó la iconografía religiosa y política con el fin de modificar culturalmente la sociedad hacia una determinada dirección. Así, una vez sofocada la guerra civil, muerto Marco Antonio, Octavio mandó fundir todas las estatuas que le representaban en actos de guerra o victoria y donó la plata obtenida a los templos, y mandó construir imágenes y estatuas del emperador pacífico, legislador, constructor, fiel de los dioses, etc. todo ello con el fin de promover un cambio de la cultura de la sociedad hacia una más estable.

Desde este punto de vista, ¿qué tipo de sociedad sugiere una iconografía como la cristiana? Evidentemente, no conozco toda la iconografía cristiana, y menos aun la iconografía popular actual, ya que lo que más salta a la vista siempre son las imágenes de las catedrales con muchos siglos de antigüedad, y creo que la mayor parte de la iconografía morbosa datará del barroco en adelante (que extremo más interesante para que lo comente el artista), pero creo que muchas partes del cristianismo se han quedado con esa carga (o fama) de "cultura de la muerte".Creo que de este tema de la influencia iconográfica en la sociedad ya hablé con Fausto, pero es que me parece fascinante, y creo que os puede interesar. ¿Qué opinión tenéis del tema? ¿Os deja indiferentes? Un saludo, Morán"

A mí sí me parece un tema interesante, si bien a la vez resulta muy clásico y es un tema de estudio habitual en facultades de arte y de historia. Así que de momento aquí lo dejo planteado, y me dedicaré a contestar con calma, ala, al lío!

Sembrando Polémica: ¿Quien debe decidir cómo debe ser una dirección de correo electrónico?

2008-11-18T16:34:00.005+01:00

Hoy haciendo tarjetas de visita me ha surgido una duda. Bueno, primero un paréntesis, para decir que como diseñador gráfico y arte finalista una de mis labores es la de hacer tarjetas de visita, respetando las diferentes normas corporativas, y bla bla bla. Con lo que pasan por mis manos ingentes cantidades de tarjetas de visita.

Y uno de esos motivos que comentas con los compañeros de profesión y por los que los pobres y sufridos diseñadores nos llevamos las manos a la cabeza es el de las direcciones de correo electrónico.

Una dirección de correo electrónico consta siempre (que los ingenieros me corrijan si me equivoco) de dos partes separadas entre sí por una "@", siendo la segunda el nombre del dominio al que hace referencia la cuenta de correo, y la primera un nombre que puede variar al gusto del suscriptor de la cuenta.

Y el motivo de tirarse de los pelos surge siempre ante la increible capacidad que tienen los encargados de asignar esas cuentas de correo, para hacer que sean realmente difíciles de recordar. Porque díganme ustedes cómo puede alguien asociar "aperez6@bilsh.com" con el imaginario "Antonio Pérez Contreras", director de la imaginaria "Byron Investigación y Logística Siderúrgica Holding". Si la tarjeta hubiese puesto "antonioperez@byronilsh.com" tal vez alguien la consiguiese recordar. Y si pusiese "antonio.perez@byron.com", ya ni te cuento.

Del nombre del dominio no voy a hablar, pues depende en gran medida de la disponibilidad de los mismos, aunque yo me he llegado a encontrar ejemplos dantescos, pero bueno, vamos a suponer que la mayoría de empresas (es decir, un porcentaje mayor del 50% según nuestra experiencia) utilizan nombres de dominio lógicos. Por ejemplo, el museo de la minería, el Mumi, utiliza direcciones de correo *@mumi.es. Si el Mumi tuviese como dominio *minmus.com o alguna burrada así, lo consideraríamos poco lógico.

Vamos a concentrarnos en el nombre que precede a la arroba.

Estadísticamente hablando, la mayor parte de las tarjetas utilizan la primera letra del nombre del usuario, seguido de su apellido. De esta forma "Antonio Perez", pasa a "aperez". Pero como en Byron también trabajan Alejandro Pérez, Augusta Pérez y Ana Pérez, al pobre Antonio le tienen que añadir a su cutre dirección "aperez", un "4". Y queda "aperez4". Todo un director de una empresa, con la dirección de correo más cutre que existe. Pero peor lo tiene María del Carmen González de Valdeiglesias (también figurada), que se queda con su triste "mgonzalez15". En esta forma también se suele utilizar la forma "letra inicial" + "." + "primer apellido". Si Antonio hubiese trabajado en una empresa de esta índole, su dirección sería "a.perez4". Entre la fórmula anterior y esta, se da cobijo a más de la mitad de las direcciones de correo con las que trabajo a diario.

Luego alguien ve la luz, y se da cuenta de que en España hay muchos apellidos que se repiten, y dice, oiga, aunque haya que respetar los juegos de caracteres...

Stop! ¿Juegos de caracteres? ¿Y eso qué quiere decir?

Pues para los que no lo sepan, significa que en internet no se utiliza el mismo juego de caracteres que el del español, o el del francés, sino uno en el que muchos caracteres no sirven, o no se utilizan, por cuestiones tecnológicas, que no merece la pena criticar por lo innecesario de la cuestión, pero que nos impiden, por ejemplo, utilizar la ñ, o utilizar mayúsculas y minúsculas en las direcciones. Vamos, que la pobre Neus Núñez, esposa de Antonio, tiene como correo nnunez, que al menos es gracioso, pero poco serio, la verdad. Y como esas mismas limitaciones tecnológicas nos impiden utilizar direcciones demasiado largas, la pobre Absumpta Niehberglumbergrinden, que no tiene la culpa de ser alemana, se queda en anieh. Eso sí, es la number one, porque nadie más se llama así, que algo es algo.

Como decía, alguien vio la luz, y se dio cuenta de que ese sistema en España como que no, que mejor el nombre completo, y el apellido, y aparecieron direcciones como antonio.perez, o neus.nunez. Con, o sin punto, para gustos.

Y aquí mi diatriba. Como estoy todo el día tirándome de los pelos con mis amigos informáticos, y como he dicho antes, no voy a entrar en guerra con la parte tecnológica, ya que es un debate diferente, sí querría lanzar la siguiente cuestión:

Bajo mi punto de vista, la forma de la dirección de correo electrónico de una persona, entraría de lleno dentro de la comunicación de una empresa, al ser una dirección en la que entras en contacto con una persona directamente, y la comunicación de una empresa es algo que se desarrolla entre los ámbitos del marketing y del diseño gráfico. Por lo tanto serían estos los que deberían determinar la forma de dichos correos, basándos en que los aspectos comunicativos primasen, de forma que una dirección de correo fuese fácil de recordar (por ejemplo la mía, fausto@faustoart.com, que bien podría haber sido fgonzalez52@faustoart.com).

Sin embargo en el MundoReal TM son los Directores de Sistemas los que asumen ese rol, y lo hacen basándose en crípticas razones que solo ellos entienden, algunas de ámbito tecnológico, como hemos dicho antes, y otras vaya usted a saber. Los directores de sistemas suelen ser ingenieros, o aspirantes a, que suelen estar realmente lejos de las necesidades comunicativas en general, y dada su nula creatividad, si nadie les para optan por opciones realmente bizarras. Y si con suerte algún directivo le detiene a tiempo, entonces es el vago y excéntrico criterio de éste el que perdura, dejando asombrados a todos por lo insólito de su solución (Antonio Pérez pasaría a ser "pereza4", o algo así).

Aun oso más. Yo creo que cualquier persona de letras en genérico, está más capacitada para tomar ese tipo de decisiones que cualquier persona de ciencias en genérico. Y ya se que es una afirmación muy osada, pero a la vez es genial por lo tendencioso. Así que ahí queda arrojado el guante para quien lo quiera recoger.

Tal vez iolo_g3? :D
¿Que por qué lo digo? Por nada... XDDDD

Sin más me despido, que me esperan ggarcia16, fextremena, y aaeh, ¡ya me contaréis vuestra opinión!

La primera vez que Morán pintó...

2008-11-15T15:32:00.003+01:00

...un cuadro.

Ayer nos pasamos por la tienda de pinturas, y Morán cogió todo tipo de artilugios de pintura, lienzo, pinceles, una tabletita muy mona... Y luego se vino a mi casa donde le estuve dando una especie de "primeros pasos". Al final quedó muy contento y parece que le va a seguir dando al tema, así que desde aquí esperamos nuevas y fascinantes obras suyas. Un abrazo, y bienvenido al mundillo. Estás perdido chaval, jajajajaja (risa del señor del mal, por si alguien lo dudaba)

El Último Mono

2008-11-13T17:48:00.002+01:00

Aun no se cómo pude no entrar en una tienda con la que, no se por qué, siento tantísima afinidad. Yo creo que dentro me sentiría como en casa. Se trata de una tienda de juguetes que está en Oviedo (Vetusta para algunos densos lectores que si no puede que no la conozcan). Y claro, ¿cómo no le voy a hacer una foto? Como tengo la excusa de que es un diseño... Claro, ¡es un logotipo! Así que ala, pal bote, a subirlo al blog y a explicar que se trata de un cartel, y a alabar la sutil gracia del diseñata de turno. Aquí siempre me surge la duda. Es llamativo, pero, ¿es buena idea? Me imagino que para una tienda pequeña poca diferencia habrá entre ponerle un nombre o ponerle otro. Y el comerciante diría "oiga, pues al menos que llame la atención por simpático". Una postura peculiar, sobre todo cuando el pobre entre en su propia tienda y el cartel le recuerde qué posición ocupa en la insigne sociedad ovetense. Pero si con ello nos regala semejante homenaje al buen gusto, ¡entonces bienvenido sea! Como siempre espero que os guste, ¡a mí desde luego me vuelve loco!

Puertas: 6

2008-11-13T16:59:00.003+01:00

Título: Línea
Soporte: Fotografía Digital
Año: 2007

Hacía tiempo que no subía ninguna fotografía, porque no acabo de encontrar tiempo para dedicarle al blog, entre tantas cosas que ando haciendo. Durante los últimos dos años he seguido desarrollando el proyecto de fotografía de puertas, y he seguido descubriendo composiciones muy sugerentes. Arte encontrado frente a creado, pero, al discriminar una imagen frente a todas las que percibimos, ¿no estamos precisamente creando dicha imagen? Una reflexión interesante para una tarde aburrida, ¡espero que os guste la imagen!

Antilogos (o lo que ocurre cuando obvias la fase de beta-testing de un logotipo)

2008-11-10T16:15:00.002+01:00

Todo diseño consta de una serie de pasos, que suelen ser documentación, investigación, primera fase de esbozos, primera fase de bocetos, primera fase de control o de beta-testing, y ya luego se pasa a las fases de desarrollo y acabado. Las fases de esbozo, boceto y control se pueden repetir todas las veces que sean necesarias, y a veces puedes quedarte ahí enganchado en una especie de bucle infinito. Pero cuando no haces esa fase de beta-testing (que básicamente consta de dos partes, la de ver si funciona y si gusta, y la de buscar a ver "por donde meterle mano") a veces pasan cosas como estas perlitas que me han mandado por mail...
Para que digan que el diseño lo puede hacer cualquiera. Ole!

¡Ya me piratean!

2008-11-05T22:54:00.003+01:00

Pues eso, ¡me he encontrado por ahí una página de descargas en la que aparece una carátula hecha por mí! Es una sensación curiosa, porque en cierto sentido me siento "consolidado" como diseñador gráfico, pero a la vez tengo que ponerme serio y observar lo poco que me afecta a mí, pero lo mucho que debe molestar a las muchísimas personas que realizan su trabajo con todo su cariño y luego se encuentran con que circula por internet, sin recibir la más mínima consideración, no digo ya entrando en el mercantilismo, pero es que no reciben ni la felicitación por su trabajo. Es un debate interesante, aunque tal vez algo manido, sin embargo un día podríamos reflexionar sobre copyrights, derechos de autor, legislación vigente... Sin duda un tema peculiar, pero bueno, ahora ya puedo decir que al menos algo que yo he hecho, ya ha sido pirateado. Sin embargo, probablemente sea el trabajo que yo he hecho que más gente ha visto...
¿curiosa reflexión verdad? Un abrazo a todos, ¡y hasta pronto!

"Coleccionar el mundo" en la Fundación Mapfre

2008-10-12T12:27:00.007+02:00

En la sala que la fundación Mapfre tiene en la Avenida General Perón (recordemos que ahora también tienen una en Recoletos 23) se exhibe estos días una muestra de fotografía. El hilo conductor de la exposición es la ciudad de Nueva York, vista desde los objetivos de seis de sus fotógrafos más ilustres. Las conexiones directas e indirectas que surgen entre los seis fotógrafos, que son de dos generaciones distintas y bien diferenciadas ((Walker Evans, Helen Levitt y Harry Callahan, nacidos entre 1903 y 1913, y Diane Arbus, Lee Friedlander y Garry Winogrand, nacidos entre 1923 y 1934) sirven como base para mostrar parte del trabajo de los seis fotógrafos, considerados todos ellos como algunos de los más importantes exponentes de esta disciplina.

En esta página tenéis una breve biografía de todos ellos, pero por resumir mucho, realmente mucho, diremos dos apuntes de cada uno:

· Diane Arbus se caracteriza por ser muy directa. Dedicó gran parte de su actividad fotográfica a retratar lo extraño, lo feo y lo grotesco.

· Harry Callahan, poseedor de una técnica extremadamente depurada, consigue aislar y presentar en sus fotografías un retrato de su sociedad en la que solo observa sin intervenir.

· Walker Evans está considerado el padre de la fotografía documental, y retrata de forma minuciosa su entorno y la ciudad en la que vive.

· Lee Friedlander es una figura clave de la fotografía postdocumentalista. Utiliza la iconografía de la fotografía documental para plasmar una visión más global de su entorno y de sí mismo. Su visión es crítica, frente a la visión documentalista, que sigue el principio de no-intervención.

· Helen Lewitt, como lo hiciera Cartier Bresson, ejerce de cronista a través de lo instantáneo, de la sutileza y de la lírica. Retrata la ciudad a través de elemenos que no parecen tener relación entre sí, y que sin embargo contienen un elegante y profundo discurso.

· Garry Winogrand es, como Lee Friedlander, un fotógrafo postdocumentalista. Su propósito es el de entender la vida a través de las fotografías.

Sin duda todas las piezas presentadas son de una calidad incuestionable, pues sin duda estamos hablando de maestros de la fotografía. Desde un punto de vista estrictamente personal, me llamaron especialmente la atención las obras de Lee Friedlander, una serie de fotografías en las que aparecen monitores de televisión, pues su contenido conceptual, en el que se apela al espectador a no caer en la trampa de la narrativa sencilla, por ser muy moderna, y poco habitual en los fotógrafos docuementalistas, post documentalistas, etc.

La obra de Diane Arbus, que para mí fue el anzuelo que me hizo hasta la exposición a verla, es desde mi punto de vista la más impresionante de todas. Cada fotografía tiene una fuerza desgarradora, me pareció impactante y desde mi punto de vista la exposición entera merece la pena solo por ver las obras de la autora, recientemente retratada en la película "Fur" (en castellano "Retrato de una Obsesión").

Y por último destaco la obra de Helen Lewitt, que me sorprendió por su exquisitez y su delicadeza, realmente hacía tiempo que no veía obras que de forma tan evidente y a la vez tan sencilla reflejasen semejante nivel de perfección, de gusto por el detalle, y a la vez tanto contenido lírico. Una fotógrafa a la que yo no conocía, y que sin duda me ha parecido interesantísima.

Así que el resumen es que si os gusta la fotografía documental, no deberíais perderos la exposición. Como siempre una exposición soberbia de la Fundación Mapfre de Madrid. Si vais a verla, me contáis si os ha gustado ¿vale? ¡Un abrazo!

Más fotos de Berlín

2008-10-05T11:56:00.002+02:00

En la entrada "Berlín 08, Segundo día" he subido algunas fotos más del viaje a Berlín, por si os apetece echar un vistazo. De paso he subido esta, que es un trocito del muro de Berlín que estaba en la Konstanzer Platz. Espero que os guste!

Autoretrato de ReyTomberi estilo South Park

2008-09-29T16:45:00.003+02:00

"La caricatura tipo South Park. No me entusiasma mucho, pero estampoco le dediqué una mañana :D"

Pues a mí me parece muy divertida la verdad, aunque es verdad que hasta ahora tal vez sea la que menos se parece a su dueño (Morán, para los que no conozcan su identidad secreta) (Perdona por revelarla tío ;D) y me hace mucha gracia ir coleccionando las caricaturas de todos, así que espero impaciente alguna más :D
Mira Piedras, parece que sientas escuela!

¡Un abrazo a todos!

Autoretrato de Piedras estilo South Park

2008-09-28T12:08:00.003+02:00

Marcos me manda el retrato que se ha hecho estilo South Park, y me dice lo siguiente:

"Hola, Fausto. Te envío mi "yo" a lo South Park, para que lo pongas en tu blog y la gente que me conozca vote cuánto se parece a mí. De paso, podrías pedir a todos los que vemos tu blog que hagan lo mismo: que envíen su imagen a lo South Park y votemos."

Así que ahí queda eso, os recuerdo que aquí podéis haceros a vosotros o a quien queráis, un abrazo!

PD. Perdona por haber tardado tanto en subirla Marcos, pero es que no he encontrado un momento para hacerlo, sorry!